Au milieu du plateau, douze grues à tour technicolor dominent la scène comme des sculptures pop. On dirait presque un Meccano géant posé au cœur du temple de la mode. L’effet amuse, intrigue, impressionne.

Le message semble limpide : Matthieu Blazy construit son Chanel. Et comme sur tout chantier ambitieux, il y a des plans, des essais, quelques détours… et de très belles trouvailles.

Le tailleur Chanel passe à la boîte à outils

Premier geste fort : Blazy s’attaque au monument de la maison, le tailleur Chanel. Blazer à quatre poches, jupe assortie, silhouette mythique. Une pièce presque sacrée.

Mais Blazy ne la place pas sous verre. Il la démonte, la transforme, la reconstruit. Le blazer devient veste-chemise souple, caban compact, redingote élancée. Les proportions glissent, les volumes changent. Et les couleurs surprennent : or bruni, noir irisé, argent métallique. Le tailleur historique passe soudain sous une lumière nouvelle.

Ce n’est pas une rupture. C’est une appropriation.

Chanel voyage dans le temps

Matthieu Blazy explore aussi les décennies comme on feuillette un album. Il convoque l’Art déco des années 1920, flirte avec la garçonne des années 1930, effleure la rigueur des années 1950, puis glisse vers le glamour des sixties.

Le podium est si vaste que les mannequins mettent près de cinq minutes à en faire le tour. Le rythme ralentit, l’intensité dramatique s’étire, mais le spectacle prend des allures de fresque. Par moments, la collection semble zigzaguer. Mais cette liberté nourrit aussi son charme.

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La mini-jupe très mini

Blazy insiste sur une idée : la taille basse. Très basse.

Les blazers s’allongent. Les jupes raccourcissent. Les deux se rencontrent quelque part à mi-cuisse. Le résultat : une série impressionnante de silhouettes inspirées de l’entre-deux-guerres, avec des mini-jupes minuscules et des robes garçonnes dont la ligne de taille descend elle aussi très bas.

Une proposition audacieuse pour la clientèle Chanel, dont l’élégance penche souvent vers un chic plus classique. Mais Matthieu Blazy expérimente. Il pousse les lignes, teste les limites.

Le premier rang brille

Comme toujours chez Chanel, le premier rang scintille. On aperçoit Teyana Taylor, Margot Robbie, ambassadrice de la maison, le cinéaste Baz Luhrmann, mais aussi Kylie Minogue, Lily-Rose Depp et Olivia Dean.

Et surtout, on remarque une armée de VIC – Very Important Clients. Chez Chanel, ils abondent. Là où d’autres défilés semblent parfois clairsemés, ici la clientèle internationale se montre en force.

Et soudain, la couleur

Puis la collection change de ton.

Les couleurs arrivent comme une vague. Les écossais pailletés éclatent. Les tailleurs brillent. Les vestes-chemises et les robes fourreau s’illuminent. Les ateliers Chanel semblent en pleine euphorie : fleurs de tissu, fleurs métalliques, ornements qui surgissent partout. Sur les cheveux gominés des mannequins, des reflets irisés répondent aux lumières du podium.

Le casting traverse les générations, de l’adolescence à la cinquantaine. Chanel affiche une élégance plurielle.

« Chenille le jour, papillon la nuit »

Dans ses notes, Matthieu Blazy cite Coco Chanel :

La mode est à la fois chenille et papillon.

La métaphore traverse le défilé : des vêtements confortables, presque austères… et d’autres qui semblent prêts à s’envoler. Matthieu Blazy encadre d’ailleurs son spectacle avec prudence : cinq silhouettes classiques noires ou écrues ouvrent le défilé, deux autres le ferment. Une élégance presque monastique, qui rappelle l’abbaye d’Aubazine, inspiration originelle de Coco Chanel.

Comme pour rassurer les puristes : le Chanel intemporel reste intact.

Un Chanel fantasmagorique

Mais ce que l’on retient surtout, c’est l’énergie du spectacle. Grues géantes, tweed transformé, mini-jupes audacieuses, explosion de couleurs : le défilé ressemble à un laboratoire créatif à ciel ouvert.

Par moments excessif, parfois déroutant, souvent merveilleux, il laisse surtout une impression forte : celle d’un créateur qui cherche, tente, construit. Et au milieu de ses grues colorées, Matthieu Blazy semble affirmer une chose :

… le chantier Chanel ne fait que commencer !

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A Paris, change de décor, de musique, de tribu, et à chaque défilé une nouvelle vision du monde apparaît – ou au moins une nouvelle manière de porter un manteau très cher.

CELINE, ou la perfection légèrement de travers

Chez Celine, Michael Rider semble avoir trouvé une formule précieuse : faire du classique tout en le décalant d’un demi-pas.

Sa troisième collection confirme l’impression laissée lors des précédentes : il comprend parfaitement ce que doit être une garde-robe parisienne – et surtout comment la perturber subtilement. Après des saisons saturées de volumes spectaculaires, les silhouettes se resserrent. Manteaux smoking, blazers croisés et pantalons légèrement évasés ouvrent le défilé dans un noir impeccable, coiffés de chapeaux melon et de cloches rétro qui donnent à l’ensemble un parfum de cinéma-mode.

L’esprit évoque parfois l’ironie chic du film Qui êtes-vous, Polly Maggoo ? : très élégant, mais jamais trop sérieux. Puis les détails prennent le relais. Les écharpes s’enroulent autour des têtes, les cols se déploient comme des sculptures textiles, tandis que surgissent manteaux en shearling animalier, pyjamas de soie écrue et blousons de motard caramel ou argent.

Présenté à l’Institut de France sous haute sécurité, le défilé est accompagné d’une bande-son où résonne feu Prince. Une collection cohérente, séduisante et très portable – ce qui, dans la mode actuelle, relève presque de la prouesse.

HERMÈS, en cavalerie chic dans la pénombre

Le défilé d’Hermès se tient à la Garde républicaine, près de la Bastille. Un lieu presque symbolique pour une maison née de la sellerie.

Sous la direction de Nadège Vanhee-Cybulski, la collection explore un territoire familier mais toujours efficace : le cuir. Beaucoup de cuir. Peut-être même presque uniquement du cuir.

Les silhouettes suggèrent une cavalière contemporaine qui hésiterait entre un cheval et une moto. Les zips diagonaux parcourent les vêtements comme des lignes de mouvement. Les cuissardes spectaculaires dominent la scène, accompagnées de jodhpurs en daim et de combinaisons de motard urbain en cuir matelassé.

Dans une palette sombre – noir, bordeaux, caramel – les mannequins avancent sur un podium métallique sinueux, baignés dans une lumière crépusculaire. L’ensemble dégage une sensualité calme, très maîtrisée, presque aristocratique. Hermès réussit ce paradoxe rare : transformer un équipement utilitaire en luxe absolu.

VIVIENNE WESTWOOD, la renaissance punk

Chez Westwood, l’histoire de la mode se transforme en pièce de théâtre.

Le directeur créatif Andreas Kronthaler imagine une collection qui semble sortir d’un rêve baroque. On y croise des manteaux à carreaux gigantesques portés ouverts sur des dessous très visibles, des blouses Tudor transformées en robes coquines et des vestes jacquard que les hommes portent avec une aisance parfaite.

Les silhouettes oscillent entre Renaissance et club londonien. La lingerie s’exhibe, les pantalons se parent de volants, les robes glissent des épaules avec une élégance presque théâtrale.

Kronthaler cite d’ailleurs comme inspiration le film The Canterbury Tales de Pier Paolo Pasolini. Le défilé se déroule dans un lycée moderniste inspiré de Le Corbusier, ce qui renforce encore le contraste entre architecture rationnelle et extravagance textile. Le résultat est joyeusement excessif, exactement l’esprit Westwood.

BALENCIAGA, Piccioli dialogue avec les fantômes

Le final se joue sur les Champs-Élysées avec le nouveau chapitre de Balenciaga.

Le designer Pierpaolo Piccioli semble dialoguer avec deux héritages à la fois. Celui du fondateur Cristóbal Balenciaga apparaît dans les manteaux cocon, les volumes tulipe et les cols entonnoir monumentaux. Celui de Demna se manifeste dans les sweats oversize et les pantalons gigantesques qui rappellent l’esthétique streetwear de la maison.

Entre les deux, Pierpaolo Piccioli installe sa propre écriture : drapés fluides, robes cocktail coupées en biais et silhouettes enveloppantes. Sur les écrans LED défilent des paysages de Californie, pendant que la musique de Steely Dan accompagne les passages.

La collection est étonnamment accessible, presque commerciale – mais c’est peut-être précisément sa force. Pierpaolo Piccioli réussit à faire dialoguer l’architecture couture de Balenciaga avec une mode contemporaine et portable.

Paris rappelle pourquoi la ville reste l’épicentre de la mode mondiale. Ici, les défilés ne sont pas seulement des vitrines commerciales : ce sont aussi des récits. Et parfois, de sublime spectacle.

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La créatrice ne fait jamais les choses à moitié. Cette saison, elle exige l’effort – dépasser les frontières familières, gravir la colline, accepter le vent. Comme un rite de passage avant d’entrer dans son récit. Le décor, à la fois délabré et grandiose, devient caisse de résonance d’une collection sans compromission, à la croisée des mondes : enfance et brutalité, poésie et sportswear, pureté et réalité.

Pour l’hiver prochain, Simone Rocha convoque deux figures tutélaires. D’un côté, les enfants cavaliers photographiés par Perry Ogden, silhouettes fières et cabossées, saisies dans les cités de Dublin. De l’autre, la geste picturale de Jack B. Yeats et son Tír na nÓg, la terre de l’éternelle jeunesse – mythe fondateur d’une Irlande où l’innocence flirte avec l’héroïsme.

Les rubans signatures se métamorphosent en cocardes de concours équestres. Les superpositions instinctives des gamins des rues inspirent des rencontres textiles imprévues : dentelles diaphanes contre mailles épaisses, soies transparentes contre lainages drus. La mémoire d’enfance se frotte à une rudesse urbaine assumée.

J’aime l’idée d’explorer un sportswear féminin, d’inciser des pièces lourdes pour les alléger avec des éléments plus fragiles

glisse la créatrice en coulisses.

Chez elle, la délicatesse n’est jamais mièvre : elle résiste, elle se débat.

Adidas sous les crinolines

Le choc des mondes se matérialise dans les silhouettes. Les robes fragiles s’acoquinent avec des bombers Adidas. Les chaussettes montent haut, les culottes raccourcissent, les pulls rustiques s’imposent sur des costumes sertis de broches en strass. L’accessoire devient armure. Le relief est revendiqué.

Sous les verrières fatiguées du théâtre, chaque passage ressemble à une chevauchée. On croit voir passer une héroïne sortie d’un conte, sneakers aux pieds, rubans au vent.

Il y a la pureté de la quête, et puis la brutalité de la réalité

commente Simone Rocha.

Tout est là : le frottement, la tension, la collision.

Au sommet de la colline, Londres semble loin. L’Irlande, elle, n’a jamais été aussi proche.

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Le 6 février, au Legion of Honor de San Francisco, sous la sculpture Les Trois Ombres d’Auguste Rodin, Thom Browne convoque Dante et son Inferno. Références classiques, rigueur quasi liturgique et obsession du détail : la silhouette est stratifiée, structurée, presque ascétique.

Tweeds, flanelles, cachemires techniques et superpositions savantes composent un vestiaire preppy-sportswear en apesanteur. Son gris signature règne en maître. Chez Browne, l’excellence n’est pas une option – c’est un dogme.

Proenza Schouler : la renaissance new-yorkaise

Premier show très attendu : celui de Rachel Scott, nouvelle directrice artistique. La grammaire Proenza ? Réécrite avec assurance.

Tailoring rigide ou souple, robes froissées et torsadées, matières contrastées : la silhouette respire, vit, bouge. Des orchidées nocturnes, peintes à la main sur cuir, injectent une sensualité sombre. Structuré, oui. Figé, jamais.

Coach : Hollywood rencontre la Gen Z

Au Cunard Building, Stuart Vevers signe un patchwork optimiste : glamour 40’s, culture skate, esprit varsity.

Noir et blanc façon film noir nouvelle génération, tailoring rétro, denim grungy, robes du soir architecturées : Coach parle à la Gen Z avec un accent hollywoodien.

Tory Burch : élégance en temps de chaos

Tory Burch livre une méditation sur la permanence dans un climat politique instable.

Trench, cardigan, jupe crayon : les classiques sont déconstruits avec subtilité. Mailles lavées, robes torsadées, coupes nettes. Broderies indiennes, boucles coquillage et broches sardine ponctuent le tout.

Le “Bunny Knot”, inspiré de Bunny Mellon, symbolise lien et unité. Chez Burch, la douceur devient résistance.

Carolina Herrera : muses en mouvement

Wes Gordon célèbre les femmes qui façonnent l’art. Épaules affirmées, manteaux cocon, jupes crayon : la structure domine, adoucie par des blouses d’artiste.

Léopard, lys calla, rouge piment et or scintillant composent une palette vibrante. Les sacs Mimi et Karlita prolongent cette élégance sculpturale. Un hommage incandescent au pouvoir créatif féminin.

Michael Kors : 45 ans et toujours “New York Chic”

Au Metropolitan Opera House, Michael Kors célèbre les 45 ans de sa maison. Le thème ? “New York Chic”.

Tailoring assoupli, drapés fluides, tweeds réinventés. Tons camel signature, rouge rubis, framboise. Pantalons à traîne et robes enveloppantes signent une simplicité dramatique.

En clôture, Christy Turlington incarne cette dualité new-yorkaise : dure et glamour, pragmatique et magique.

Calvin Klein : minimalisme et nostalgie 90’s

Timing parfait : la série Love Story de Ryan Murphy remet en lumière Carolyn Bessette, ex-collaboratrice de la maison.

Veronica Leoni perpétue le minimalisme iconique de Calvin Klein tout en le rendant contemporain. Tailleurs affûtés, trenchs élancés, robes dos nu, manteaux structurés. Le denim de 1976 est réédité, clin d’œil aux archives… et aux années 90.

Khaite : vérité, cuir et rock 70’s

Au Park Avenue Armory, Catherine Holstein orchestre un show monumental, inspiré par Vérités et Mensonges d’Orson Welles.

Tailoring noir en cuir, vestes d’officier tressées, organza vaporeux, slip dresses en dentelle : tension permanente entre performance et authenticité.

Une féminité rock, cérébrale et sûre d’elle. Le luxe américain moderne, selon Tiffany Hsu, trouve ici son équilibre rare entre sobriété et sensualité.

Ce que cette Fashion Week raconte ?

Une ville qui doute, mais qui avance. Une mode qui oscille entre armure et transparence. Des créateurs qui revisitent leurs archives tout en parlant au présent.

À New York, l’automne-hiver 2026-2027 ne cherche pas la facilité. Il cherche la vérité. Et il la trouve, souvent, dans le contraste.

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En avril dernier, la maison Jean Paul Gaultier annonçait la nomination de son nouveau directeur artistique : Duran Lantink, créateur néerlandais adulé par les institutions, doublement primé (ANDAM 2023, LVMH 2024), et supposé représenter la relève “éthique et disruptive” de la mode européenne. Autrement dit, l’élu qui devait réconcilier la couture avec la conscience écologique et l’avant-garde conceptuelle.

Sur le papier, tout y était : un parcours arty, un goût pour l’upcycling, une réputation d’enfant terrible — ça tombait bien, il reprenait la maison du plus célèbre “enfant terrible de la mode”.

Sauf qu’entre l’original et la copie, il y a un gouffre, et Duran Lantink vient d’y tomber tout habillé.

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Une collection qui pique les yeux

Le décor était prometteur, la musique tapait fort, le public oscillait entre journalistes blasés et influenceurs surexcités. Et puis, les looks sont passés, un par un.

Patchworks improbables, corsets sans structure, bustiers asymétriques façon bricolage du dimanche… On aurait dit un hommage au Gaultier des années 1990 réalisé par un algorithme sous acide.

Oui, Jean Paul Gaultier aimait la provocation. Mais il savait l’embellir. Chez Duran Lantink, la provocation se transforme en performance gratuite, la sensualité en malaise textile. Résultat ? Ni drôle, ni beau, ni même intéressant. Juste… embarrassant.

Certains y verront un manifeste. D’autres, un accident industriel.

La Fashion Week et ses illusions d’optique

Le plus fascinant dans cette histoire, c’est la réaction du public.

Dans les premiers rangs, on applaudissait poliment, on hochait la tête d’un air entendu, on murmurait des “c’est audacieux” comme on dirait “c’est comestible” à propos d’un plat raté. L’industrie de la mode, fidèle à elle-même, préfère s’aveugler plutôt que d’admettre l’évidence : le roi est nu, et ses pantalons sont mal coupés.

Cette complaisance n’est pas nouvelle. Elle est même devenue un code vestimentaire. Il faut applaudir, liker, valider. Bêtement, parfois. Car dans la mode contemporaine, l’échec n’existe plus — seulement les “propositions intéressantes”.

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Il y a les habitués, Saint Laurent, Dior, Chanel, Balenciaga, qui ne ratent jamais leur moment de gloire. Mais cette année, ce ne sont pas tant les modèles que leurs chefs d’orchestre qui fascinent. Jonathan Anderson chez Dior ? Matthieu Blazy chez Chanel ? Pierpaolo Piccioli qui débarque chez Balenciaga ? L’affiche ressemble à un générique de blockbuster où chaque nom vaut son pesant d’applaudissements ou de critiques assassines.

Car Paris est cruelle : ici, on ne pardonne ni l’ennui ni le réchauffé. Un directeur artistique peut entrer au Panthéon en une heure de défilé… ou rejoindre la longue liste des “étoiles filantes” avant même le cocktail de fin de soirée.

Les nouveaux gladiateurs

Cette Fashion Week aligne ses gladiateurs, chacun entrant dans l’arène avec une armure cousue main. Glenn Martens reprend Margiela après John Galliano – mission herculéenne –, Michael Rider doit succéder à Hedi Slimane chez Celine – épreuve quasi suicidaire –, et le facétieux Duran Lantink s’installe chez Jean Paul Gaultier avec la bénédiction du maître en personne.

On attend d’eux moins une collection qu’un acte de bravoure. Dans les front rows, les critiques polissent déjà leurs plumes, prêtes à dégainer la formule assassine ou l’éloge dithyrambique. Le suspense est total : Paris adore les premiers pas, surtout quand ils sont hésitants.

La relève insolente

Mais la mode parisienne ne se nourrit pas que de mastodontes. Les jeunes pousses sont là pour rappeler que l’avenir n’est pas écrit d’avance. Julie Kegels, sortie de l’Académie d’Anvers, ouvre la semaine. Le duo Matières Fécales, qui porte bien son nom et son goût pour la provocation, promet des titres de presse croustillants. Meryll Rogge, fraîchement nommée chez Marni, clôturera la danse avec l’audace de ceux qui n’ont rien à perdre.

Ce joyeux « bordel »donne l’impression que la mode se réinvente en direct, sous nos yeux. Comme un laboratoire géant où se croisent la poésie, le marketing et un brin de folie.

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Retours spectaculaires et disparus mystérieux

Toute saga a ses revenants. Vetements revient après une saison blanche, Agnès b. refait surface comme une vieille amie qu’on croyait perdue, et Thom Browne débarque de New York pour rappeler qu’il sait toujours surprendre.

Mais il y a aussi les disparus. Kenzo s’éclipse, Off-White file à New York, Marine Serre prend un temps mort. Véronique Leroy, plus discrète, se contente d’un lookbook. Certains désertent, d’autres fuient : la mode a ses fantômes. Et comme toujours, l’absence intrigue presque autant que la présence.

Un marathon sous amphétamines

Au total, 111 maisons, 74 défilés et 37 présentations : un calendrier conçu pour tester les limites de la concentration humaine. Les journalistes de mode, armés de cafés serrés et de batteries portatives, courront d’un quartier à l’autre, sautant du Marais à la rive gauche, d’une église reconvertie en podium à un hangar industriel relooké. Les soirs de gala s’enchaîneront, les after-parties s’allongeront, et Paris brillera jusque tard dans la nuit, dopée par les flashs et le champagne.

Paris, théâtre d’un monde en mutation

Au fond, cette Fashion Week raconte autre chose que des vêtements. Elle met en scène un monde en quête de renouveau, où chaque maison cherche la formule magique entre héritage et modernité, commerce et poésie. Dans un contexte où tout change trop vite – les créateurs, les tendances, parfois même les spectateurs –, la mode reste un théâtre où l’on rêve encore de réinvention.

Alors, tsunami créatif ? Oui, mais aussi soap opera textile, avec ses héros, ses anti-héros, ses retours de flamme et ses trahisons. Et si Paris tient encore le haut du pavé, c’est parce qu’elle sait transformer chaque défilé en événement, chaque nomination en drame et chaque robe en manifeste.

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Du 11 septembre au 7 octobre 2025, les capitales de la mode vont vibrer au rythme des défilés. Mais derrière les podiums étincelants, c’est une véritable métamorphose que s’apprête à vivre l’industrie. Nouvelles voix, retours inattendus et audaces créatives : le mois de la mode s’annonce comme une traversée aux allures de renaissance.

NYC, la résurrection (ou le chant du cygne ?)

On dit souvent que la Big Apple a perdu son mojo dans le calendrier international. Pourtant, Michael Kors refuse d’abandonner le navire et ouvre le bal, tel un capitaine obstiné. Veronica Leoni tente de faire briller Calvin Klein une nouvelle fois, pendant que Grace Ling s’offre une collab avec Kylie Jenner pour rester dans le game. Mais c’est Alexander Wang qui vole la vedette – pas pour ses collections, hélas, mais pour ses casseroles judiciaires.

Londres, l’éternel laboratoire

Depuis le Brexit, la mode britannique carbure au système D : moins de moyens, mais plus de culot. Harris Reed sort ses plumes et ses paillettes, Richard Quinn continue son show maximaliste, et Burberry s’accroche à son tartan comme à une bouée. Moralité : si vous voulez de la fraîcheur, c’est à Londres qu’il faut poser vos baskets.

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Milan, drama et pasta

Milan, c’est le royaume du drame chic. Entre un Gucci en pleine crise d’identité, Simone Bellotti qui reprend Jil Sander (personne ne le connaît, mais tout le monde jugera), et Louise Trotter propulsée chez Bottega Veneta, les projecteurs sont braqués sur la capitale lombarde. Spoiler : même si tout s’écroule, Armani arrivera à sauver l’honneur en fermant la semaine, imperturbable, comme toujours.

Paris, capitale et tribunal

À Paris, on ne défile pas : on rend un verdict. Saint Laurent ouvre le bal avec panache, Louis Vuitton déroule son show XXL, et tout le monde attend de voir si Michael Rider confirmera le buzz chez Celine. Lanvin, Vetements et Azzedine Alaïa font leur grand retour, pendant que Chanel et Miu Miu bousculent le calendrier comme des élèves turbulents. Verdict final : Paris reste la cour suprême de la mode.

Morale de l’histoire ?

La Fashion Week printemps-été 2026 ne sera pas seulement une histoire de robes et de podiums. C’est une saison où l’industrie joue sa crédibilité, ses héritages et son avenir. Mais comme toujours, peu importe les drames en coulisses : ce qui compte au final, c’est le cliché parfait d’une Naomi Campbell éternelle, un sac improbable en rupture de stock, et une invitée TikTok mal habillée qui fera le buzz !

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