Car cette saison, Kim Jones n’a pas défilé. Il a capitonné.

Dans le grand brouhaha mode de janvier – où le sport, l’outdoor et le gorpcore continuent de coloniser les trottoirs du centre de Paris – une doudoune faisait discrètement la différence. Signée Areal, elle est le fruit d’une collaboration entre le designer britannique et Bosideng, mastodonte chinois du duvet, plus habitué aux sommets enneigés qu’aux salons feutrés du luxe européen.

Dévoilée à Shanghai en octobre dernier, au moment même où Kim Jones prenait officiellement les rênes créatives de la marque, la collection s’est offert pour son arrivée en Europe une scène à la hauteur de ses ambitions : les Galeries Lafayette Paris Haussmann. Rien de moins que l’entrée principale du magasin Coupole, transformée en pop-up événementiel du 15 janvier au 9 février 2026.

Derrière le duvet, une stratégie bien gonflée. Bosideng, géant du textile dans son pays, entend séduire une clientèle européenne jeune, urbaine, fortunée – et suffisamment avertie pour reconnaître une griffe de designer avant même de lire l’étiquette. Avec Areal, la marque propose une version luxueuse de l’outerwear : matières techniques, mélanges de laine, coupes nettes et finitions soignées. Le tout emballé dans un discours très Kim Jones : fonctionnel, culturel, contemporain.

Mais Bosideng ne s’est pas contenté d’habiller les mannequins invisibles des vitrines. Profitant de la Fashion Week, la marque a organisé un gala, multiplié les rencontres avec institutionnels et acteurs clés du commerce parisien, et martelé un message clair : l’esthétique orientale peut parler un langage global – à condition d’être bien traduite.

L’opération joue sur deux tableaux. À Paris, il s’agit de s’ancrer dans l’écosystème mode occidental et de séduire partenaires comme consommateurs. En Chine, la présence dans un grand magasin emblématique européen agit comme un label de légitimité : Bosideng n’est plus seulement un expert du froid, mais un acteur du style international.

Avec Areal, la marque tisse donc patiemment sa toile entre Shanghai, Paris et Londres. Après la fermeture du pop-up parisien le 9 février, la ligne poursuivra sa trajectoire au flagship londonien de Bosideng, avant de regagner la Chine continentale, notamment au Grand Gateway 66 de Shanghai.

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Valentino n’aimait pas le hasard. Il aimait les entrées, les sorties, les lumières bien réglées et les femmes magnifiées. Pendant plus de quarante ans, il a habillé celles qui incarnaient le pouvoir, la gloire ou le fantasme : Jackie Kennedy, Sophia Loren, Farah Pahlavi, Elizabeth Taylor… Puis, quand Hollywood changea de visage, Sharon Stone, Nicole Kidman, Gwyneth Paltrow, Kim Kardashian. Les époques passaient, Valentino restait.

Il n’a jamais voulu être un créateur conceptuel. Il voulait être admiré. Il voulait que ses robes marchent avant les femmes, qu’elles annoncent leur arrivée, qu’elles fassent taire une salle. Et il y est parvenu avec une constance presque provocante.

Un homme qui savait vivre (et le faisait savoir)

Valentino ne se contentait pas de créer du luxe : il l’incarnait. Villas, palais, appartements, chalets, châteaux. Rome, Londres, New York, Gstaad, Wideville. Une géographie du privilège, assumée jusqu’à l’excès. Il vivait comme ses clientes : entouré d’art, de fleurs fraîches, de personnel discret et d’un sens aigu de la mise en scène.

Il donnait des fêtes quand le monde prônait la sobriété. Des dîners fastueux quand la mode parlait de minimalisme.

J’embellis tout ce que je touche

disait-il.

Chez lui, ce n’était pas une formule : c’était un programme.

Apprendre chez les dieux pour devenir un classique

Né à Voghera en 1932, Valentino part à Paris à 17 ans. Il apprend chez Balenciaga, Jean Dessès, Guy Laroche. Il observe, il absorbe, il comprend. La couture n’est pas une improvisation, c’est une architecture.

De retour à Rome à la fin des années 1950, il tombe pile au bon moment. Cinecittà transforme la ville en capitale mondiale du cinéma. Les actrices veulent des robes spectaculaires. Valentino sait les faire. Le soir, il devient incontournable.

Giancarlo, le stratège invisible

Sans Giancarlo Giammetti, Valentino serait resté un grand couturier. Avec lui, il devient une institution. Associé, compagnon, architecte de l’empire, Giancarlo Giammetti transforme la vision en machine parfaitement huilée. Ensemble, ils inventent une maison où le glamour n’est jamais laissé au hasard.

Leur duo incarne une époque où la mode se pensait encore comme une dynastie.

Le rouge comme manifeste

Il y a eu les volants, les broderies, les mousselines, les zibelines. Et puis il y a eu le rouge. Ce rouge Valentino, né d’un choc esthétique adolescent à l’Opéra de Barcelone, devenu une signature mondiale. Une couleur qui ne cherche pas la subtilité mais la mémoire.

Sur les tapis rouges, ce rouge brûlait. Il n’accompagnait pas les stars : il les dominait. Valentino ne faisait pas des robes pour passer inaperçues. Il faisait des robes pour entrer dans l’histoire des images.

Un classique dans un monde pressé

Valentino n’a jamais cherché à être moderne. Il a préféré être intemporel. Il croyait à l’éducation, à la discipline, au bon goût appris. Il se méfiait de la désinvolture élevée au rang de style.

Le comble de l’inélégance, c’est la mauvaise éducation

répétait-il, regardant une époque qui confond souvent négligence et audace.

En 2008, il quitte la scène. Il a 75 ans, un empire vendu pour 300 millions de dollars, un prénom devenu adjectif. Il se retire dans ses maisons, ses souvenirs, ses collections.

Valentino disparaît, mais son monde, lui, refuse encore de disparaître. Il persiste dans une robe rouge, une entrée remarquée, une élégance qui n’a jamais demandé la permission. Paix à son âme.

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La décision est tombée récemment, solennelle, grave, presque héroïque. Les autorités ont rappelé à l’ordre le géant chinois de l’ultra-fast-fashion pour ses pratiques commerciales. Promotions trompeuses, messages environnementaux un peu trop enthousiastes, prix barrés qui barrent surtout la réalité… bref, Shein n’aurait pas été parfaitement vertueux. Quelle surprise.

Car enfin, que reproche-t-on vraiment à Shein ? De vendre des vêtements à des prix si bas qu’ils défient les lois de la physique, de l’éthique et parfois du bon goût ? De permettre à des millions de consommateurs d’acheter 14 articles pour le prix d’un café en terrasse ? De rendre la mode jetable, accessible, compulsive – presque joyeuse ? Un crime, manifestement.

Pendant que certaines multinationales optimisent tranquillement leurs impôts à coups de montages juridiques complexes, Shein, lui, a l’audace de barrer un prix trop généreusement. Priorités.

La justice explique vouloir “protéger le consommateur”. Le même consommateur qui clique frénétiquement sur “Ajouter au panier” à 2 h du matin, parfaitement conscient que ce pantalon à 4,99 € ne survivra probablement pas à trois lavages ni à une crise existentielle. Mais qu’importe : il fallait le sauver de lui-même.

Quant à l’argument écologique, il est brandi avec le sérieux d’un sermon. Shein aurait péché par excès de greenwashing. Quelle indignité. Tout le monde sait pourtant que le coton “responsable” à 2,50 € est une denrée rare, presque mythologique. Faut-il vraiment reprocher à la marque d’y croire très fort ?

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Au fond, cette décision ressemble surtout à un grand moment de théâtre administratif : on tape sur Shein parce que c’est visible, populaire et facile. Parce que le logo est connu, l’application omniprésente, et le coup médiatique garanti. Réguler en profondeur l’industrie textile mondiale ? Trop compliqué. Repenser nos modes de consommation ? Inconfortable. Mais rappeler Shein à l’ordre ? Voilà une victoire propre, nette, printable en communiqué de presse.

Shein survivra, évidemment. Quelques ajustements de wording, deux ou trois engagements supplémentaires, et la machine repartira. Mais la justice, elle, pourra dormir tranquille : elle aura fait plier un t-shirt à… 3 euros.

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Dès l’entrée, le décor donne le ton. L’architecte français Marc Leschelier installe un paysage minéral et conceptuel avec « Ancient/New Site » : 18 monolithes monumentaux, surgis sur 1 700 m², comme un Stonehenge futuriste échoué au cœur de la place centrale. Le message est clair : ici, le passé dialogue avec le présent, et le présent ne craint pas l’échelle XXL.

Parmi les nouveautés les plus scrutées, HiBeauty fait une entrée remarquée. Ce nouvel espace, dédié à la parfumerie de recherche, s’appuie sur l’expertise de Pitti Fragranze pour introduire, dans Futuro Maschile, dix marques indépendantes. Une respiration olfactive dans un univers textile, preuve que le vestiaire masculin s’écrit désormais aussi par le nez. Autre virage stratégique : le partenariat entre Pitti Immagine et Hyperscout, qui injecte de l’intelligence artificielle dans l’écosystème du salon via des outils de matchmaking et de profilage. L’humain reste au centre, mais l’algorithme commence à lui souffler à l’oreille.

Le casting, lui, s’étoffe. 43 nouveaux noms et retours rejoignent la partition, de Save the Duck à Snow Peak, de Bogner à Inis Meáin Ireland, dessinant un panorama où l’outdoor, le tailoring et l’expérimentation cohabitent sans friction. Moment attendu : le designer Gabriel Stunz, passé par les podiums parisiens, présente à Florence son label fondé en 2011, avec une collection inspirée de Manon Lescaut. Chez WP Lavori in corso, la nouveauté est féminine avec le lancement de Baracuta Donna, tandis que Roy Roger’s et Kappa fusionnent denim et haute technicité dans un ensemble de ski hybride. Le sport n’est plus un genre, mais un langage transversal.

La Fortezza accueille aussi des stratégies de relance et des déclarations d’intention. Schneiders Salzburg, institution autrichienne du loden, entame ici un nouveau chapitre international sous l’impulsion de Giovanni Schneider. Asics, de son côté, détourne le classicisme avec Asics Walking, une chaussure qui cache sous son allure sage une semelle hautement technique. Marcher, oui, mais avec précision.

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L’international s’exprime surtout à travers les créateurs invités. Le Japonais Soshi Otsuki orchestre un défilé-événement où le style nippon épouse le Made in Italy. Hed Mayner, fidèle à son approche architecturale, poursuit sa déconstruction méthodique du vestiaire masculin. Et Shinyakozuka, figure montante basée à Tokyo, s’impose comme tête d’affiche d’un défilé spécial en collaboration avec la Japan Fashion Week Organization, avec des pièces peintes ou finies à la main, comme autant de manifestes portables.

L’Extrême-Orient rayonne également à travers Consinee, géant chinois du cachemire, qui présente l’installation « Echoes of Craft », curatée par Sara Sozzani Maino avec le designer Galib Gassanoff. Le Japon institutionnel n’est pas en reste : J∞Quality, Japan Leather Showroom, et le projet Sebiro Sampo confirment la vitalité et la rigueur de l’écosystème nippon. À leurs côtés, CODE Korea revient pour une deuxième édition, tandis que le Nord s’invite avec Scandinavian Manifesto, orchestré par CIFF.

En toile de fond, Milan se prépare à prendre le relais. Avec une journée de chevauchement, la Fashion Week Homme ouvre la saison le 16 janvier avec 76 rendez-vous, mêlant défilés physiques, numériques, présentations et événements. Les retours de Zegna et Dsquared2, les entrées de Ralph Lauren, Victor Hart ou Domenico Orefice, et la présence continue des grands noms italiens – de Prada à Brunello Cucinelli, d’Armani à Brioni – dessinent un calendrier dense, presque vertigineux.

Les anniversaires rythment aussi la semaine : Blauer fête ses 25 ans, Pronounce ses 10 ans, tandis que EA7 Emporio Armani célèbre déjà les Jeux de Milan-Cortina 2026. La communication officielle, signée Alessandro Burzigotti, transforme la ville en décor narratif, mettant en lumière une nouvelle génération de labels et les lieux emblématiques de Milan.

Enfin, comme un rappel nécessaire, la Fondation Sozzani redeviendra le cœur battant de la CNMI pour soutenir les créateurs émergents. Défilés, présentations, prises de parole : ici, la mode ne court pas après le mouvement, elle le fabrique.

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Les amateurs de symboles s’en réjouissent : 2 + 0 + 2 + 6, ça fait 10, puis 1. Une année « 1 », paraît-il. Celle des recommencements, des coups d’épaule, des récits qui s’écrivent sans mode d’emploi. La mode, toujours prompte à lire les signes avant qu’ils ne deviennent tendance, a pris le message au pied de la lettre. Après deux ans de mercato effréné, de départs théâtraux et de premiers défilés sous tension, 2026 commence là où les autres années prennent généralement leur souffle.

On l’a longtemps cru soporifique. Janvier 2026 a décidé de prouver le contraire. Sa semaine de la haute couture ressemble moins à une parenthèse qu’à une audition à ciel ouvert. Jonathan Anderson arrive chez Dior comme on entre dans une pièce déjà chargée d’histoire : avec l’élégance de ceux qui savent qu’ils seront scrutés à la loupe. Le lendemain, Matthieu Blazy poursuit son installation chez Chanel, couture comprise, après avoir déjà montré à New York qu’il savait manier les savoir-faire sans les mettre sous cloche. Les autres maisons, elles, jouent encore à cache-cache. Balenciaga, Jean Paul Gaultier… silence radio. Dans la mode, l’absence est souvent une déclaration.

Des adieux qui ressemblent à des passages de témoin

2026 est aussi une année qui dit au revoir – mais sans pathos. Véronique Nichanian quittera Hermès après trente-sept ans d’exercice, laissant derrière elle une vision du vestiaire masculin si cohérente qu’elle semble presque intemporelle.

À Milan, Gucci offrira à Demna son premier défilé officiel. Promesse d’un virage assumé, ou d’une redéfinition lente ? À Paris, Antonin Tron refermera le chapitre Balmain, pendant que Maria Grazia Chiuri ouvrira le sien chez Fendi. La mode adore appeler cela des « transitions ». En réalité, elle adore surtout le vertige.

Le flou comme moteur créatif

Tout n’est pas encore écrit, et c’est peut-être là que 2026 se montre la plus intéressante. Le départ express de Dario Vitale chez Versace a laissé derrière lui un parfum de scénario inachevé. Pieter Mulier partira-t-il pour l’Italie ? Qui reprendra Alaïa, si cela arrive ? Et que font, pendant ce temps, Hedi Slimane, John Galliano ou Olivier Rousteing, silencieux mais jamais absents ?

Dans la mode, l’attente est une discipline à part entière.

Quand l’Amérique sert de décor

Le printemps, lui, parle anglais. Les défilés Croisière s’installent à Aspen, Los Angeles ou New York comme on plante un décor de cinéma. Moncler joue la montagne chic, Dior la lumière californienne, Gucci et Louis Vuitton se partagent Manhattan. Moins des voyages que des déclarations d’intention : la mode veut de l’espace, du spectaculaire, et un public qui regarde.

Les anciens ne disparaissent jamais vraiment

Quarante ans après leur apparition, les Six d’Anvers rappellent que les révolutions les plus durables commencent souvent loin des capitales attendues. Une rétrospective au MoMu d’Anvers remettra leurs noms – Dries, Ann, Walter, Dirk, Dirk et Marina – au centre du récit. Non pas comme des reliques, mais comme des rappels utiles : l’avant-garde vieillit bien quand elle refuse de devenir confortable.

La nuit reprend ses droits

Longtemps, la mode a fait semblant de se coucher tôt. 2026 signe la fin de cette hypocrisie. À Paris, le Bus Palladium et le Palace s’apprêtent à rouvrir leurs portes, convoquant les fantômes de Mick Jagger, des nuits trop longues et des collections dessinées au petit matin. Et ce n’est pas un détail. La mode a toujours mieux pensé après minuit.

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Ici, le luxe ne crie pas. Il murmure. Il vit dans la texture d’un cachemire non teint, dans la profondeur d’une maille qui n’a rien à prouver. Falconeri signe une capsule qui fait de la retenue un manifeste et de la simplicité une audace.

Six pièces seulement, pour Elle et pour Lui. Pas besoin de plus quand la matière prend le pouvoir. Deux mailles structurent la collection : un tricot mouliné aux nuances organiques, presque minérales, et un cachemire 4-fils qui assume son relief et sa densité. Les torsades se dessinent avec retenue, les côtes jouent la discrétion, les coupes sont nettes. Tout est là, précisément à sa place.

La palette ? Trois couleurs, ou plutôt trois vérités : un blanc lumineux, un brun chaud, un gris clair délicatement poudré. Des teintes non teintées, obtenues par la rencontre brute de fibres laissées à l’état originel. Aucun pigment, aucun maquillage. Juste la matière, dans ce qu’elle a de plus honnête. La couleur devient une conséquence, jamais une intention.

Dans cette esthétique volontairement épurée, chaque détail compte. Les volumes tombent juste, les points de tricot rythment le vêtement, la silhouette s’installe naturellement. Col rond, col V, zip minimal : Falconeri revient aux basiques, les vrais, ceux qui traversent les saisons et échappent aux effets de mode.

Avec Undyed Cashmere, Falconeri ne lance pas simplement une capsule. La marque pose une question : et si le vrai luxe consistait à ne rien ajouter ? À laisser la matière parler, enfin. Un cachemire à nu, sincère, presque radical — et furieusement moderne.

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Bowery Station. Des escaliers fatigués, des portiques qui refusent toujours de coopérer, un quai trop étroit pour les rêves qu’on y fait. Chanel s’y installe comme si la Maison avait toujours été là. Pas en héritière précieuse, mais en habituée. Une maison centenaire qui connaît la latence des trains en retard.

Avant le défilé, un film. Michel Gondry derrière la caméra. Margaret Qualley, A$AP Rocky. De l’amour, mais pas l’amour glamour — l’amour qui attend, qui court, qui rate parfois sa rame. Une ville filmée à hauteur de trottoir, légèrement floue, déjà nostalgique d’elle-même. Le ton est donné : ce sera doux, un peu bancal, résolument humain.

Sur le quai, le casting est un accident contrôlé. Une mondaine des années folles croise une consultante en denim usé. Un banquier côtoie Clark Kent. Une fille de fête se raconte une vie tandis qu’un touriste regarde ses sneakers. Ce défilé ressemble à un plan séquence mal rangé — et c’est précisément ce qui le rend juste. New York ne classe personne.

Les vêtements suivent le mouvement. Le tweed ne se prend pas au sérieux : il héberge des chiens minuscules. Manhattan se retourne comme une chaussette et s’étale sur une jupe. Un sac 2.55 décide d’évoluer et s’offre quatre pattes, comme un animal de compagnie urbain. Chez Matthieu Blazy, même les icônes se permettent une crise d’identité.

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Mais sous cette joyeuse dérive, les Métiers d’art travaillent dur. Lemarié, Lesage, Massaro : les mains savent exactement ce qu’elles font. Chaque plume est placée, chaque broderie raconte quelque chose — même quand le propos semble flâner. Chanel fait semblant de ne pas être sérieux. En réalité, la Maison est redoutablement précise.

Ce défilé parle moins de New York que de ce que New York permet. L’idée qu’on peut être élégant sans être figé, multiple sans se perdre. Gabrielle Chanel l’avait senti dès les années 1930, quand elle voyait sa mode copiée dans la rue et s’en félicitait. Le style, pour exister, doit être pris, tordu, usé.

Matthieu Blazy ne rend pas hommage. Il installe une continuité. Il ne met pas Chanel sur un piédestal : il fait voyager l’enseigne. Et comme dans le métro new-yorkais, le plus important n’est pas l’arrêt final, mais les silhouettes qu’on croise en chemin.

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Il était environ 19h quand les premiers invités ont commencé à affluer sous les arches du cloître imaginé par Donato Bramante. Regé-Jean Page, Sean Teale, Ed Speleers, Lee Soo Hyuk, Luca Argentero, Stefano Accorsi… Autant de noms que l’on croise d’habitude sur les affiches de cinéma, pas dans un couloir Renaissance au crépuscule.

À côté d’eux, Bruce Pask — figure culte de Bergdorf Goodman — observait les silhouettes avec un œil de faucon et l’élégance tranquille de ceux qui savent.

De notre côté, nous tentions de rester concentrés, mais difficile de ne pas scruter les revers, les constructions d’épaule, les proportions parfaites qui défilaient sous nos yeux.

Huit décennies racontées comme un film

Au cœur du cloître, Brioni proposait une installation retraçant son histoire — du premier défilé masculin jamais organisé, en 1952 à Florence, jusqu’à ses shows avant-gardistes au Waldorf Astoria New York dans les années 1960.

Des smokings portés par Oscar Isaac, Marcello Mastroianni, Pierce Brosnan ou Daniel Craig semblaient nous défier du regard depuis leurs vitrines. On vous a vus, les agents secrets.

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Le dîner : élégance dans l’assiette

Lorsque Federico Arrigoni, le nouveau CEO, prend la parole, artichauts croustillants et risotto cacio e pepe viennent à peine d’être déposés sur les tables.

Dans la salle, on écoute. Et on approuve :

Ce soir, ce n’est pas seulement un hommage au passé. C’est un tournant.

Il avait raison : il y avait dans l’air cette énergie rare des grandes soirées où l’on sent qu’un chapitre s’ouvre.

Mario Biondi, des negronis… et ce charme romain indéfinissable

Le concert du chanteur Mario Biondi, grave et suave comme du velours noir, a ajouté une touche de sensualité musicale.

Sa remarque, mi-sérieuse mi-taquine — « On voit souvent à Rome des femmes raffinées, mais rarement autant d’hommes élégants ! » — a déclenché un rire aussi chic que les smokings environnants.

Plus tard, dans la sacristie du cloître, negronis et digestifs circulaient parmi les invités qui semblaient flotter dans une bulle intemporelle. À ce stade, la soirée ressemblait davantage à une scène coupée de La Grande Bellezza qu’à un événement de mode.

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Isabella Ferrari, le style qui parle pour elle

Quand nous avons croisé Isabella Ferrari, divine en tailleur-pantalon noir, elle nous a confié :

Les femmes aiment désormais Brioni autant que les hommes.

Une phrase qui résonne fort, surtout quand on se souvient qu’elle répondait à Jep Gambardella : « Je suis riche. »

Ce soir-là, tout le monde semblait riche — en style, en allure, en douceur de vivre. En Italie, l’élégance n’est jamais un hasard. C’est un héritage vivant.

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Les inspecteurs de la DGCCRF, qui devaient sans doute s’attendre à tomber sur des t-shirts à paillettes, sont tombés sur des poupées de 80 cm présentant des traits enfantins, accompagnées d’un descriptif sexuel explicite. Le Parisien publie même la photo : une fillette miniature, un nounours dans les bras, vendue comme accessoire pour adultes.

Ambiance.

Il y a même des commentaires d’acheteurs

soupire la porte-parole de la DGCCRF. Parce qu’évidemment, Internet ne déçoit jamais.

Shein découvre, étonné, qu’il vend l’indéfendable ?

Le groupe a juré qu’il n’était “pas au courant” (comme d’habitude), que les produits avaient été “immédiatement retirés” et qu’une “enquête interne” était en cours. Une phrase qu’on pourrait copier-coller dans quasiment tous leurs scandales récents.

Shein promet une “tolérance zéro”, sauf quand il s’agit d’esclavage textile, de pollution plastique ou de promotions mensongères. Là, la tolérance devient subitement très, très large.

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Une justice saisie, une réputation déjà lessivée

La DGCCRF a saisi la justice, estimant que les produits laissaient “difficilement place au doute” sur leur caractère pédopornographique. Et quand la Répression des fraudes commence à parler comme un procureur, c’est rarement bon signe.

Le ministre du Commerce, Serge Papin, a rappelé sur X que “l’État ne faiblira pas pour protéger les Françaises et les Français”. Traduction : il a tweeté sa colère entre deux réunions.

Mode jetable, éthique recyclable

Shein, déjà condamné à 191 millions d’euros d’amendes cette année pour diverses tromperies, semble désormais explorer de nouveaux marchés : après la fast-fashion, la fast-ignominie.

La marque, championne du “toujours plus vite, toujours plus cheap”, s’apprête pourtant à couper le ruban de sa première boutique physique permanente au BHV, dans le Marais.

De quoi offrir une expérience immersive : acheter un t-shirt à 2 € pendant qu’une marque soupçonnée de promouvoir la pédopornographie promet de “revoir ses dispositifs de contrôle”.

La morale, taille unique mais rarement portée

Cette affaire pourrait n’être qu’un énième épisode du grand feuilleton Shein : concurrence déloyale, non-conformités, cookies illégaux, pollution textile… et maintenant, poupées interdites par la loi.

Le tout à quelques jours de l’ouverture d’un flagship de 1 000 m², symbole parfait de notre époque : un temple du jetable où l’on vend tout, sauf la honte.

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Le grand triomphe, c’est celui de Lucas Emilio Brunner, 26 ans, moitié Suisse, moitié Chilien, entièrement sur orbite. Son grand prix du jury Mode récompense une collection masculine tout en ballon : vestes tartan gonflées, trenchs noués façon latex de fête, bérets ovoïdes et t-shirts frangés de baudruches dégonflées.

Chez Lucas Emilio Brunner, l’élégance joue avec la pression d’air et la nostalgie Ivy League. Derrière le clin d’œil pop, une vraie recherche de matière et de forme, où la légèreté devient architecture. C’est inventif, un peu fou, parfaitement maîtrisé — bref, un vent frais dans un vestiaire parfois engoncé.

Chanel, montagne et tutu

À Hyères, les autres prix n’ont pas manqué de panache. Adrien Michel, Vosgien d’altitude et diplômé de La Cambre, a décroché le prix 19M des métiers d’art pour ses trenchs-doudounes et chemises de bûcheron futuristes.

Layla Al Tawaya, 24 ans, Polonaise et Palestinienne, a emporté le prix l’Atelier des matières en travaillant le cuir comme de la dentelle et le tutu comme une armure. Résultat ? Un vestiaire baroque, qui s’autorise les volants, les fronces et les jabots, sans jamais perdre le fil du contemporain.

Quant au prix du public, il revient au Libanais Youssef Zogheib, qui revisite la guerre mondiale à travers le prisme queer et les manteaux militaires qui dansent. On n’a jamais vu des soldats aussi élégants.

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Bois, bijoux et coussins

Côté accessoires, la poésie passe par les mains. Amaury Darras, ébéniste de formation, a conquis le grand prix du jury avec ses sculptures portables : corsets, sabots et sacs en bois précieux. Le corps devient mobilier, la mode devient matière.

Luisa Olivera, venue du Honduras, a charmé le public avec ses bijoux-fleurs modulaires, si légers qu’on les croirait vivants. Et Alyssa Cartaut, 24 ans, a poussé le confort jusqu’à l’absurde avec ses souliers-coussins — des mules à mini traversins, prêtes pour une sieste stylée.

Photos, coton et visibilité mondiale

Le festival, toujours curieux de nouveaux territoires, a inauguré le prix Supima, dédié au coton haut de gamme américain : c’est le Suisse Noah Almonte qui partira à New York, tissus et rêves sous le bras.

En photographie, la Française Noémie Ninot a décroché le grand prix 7L, Julie Joubert une mention spéciale, tandis que Gabriel Mrabi et Yama Ndiyae complétaient le palmarès.

Hyères, toujours debout ?

Cette 40e édition, resserrée mais brillante, prouve que la villa Noailles reste un phare dans la nuit de la création émergente.

Malgré les coupes, les angoisses et les tempêtes, Hyères continue de faire ce qu’il sait faire de mieux : gonfler les jeunes talents, façon ballon de fête prêt à s’envoler.

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