Encore peu montrée en France, la photographe néerlandaise fait l’objet d’une vaste rétrospective à la Maison Européenne de la Photographie jusqu’au 24 mai 2026. Intitulée Dana Lixenberg. American Images, l’exposition, co-curatée par Laurie Hurwitz (MEP) et Marcel Feil (MAPFRE), déplie plus de trente ans d’un travail obstiné, presque ascétique : construire, patiemment, une archive sensible des États-Unis.

Née à Amsterdam en 1964, installée à New York à la fin des années 1980, Lixenberg a choisi l’Amérique comme terrain d’observation – non pas celle des slogans, mais celle des seuils, des marges, des intérieurs. Elle travaille à la chambre grand format 4 × 5 pouces. Trépied, voile noir, mise au point millimétrée : l’appareil impose son tempo. On ne déclenche pas, on négocie.

Photographier est comme une danse lente

dit-elle.

Comprendre : la pose est un dialogue silencieux. Le temps n’est pas un luxe, c’est une condition. L’image n’est pas prise, elle est accordée.

Cette éthique irrigue aussi bien ses commandes pour la presse – The New Yorker, The New York Times Magazine, Vibe – que ses projets au long cours. Aucune hiérarchie. Une femme condamnée à mort au Texas reçoit la même attention qu’une star mondiale. Des travailleuses du sexe dans le Nevada, des familles sans logement dans l’Indiana : même frontalité, même lumière tenue, même refus de l’effet.

Tupac, 22 ans, sous la pluie

Son portrait de Tupac Shakur, réalisé en 1993 à Atlanta pour Vibe, reste emblématique. Il a vingt-deux ans. Il pleut. La tête légèrement inclinée, le regard presque doux, il apparaît moins en combattant qu’en écrivain. Trois ans plus tard, il sera assassiné. L’image, elle, résiste aux simplifications : elle garde la complexité d’un homme avant le mythe.

George Pitts, ancien directeur photo de Vibe, résumait cette inversion des rôles : avec les anonymes, Lixenberg révèle le charisme ; avec les célébrités, la vulnérabilité.

Documenter sans appuyer

Ses séries documentaires prolongent ce refus du spectaculaire. À Jeffersonville (Indiana), entre 1997 et 2004, elle photographie les résidents d’un foyer d’accueil sans misérabilisme. En Alaska, dans The Last Days of Shishmaref (2008), la fonte du pergélisol affleure, mais ce sont les visages qui tiennent le cadre.

Et puis il y a Imperial Courts, commencé en 1993, dans le sillage des émeutes de Los Angeles de 1992 après le passage à tabac de Rodney King et l’acquittement des policiers impliqués. Depuis plus de trente ans, Lixenberg retourne dans ce complexe de logements sociaux de Watts. Elle apporte des tirages, enregistre des voix, ajoute le son et la vidéo. Elle revient. Encore. Toujours. Là où les médias ont souvent figé le quartier dans la violence, elle construit une mémoire habitée – faite de continuités, d’absences, d’enfants devenus adultes.

Voir cette publication sur Instagram

Une publication partagée par MEP (@mep.paris)

Une résistance tranquille

À l’heure des flux et des scrolls, son œuvre agit comme une chambre d’écho. Elle ralentit. Elle oblige à regarder. Elle ne dramatise pas, elle insiste. Chaque portrait semble dire : voici une personne, irréductible à son statut, à son contexte, à son image publique.

Dana Lixenberg photographie l’attente – non comme un vide, mais comme un espace de rencontre. Une politique du regard, en somme. Patiente. Têtue. Profondément humaine.

“Dana Lixenberg. American Images”, jusqu’au 24 mai 2026 à la Maison Européenne de la Photographie, 5/7 rue de Fourcy, Paris IVe.

The post Dana Lixenberg, l’Amérique à contretemps appeared first on picolino • actualités lifestyle beauté tendances et culture.

À peine les portes ouvertes, les galeries internationales ont dégainé leurs cartons rouges comme des marchands de poissons le matin du marché. Richard Saltoun, Hamiltons, Fraenkel : tout le monde y est allé de sa transaction musclée.

Dans le secteur Principal, les chiffres ont circulé aussi vite que les visiteurs : 200 000 € pour une pièce de Zofia Kulik, des Eggleston autour de 50 000 €, des Ming Smith qui partent comme des petits pains institutionnels, des Robert Frank qui s’évaporent par lots de vingt-deux chez Zander.

Les Douches, de leur côté, ont presque fait chauffer le compresseur de leur machine à étiquettes : une trentaine de tirages vendus, jusqu’à 25 000 € chacun. Même ambiance effervescente chez Rose Gallery, où Tania Franco Klein a littéralement fait grimper les réservations en flèche.

Les commissaires donnent le ton : on élargit, on déplace, on bouscule

L’édition 2025 a aussi pris un virage esthétique assumé : quatre commissaires, un parcours repensé, et un secteur Voices qui s’est installé dans la nef comme si la place avait toujours été pour lui. Résultat : des stands entiers vendus chez Higher Pictures, des grandes pièces de Rinko Kawauchi parties à 7 000 €, et un public conquis par ce nouveau rythme.

Pendant ce temps, l’exposition The Last Photo tentait de faire réfléchir tout le monde à ce qui pourrait être la dernière image qu’on laisserait derrière soi. Ambiance.

Voir cette publication sur Instagram

Une publication partagée par PARIS PHOTO (@parisphotofair)

Émergence et Digital : les jeunes pousses font du bruit

Dans le secteur Émergence, les ventes ont été si dynamiques qu’on aurait dit un marché de jeunes talents sous stéroïdes. Sibusiso Bheka, Marine Lanier, Bérangère Fromont, Concordia Studio : tout ce petit monde a vu ses œuvres s’envoler.

Le secteur Digital, troisième édition seulement, continue de prouver que la photographie n’a jamais été aussi virtuelle tout en restant terriblement réelle. Luke Shannon décroche dix commandes grâce à ses scans in situ. Kevin Abosch vend trois pièces à 15 000 €. Louis-Paul Caron complète le tableau avec des œuvres entre 6 000 et 8 000 €.

On scanne, on code, on génère : la photo a définitivement appris à parler algorithmique.

Elles x Paris Photo : un programme qui pèse

La progression est nette : en sept ans, la proportion d’artistes femmes à la foire est passée de 20 % à 39 %. Et cette année encore, elles ont trusté les ventes. Mari Katayama, Marie-Laure de Decker, Donna Trope : les collectionneurs ont répondu présents, les stands ont respiré la parité, et les institutions ont suivi.

Le secteur Éditions : ou comment acheter un livre avant même d’avoir lu la quatrième

Avec 43 éditeurs et environ 400 signatures, difficile de repartir les mains vides. Certains visiteurs ont probablement acheté trois livres sans s’en rendre compte, dans l’ivresse d’une signature ou d’un papier texturé particulièrement séduisant.

Le prix Paris Photo – Aperture a, lui, couronné trois ouvrages très attendus, confirmant que le livre reste un territoire de recherche et d’invention aussi dense que la foire elle-même.

Une édition sous haute tension électrique (artistique)

L’énergie de la semaine était incroyable

résume le comité de sélection.

On veut bien les croire : entre l’afflux international, les ventes record, les installations monumentales et les conférences à la chaîne, Paris Photo 2025 ressemblait parfois à un festival rock où chaque stand était une scène.

Les partenaires — de BMW à Huawei en passant par Clifford Chance et Ruinart — ont ajouté la touche “haut-de-gamme-mais-pas-trop” qui fait désormais partie de l’ADN de la foire.

Voir cette publication sur Instagram

Une publication partagée par PARIS PHOTO (@parisphotofair)

Et maintenant ? Cap sur 2026, année du Bicentenaire

Pour la prochaine édition, du 12 au 15 novembre, Paris Photo célébrera les 200 ans de la photographie. Autant dire que le Grand Palais n’a pas fini de vibrer sous le poids des images.

The post Paris Photo 2025 : le Grand Palais déborde (littéralement) de monde appeared first on picolino • actualités lifestyle beauté tendances et culture.

C’est reparti. Sous la verrière du Grand Palais, les photographes ont rangé leurs pellicules et sorti leurs sourires d’accrochage : Paris Photo revient, et avec elle, son joyeux ballet de collectionneurs, curateurs et flâneurs au regard critique (et au tote bag siglé). Cette année, 220 exposants, 33 pays, et probablement autant de débats sur la fin de la photographie — encore une fois reportée.

Dans la nef, les galeries déploient leurs mondes parallèles. Le secteur Principal, c’est un peu le Louvre de l’instantané : des classiques impeccables, des murs si blancs qu’on s’y reflète, et ces “Prismes” monumentaux qui rappellent que la photo peut aussi se faire sculpture, performance ou pure lumière. De Dubaï à Zurich, les nouvelles venues montrent une scène mondialisée où l’on parle ISO, IA et mémoire collective dans la même phrase.

Voices, cette année, fait entendre deux accents savoureux : celui de Devika Singh et Nadine Wietlisbach, qui creusent les notions de paysage et de parenté. Résultat : des arbres, des visages, des absences, et une question lancinante — que reste-t-il de nous dans l’image, quand tout est devenu image ?

Un étage plus haut, le secteur Émergence aligne vingt jeunes artistes qui semblent dire : on n’a plus peur de rien. Des Sud-Soudanais, des Mexicains, des Français… la planète entière en 20 expositions monographiques. La photo n’a jamais eu autant d’accents, ni autant de raisons de se réinventer.

Voir cette publication sur Instagram

Une publication partagée par PARIS PHOTO (@parisphotofair)

Et parce que le numérique s’est invité dans toutes les conversations, le secteur Digital, piloté par Nina Roehrs, s’impose comme un mini-laboratoire d’expériences pixelisées. On y croise des œuvres faites d’algorithmes, des images mouvantes, des formats qu’on n’ose plus appeler “tableaux”. L’art devient fluide, liquide — et parfois, un peu glitché.

Mais cette année, les femmes tiennent le haut de l’affiche. Le parcours Elles x Paris Photo, orchestré par Devrim Bayar, reprend le fil d’une histoire longtemps coupée. La figure, le décor, le regard : tout y est matière à réécriture. Depuis 2018, la part d’artistes femmes sur la foire est passée de 20 % à 39 %. La statistique dit ce qu’elle veut, mais elle dit aussi ça : la photo n’est plus un boys club.

Autour, la machine à débats tourne à plein régime : Book Talks avec Printed Matter, cours magistral de Michel Poivert, signatures d’artistes à la chaîne. On parle “transmission”, “laboratoire”, “analogique”, parfois avec des airs de rockers nostalgiques des bains d’acide. Mais la passion est là — sincère, vibrante, presque militante.

Entre un cliché de Julia Margaret Cameron et une œuvre générative de Marisa González, le visiteur voyage dans une histoire sans chronologie : le XIXᵉ flirte avec le futur, l’argentique fricote avec le pixel. La photographie, perméable à tout, reste ce miroir étrange où l’on espère encore se reconnaître.

Alors oui, on pourrait dire que Paris Photo est une foire, un marché, un grand bazar de tirages encadrés. Mais c’est surtout un endroit où l’image se prend au sérieux, pour mieux nous rappeler que, parfois, elle nous échappe.

Plus de renseignements sur parisphoto.com

The post Paris Photo 2025 : sous la verrière, les images font leur cinéma appeared first on picolino • actualités lifestyle beauté tendances et culture.

L’été à Arles, c’est comme un mojito dans une gourde réutilisable : un mélange pas toujours équilibré, mais qui rafraîchit la pensée. Cette année, les Rencontres d’Arles 2025 ont sorti l’artillerie lourde : 20 lieux d’exposition, des artistes venus des 4 coins du monde (et quelques autres dimensions), et un thème qui donne envie de tout questionner : « Panorama identitaire ».

On s’attendait à quelques portraits bien léchés et un peu d’anthropologie visuelle sauce tiède. Résultat ? On sort avec des convictions détricotées, le cerveau en sueur et 500 photos dans son téléphone de trucs qu’on n’arrive pas à expliquer. C’est bon signe.

Le Brésil rêve à l’envers

Futurs Ancestraux : ça sonne comme un album de techno chamanique, et ça commence dans une église (les Trinitaires, ambiance mystique 10/10). Le commissaire brésilien Thyago Nogueira s’inspire du philosophe indigène Ailton Krenak, qui t’explique que l’avenir, ce n’est pas droit devant mais en spirale, imbibé de mémoires et de cicatrices coloniales.

Ce qu’on voit ? Des collages, des archives, des montages qui font parler les esprits, et même de l’IA convoquée pour honorer les ancêtres. Oui, oui. C’est comme si Midjourney avait mangé du manioc sacré. Le tout est flamboyant, politique, parfois un peu mystique. On en ressort avec une furieuse envie de relire son passé.

« Futurs Ancestraux », dans le cadre de la séquence « Contre-Voix », à l’église des Trinitaires

Nan Goldin ou la passion selon Saint-Blaise

Nan Goldin est la déesse tutélaire de toutes les âmes perdues en quête de lumière tamisée. À Arles, elle transforme l’église Saint-Blaise en chapelle intime des amours cabossés. Ses proches deviennent des héros tragiques, des dieux païens shootés à la lumière de la Renaissance.

Elle dit leurs noms, murmure leurs histoires, bande-son à l’appui. Tu veux du pathos ? Tu veux de la grâce ? Tu veux pleurer devant un portrait en tulle transparent ? Viens ici. Et surtout, respire : le syndrome de Stendhal n’est pas un mythe.

« Syndrome de Stendhal » de Nan Goldin, présenté dans la séquence « Histoires de familles », à l’église Saint-Blaise

Yves Saint Laurent, superstar de la chambre noire

Le mec qui dessinait des smokings pour femmes et des robes Mondrian avait aussi un œil affûté pour la photographie. L’expo qui lui est consacrée est une immersion totale dans le backstage du glamour, avec plus de 80 photos, 300 objets, et l’impression que la mode, c’était aussi du documentaire.

On y croise Doisneau, Avedon, Juergen Teller et Guy Bourdin, comme un dîner de famille de la haute couture sous LSD. Entre les pages de pub, les carnets de croquis et les photos ultra posées de YSL, c’est un musée dans le musée, un moodboard grandeur nature. Instagram en tremble encore.

À la Mécanique Générale, « Yves Saint Laurent et la photographie » prend place dans la séquence « Relectures »

Stéphane Couturier réconcilie Eileen Gray et Le Corbusier (en douce)

Connaissez-vous l’histoire d’amour à sens unique entre Eileen Gray, pionnière du design moderne, et Le Corbusier, l’homme qui s’est incrusté dans sa villa pour y peindre ses propres œuvres, non sollicité ? Non ? Eh bien Stéphane Couturier vous la raconte, à sa manière.

Dans E-1027+123, l’artiste-photographe décide de jouer les médiateurs visuels. Il fusionne, juxtapose, greffe et transforme les tensions en images. C’est élégant, c’est cérébral, et c’est sacrément malin. Un peu comme si un architecte vous faisait une psychanalyse avec son drone.

Stéphane Couturier investit l’Abbaye de Montmajour avec « E-1027+123 », une œuvre inscrite dans la séquence « Géométrie Variable »

Kourtney Roy, guide touristique de l’échec chic

Fin du tour avec une reine : Kourtney Roy. Maquillage outrancier, couleurs criardes, poses de pub Lidl pour un club de vacances imaginaire : la photographe canadienne tourne le tourisme en dérision, et c’est jouissif.

Ses autoportraits sentent la crème solaire périmée et le désespoir mignon. C’est pop, cynique, hilarant et ultra maîtrisé. Une satire de notre besoin d’évasion dans des lieux formatés, où la seule vraie aventure, c’est d’assumer qu’on s’y ennuie.

« La Touriste » de Kourtney Roy, dans la séquence « Chroniques Nomades », à l’ancien collège Mistral

Les Rencontres d’Arles 2025 est un festival où l’identité n’est ni selfie, ni CV, mais une matière mouvante, tordue, joyeusement brouillonne. Un puzzle en 24 expositions qui refusent le lissage, les origines figées, et les récits univoques.

Plus de renseignements sur rencontres-arles.com

The post Sex, lies & photographie : les Rencontres d’Arles en pleine crise existentielle appeared first on picolino • actualités lifestyle beauté tendances et culture.

À cette occasion, le documentaire Toute la beauté et le sang versé, réalisé par Laura Poitras, est remis en lumière. Lauréat du Lion d’or à la Mostra de Venise en 2022, le film revient sur la vie tumultueuse de Nan Goldin et son combat contre la famille Sackler, mécène influente du monde muséal, mais également au cœur de la crise des opioïdes aux États-Unis.

Nan Goldin, 69 ans, s’est imposée dès les années 1980 avec The Ballad of Sexual Dependency, série de photographies crues et intimes documentant la vie de ses proches dans le New York underground. Drogue, sexualité, violence domestique, sida : l’artiste ne détourne jamais les yeux, et offre à ses sujets – souvent issus des communautés gay – une dignité que la société leur refusait.

Son travail est profondément marqué par une histoire personnelle tragique. Le suicide de sa sœur aînée alors qu’elle était adolescente constitue un traumatisme fondateur. Après six mois d’aphasie, c’est la photographie qui lui permet de reprendre contact avec le monde.

L’art comme arme politique

En 2014, une tendinite au poignet entraîne une prescription d’OxyContin, puissant antidouleur produit par Purdue Pharma, propriété des Sackler. Rapidement dépendante, Nan Goldin parvient à se désintoxiquer, mais décide de s’attaquer publiquement à la famille. En 2017, elle fonde l’association PAIN (Prescription Addiction Intervention Now), et organise des actions spectaculaires dans les musées, jetant par exemple de faux flacons d’opioïdes dans des fontaines du Met Museum à New York.

L’objectif ? Forcer les institutions culturelles à rompre leurs liens avec la famille Sackler, dont les dons avaient jusqu’alors contribué à financer des expositions, des ailes de musées, ou des bourses. Sous la pression, plusieurs grandes institutions – dont le Louvre, le Guggenheim et le Tate – ont depuis renoncé à leur mécénat.

Une reconnaissance tardive mais méritée

Le prix Women In Motion, initié par Kering en 2015, récompense des femmes qui ont marqué le monde de la culture visuelle. Nan Goldin rejoint ainsi des lauréates comme Agnès Varda, Jane Fonda ou encore Susan Meiselas.

Cette reconnaissance, dans un cadre aussi prestigieux que les Rencontres d’Arles, souligne l’importance d’un regard artistique radical, forgé dans la douleur mais tourné vers les autres. L’œuvre de Nan Goldin témoigne d’un monde invisible, de visages oubliés, mais aussi de la capacité de l’art à devenir outil de dénonciation.

Documentaire « Toute la beauté et le sang versé » (Laura Poitras, 2023), disponible sur Canal VOD et Arte Boutique

The post L’objectif enragé de Nan Goldin appeared first on picolino • actualités lifestyle beauté tendances et culture.

Jusqu’au 1er juillet, le photographe Fred Meylan dévoile dans son studio de la rue Saint-Honoré, à Paris, une exposition inédite autour d’un thème unique : l’eau. Intitulée Swim for Ever, la série rassemble quinze photographies réalisées sur certaines des plages les plus spectaculaires de la planète, des Maldives à Bali, en passant par Santorini.

Connue pour ses lagons turquoise et ses horizons infinis, cette géographie de rêve devient sous l’objectif de Meylan un terrain d’exploration esthétique. L’exposition, centrée sur le rapport entre le corps et l’élément liquide, offre une interprétation à la fois graphique et sensorielle de la mer. Les clichés, principalement en noir et blanc, jouent sur les contrastes, les mouvements et les textures.

L’eau comme décor et partenaire

Photographiés en pleine nature, souvent à la lumière du jour, les modèles apparaissent en interaction directe avec l’océan. Certains flottent à la surface, d’autres émergent des flots, les silhouettes parfois floutées par les éclaboussures. Grâce à un matériel étanche, Fred Meylan capture ces instants à la fois suspendus et spontanés, où le corps semble se fondre dans son environnement.

La série témoigne d’un travail minutieux sur la lumière naturelle. Le photographe parvient à isoler les gouttes d’eau, à figer l’écume ou encore à dessiner les reflets sur les peaux mouillées. L’ensemble dégage une impression de liberté et de légèreté.

Un photographe entre mode et art

Fred Meylan s’est d’abord fait connaître comme photographe de presse à l’agence Sygma, avant de se tourner vers la photographie de mode dans les années 2000. Il a collaboré avec de nombreuses marques internationales, telles que L’Oréal, Nike, Clarins ou Lacoste, et a réalisé les portraits de célébrités comme Penélope Cruz, Uma Thurman ou Monica Bellucci.

Avec cette nouvelle exposition, Meylan s’inscrit dans une démarche plus artistique, qu’il développe en parallèle de ses commandes commerciales. Swim for Ever a déjà été présentée à Saint-Barthélémy, mais c’est la première fois qu’elle est exposée à Paris.

L’événement, en accès libre, s’adresse autant aux amateurs de photographie qu’aux curieux en quête d’évasion visuelle. En plein cœur de la capitale, l’exposition offre un voyage en images vers des rivages lointains, à travers un regard singulier porté sur l’eau et la beauté du mouvement.

Fred Meylan – Exposition « Swim for Ever ». Studio Fred Meylan, 332 rue Saint-Honoré, Paris (Ier). Du 27 juin au 1er juillet 2025. Entrée libre. Plus de renseignements sur fredmeylan.com

The post « Swim for Ever » by Fred Meylan : éclaboussures photographiques et sensualité brute appeared first on picolino • actualités lifestyle beauté tendances et culture.

La ville de A Coruña, en Galice, devient cet été le point de convergence entre l’Atlantique et le Londres des années 1960. La Fundación Marta Ortega Pérez (MOP) y organise une rétrospective inédite intitulée David Bailey’s Changing Fashion, consacrée à l’un des photographes les plus influents de sa génération.

Aujourd’hui âgé de 87 ans, David Bailey est considéré comme l’un des pionniers du renouveau de la photographie de mode. Révélé dans les années 60 aux côtés de figures comme Jean Shrimpton ou Mick Jagger, il impose très vite un style direct, brut et personnel qui tranche avec les conventions esthétiques de l’époque.

L’exposition rassemble près de 140 œuvres, dont certaines jamais présentées au public. Elle retrace l’évolution de son œuvre, depuis ses débuts jusqu’aux séries emblématiques comme Box of Pin-Ups, publiée en 1965. Ce portfolio historique réunissait alors les figures les plus marquantes de la culture britannique, dans une mise en scène dépouillée, rompant avec les codes glamour de l’époque.

Portraits, immersion et archives

La scénographie de l’exposition a été pensée comme une immersion dans l’univers du photographe. En plus des images, le public pourra découvrir une reconstitution d’éléments de son studio londonien, des objets personnels, un court-métrage original et un hommage au magazine Ritz, qu’il co-fonda en 1976.

Parmi les personnalités photographiées figurent notamment Cecil Beaton, Rudolf Noureev, ou encore les jumeaux Kray, figures troubles de la pègre londonienne. Tous sont capturés avec une même frontalité, dans une lumière crue qui caractérise l’approche de Bailey.

Voir cette publication sur Instagram

Une publication partagée par The MOP Foundation (@themopfoundation)

Un nouvel élan culturel pour A Coruña

Cette exposition marque le cinquième grand projet de la Fundación Marta Ortega Pérez, après les expositions dédiées à Peter Lindbergh, Steven Meisel, Helmut Newton et Irving Penn. Fondée en 2022, la fondation s’inscrit dans une volonté de promouvoir la photographie comme vecteur culturel et de positionner A Coruña sur la carte des destinations artistiques internationales.

Plus de renseignements sur themopfoundation.org

The post David Bailey débarque à A Coruña, portrait d’une époque culte appeared first on picolino • actualités lifestyle beauté tendances et culture.