Il fallait être patient, ce mardi 20 janvier 2026, chez Louis Vuitton. Patient face à la foule, face au discours, face au futur selon Pharrell Williams. Premier défilé majeur de la Fashion Week masculine, le show dédié à l’homme automne-hiver 2026-2027 promettait beaucoup. À l’arrivée, il offre surtout une longue leçon de calme, dispensée à grand renfort de bois brut, de jardin et d’ego parfaitement entretenu.

La scénographie est plantée – littéralement. Une caisse en bois XXL, un jardin méticuleusement peigné, et au centre, DROPHAUS : une tiny house de luxe conçue avec le studio japonais Not A Hotel. Une maison “intemporelle”, durable, transportable, conceptuelle. En résumé : une installation d’art contemporain sponsorisée par le luxe, venue rappeler que Louis Vuitton peut aussi vendre des idées, même quand la mode manque à l’appel.

Pharrell, partout. Les vêtements, nulle part.

Pharrell Williams, directeur artistique du vestiaire masculin, a clairement décidé que le défilé serait avant tout un manifeste personnel. Le voyage ? Intérieur. Le luxe ? Fonctionnel. Le futur ? Calme, beige et légèrement soporifique. On comprend le message : face au chaos du monde, il faut se recentrer. Encore faudrait-il que cela donne envie de s’habiller.

Car une fois passées les intentions, reste une collection étrangement absente. Tailoring sage, volumes mous, références 70’s usées jusqu’à la corde – le tout noyé dans une palette de couleurs si tellurique qu’elle semble vouloir retourner à l’état de poussière. Beige, brun, gris. Beaucoup de gris. À croire que le futur ne supporte plus la couleur.

La performance invisible, ou l’art de ne rien montrer

On nous parle de textiles innovants, de matières thermo-adaptatives, de soies techniques, de tissus intelligents. Très bien. Problème : sur un podium, tout cela se voit à peine. Et ce qui ne se voit pas finit par ne pas exister. À trop vouloir faire des vêtements “qui fonctionnent”, Louis Vuitton oublie qu’ils doivent aussi séduire, provoquer, déranger. Ici, ils rassurent. Beaucoup. Trop.

La collection se veut intemporelle. Elle pourrait tout aussi bien dater d’hier, d’avant-hier ou de demain, sans que cela ne change grand-chose. Le futur selon Pharrell Williams est un présent figé, soigneusement repassé, vidé de toute urgence.

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Le luxe en mode séminaire

Ce défilé donne parfois l’impression d’assister à une retraite bien-être pour cadres supérieurs. On respire. On médite. On valide les valeurs. Mais on s’ennuie à mourir. Louis Vuitton, maison de l’audace et du panache sous Marc Jacobs, se retrouve ici coincée dans une posture sérieuse, presque technocratique du style.

Le plus gênant reste cette omniprésence de Pharrell Williams. Tout semble conçu pour raconter son monde, ses obsessions, son futur idéal. Les vêtements deviennent accessoires d’un discours auto-centré, où la mode n’est plus une fin, mais un support. À force de vouloir tout incarner, Pharrell Williams finit par faire disparaître l’essentiel.

Un futur durablement tiède

Au final, ce Louis Vuitton homme automne-hiver 2026-2027 laisse un goût étrange : celui d’un futur bien intentionné, propre sur lui, durable… et profondément tiède. Rien ne choque, rien ne surprend, rien ne donne envie. Le luxe devient raisonnable, la mode devient sage, et le défilé, malgré son statut de grand rendez-vous, glisse dangereusement vers l’oubli.

On ressort apaisé, peut-être. Marqué, certainement pas. Et si le futur de Louis Vuitton ressemble à cette maison « zen » posée au milieu du podium, on comprend mieux pourquoi la mode, elle, a décidé de sortir prendre l’air.

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Mardi 20 janvier, la semaine s’échauffe doucement. Jeanne Friot arrive avec des vêtements qui pensent, presque trop lucides pour être décoratifs. Chez Études Studio, l’art ne se regarde pas : il se porte. Auralee apaise le rythme, textures calmes, promesse de durée. Puis Louis Vuitton éteint les lampadaires autour de lui : grand spectacle, désir mondialisé, Paris comme capitale émotionnelle bien rodée.

Mercredi 21 janvier, on devient sérieux. 3.Paradis parle d’âme avant de parler de coupe. Lemaire, fidèle à lui-même, rappelle que la discrétion peut être radicale. Dior Homme impose sa précision sous la main de Jonathan Anderson : ni nostalgie, ni rupture brutale, juste un tempo sûr. Walter Van Beirendonck met la couleur là où on ne l’attend pas, Egonlab. brouille les identités, et AMI Paris termine la journée comme on rentre chez soi : sans effet, mais avec style.

Jeudi 22 janvier, la mode cesse d’être un vêtement. Issey Miyake fait du corps une mécanique poétique, Rick Owens transforme l’ombre en architecture, Kartik Research fouille les souvenirs à même le textile. Amiri débarque avec un soleil californien en décalage horaire, Yohji Yamamoto ralentit le monde, et Dries Van Noten peint la soirée comme un tableau qu’on n’ose pas quitter des yeux.

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Vendredi 23 janvier, les lignes se tendent. Junya Watanabe Man ouvre avec méthode, Juun.J et Maison Mihara Yasuhiro démontent pour mieux reconstruire. Willy Chavarria politise la silhouette, la rend charnelle, presque militante. Comme des Garçons Homme Plus fait ce qu’il fait de mieux : déranger. Officine Générale rassure, LGN Louis-Gabriel Nouchi électrise ceux qui n’avaient pas encore froid.

Samedi 24 janvier, Paris change d’accent. Kiko Kostadinov, White Mountaineering et Kolor parlent fonction et poésie dans la même phrase. Magliano et Ziggy Chen regardent en arrière sans nostalgie facile. KidSuper joue sérieusement. Hermès, en dernier mot, murmure une évidence : le luxe, quand il est juste, n’a pas besoin d’élever la voix.

Dimanche 25 janvier, on ralentit sans s’arrêter. Sacai mélange tout et ça fonctionne. Wooyoungmi précise sa vision. Doublet s’amuse, Taakk sculpte. Agnès b. rappelle qu’une constance peut être un acte radical.

À la fin, Paris reprend son souffle. Les manteaux s’éloignent, les silhouettes se fondent dans la foule. La mode masculine a fait son numéro – pas pour se montrer, mais pour avancer.

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Pendant que le reste de la mode italienne gonflent les épaules, élargit les pantalons et crie son envie d’exister, Prada fait exactement l’inverse. Tout est étroit, précis, presque inconfortable à regarder. Les manteaux – tweed Donegal, micro-chevron, cuir si fin qu’il semble respirer – glissent le long du corps comme une pensée claire dans un monde bruyant. Certains sont si fins qu’ils rendent les autres défilés presque comiques, comme si tout Milan avait confondu puissance et volume.

Le décor fait semblant d’être figé, mais les vêtements bougent. Ils parlent doucement, ce qui est souvent la manière la plus violente de dire quelque chose. Des trenchs semblent avoir survécu à une explosion, laissant apparaître sous l’étoffe des briques imprimées. Des car-coats de cuir craquelé ressemblent à des murs en plâtre fatigués. Les pulls et les hauts citent des faïences de Delft ou des paysages flous, comme des souvenirs qui insistent quand on voudrait oublier.

Rien n’est vraiment sage. Les chemises de politiciens – rayures impeccables, cols sages – sont sabotées : cols découpés, poignets lâches, boutons de manchette pendants comme des phrases inachevées. Les chapeaux ? Portés, maltraités, mal repassés, cousus sur les épaules comme des erreurs assumées. Les couvre-chefs militaires perdent toute autorité au contact de matières trop douces, trop étranges pour commander quoi que ce soit.

Il y a aussi ces capes ecclésiastiques, version Prada. Des cappa de cardinal transformées en objets fonctionnels, multipoches, en coton vert acide ou jaune solaire, portées sur des trenchs comme si la religion, la politique et l’utilitaire ont décidé de cohabiter sans hiérarchie. Subtil, presque sournois. Et très efficace.

Aux pieds, des bottes de randonnée urbaine, prêtes à marcher, fuir, manifester ou simplement traverser une ville qui se fissure. Un clin d’œil lointain au Raf Simons des années 1990, à ses défilés-youthquake, mais ici sans euphorie. La jeunesse n’est plus une fête, c’est une lucidité.

Concevoir cette collection a été inconfortable

a reconnu Miuccia Prada après le show.

Forcément. Comment parler de beauté quand le monde donne l’impression de s’effondrer ? La réponse, chez Prada, n’a pas été de crier plus fort, mais de faire mieux. D’enlever plutôt que d’ajouter. De chercher l’essentiel pendant que tout le reste s’agite.

Raf Simons l’a dit autrement, avec cette gravité tranquille qui le caractérise :

Continuer à faire des vêtements n’a de sens que s’ils provoquent une réaction réelle, presque physique, chez ceux qui les croisent dans la rue.

Chez Prada, cette saison, la mode ne promet rien. Elle observe, découpe, ajuste. Elle ne reconstruit pas les murs – elle montre les fissures. Et dans une semaine milanaise saturée d’effets, c’était peut-être le geste le plus radical. Le plus assumé.

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Car derrière ce calendrier aminci se cache un poids médiatique bien réel. La dernière édition hivernale parisienne a dépassé les 300 millions de dollars de MIV. Traduction : même quand la mode masculine parle à voix basse, tout le monde écoute. Cette semaine, c’est donc Milan qui murmure – et l’industrie tend l’oreille.

Avant d’arriver en Lombardie, la mode fait escale à Florence. Pitti Uomo, du 13 au 16 janvier, joue le rôle du sas de décompression chic : 700 marques, des vestes impeccables, des silhouettes ultra-pensées et quelques expérimentations bien senties. En têtes d’affiche, Brunello Cucinelli et Soshi Otsuki, pendant que la ville devient, quatre jours durant, un moodboard à ciel ouvert.

Zegna fait le premier pas, Armani s’efface

À Milan, le scénario est inversé. Zegna, d’ordinaire chargée de conclure, ouvre le bal. Un changement de rôle presque symbolique pour la maison dirigée par Alessandro Sartori, qui a passé l’année à tisser des ponts entre art et sport – d’Art Basel aux épaules d’Ousmane Dembélé sur le tapis du Ballon d’Or.

Dans la foulée, Ralph Lauren signe un retour que peu avaient vu venir. La marque n’avait pas défilé à Milan depuis près de vingt ans. Autant dire qu’il faudra un certain panache pour justifier cette réapparition dans le calendrier italien. La journée se termine sans ambiguïté : DSquared2 prend l’espace Rubattino56 et promet un défilé sous haute intensité, suivi d’une after-party, parce qu’à Milan, le soir commence rarement quand le show s’arrête.

Le week-end fait alterner signatures pointues et mastodontes du vestiaire italien. Setchu, Pronounce, Saul Nash, Simon Cracker, Paul Smith déroulent leurs propositions pendant que Dolce & Gabbana et Prada arrivent avec leur réputation estivale à assumer. Pyjamas viraux d’un côté, micro-shorts de l’autre : l’homme milanais a déjà beaucoup donné, il lui reste à convaincre.

Lundi, enfin, un silence inhabituel. Giorgio Armani présente sa collection masculine sans Giorgio. Disparu début septembre, le créateur laisse un podium intact mais chargé. Emporio Armani Homme, lui, ne sera pas de la partie : désormais co-ed, il a choisi de disparaître temporairement du radar masculin.

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Milan, ou l’art de s’échapper entre deux défilés

Ce calendrier allégé a une vertu rare : il libère du temps. À la Fondation Prada, l’installation multisensorielle Sueño Perro d’Alejandro G. Iñárritu brouille les repères, pendant que Hito Steyerl questionne l’image avec The Island. Plus au nord, le HangarBicocca expose Nan Goldin (This Will Not End Well), rappelant que la mode n’est jamais très loin de la politique, de l’intime et du réel.

Milan n’annonce pas une révolution. Elle suggère, ajuste, déplace légèrement le curseur. Une Fashion Week Homme moins bruyante, plus étirée, presque contemplative. Et peut-être est-ce exactement ce dont la mode avait besoin pour commencer 2026 : faire moins, mais regarder plus.

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Et il était temps ! Après les départs de Kim Jones et Maria Grazia Chiuri, l’enseigne parisienne avait besoin de se réinventer. Mission acceptée (et exécutée) par Jonathan Anderson, qui signe ici un coup d’éclat à sa manière. Intelligent, poétique et résolument inattendu.

Forget la solennité. Ici, le ton est donné dès les premières secondes. Sam Nivola, étoile montante de The White Lotus, gambade au milieu des bosquets et des roses, quelque part entre le rêve éveillé et le week-end en Normandie chez tonton Christian (Dior). Le teaser vidéo envoie déjà un message clair. Dior version Anderson ne se prend pas (trop) au sérieux.

Et pourtant, derrière cette ambiance bucolique, il y a du fond. Le cadre du défilé – parquet chevron et lumière tamisée façon galerie d’art – annonce l’équilibre à venir. Et devant ce tableau vivant ? Une front row à faire pâlir un after des Oscars : Rihanna et A$AP Rocky en love mode, Roger Federer en détente, Pharrell Williams qui hoche la tête, Donatella Versace tout sourire. Si les looks étaient à la hauteur du casting ? Grave !

Du tailleur bar au bermuda gonflé à bloc

Dès la première silhouette, on comprend que la presse va avoir droit à un mix audacieux. En haut, une veste cintrée, très « bar », très « je-sais-ce-que-je-fais ». En bas ? Un bermuda oversize façon tutu workwear, porté avec des sandales et des chaussettes de sport. Voilà. Jonathan Anderson donne le ton. Romantique et rebelle, raffiné et relax.

Tout au long du show, cette tension s’amuse : vestons satinés sur peau nue, longues écharpes de soirée qui touchent presque le sol, cravates portées de travers. Et oui, ça fonctionne. Parce que rien n’est là par hasard. Parce que chaque geste de travers est un clin d’œil au vestiaire masculin trop rigide. Parce que Jonathan Anderson a ce talent : rendre le désinvolte désirable.

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Basquiat, Mbappé et un nœud de cravate

Pour ceux qui n’avaient pas encore compris le message, deux images valent mille discours. La première, un portrait de Jean-Michel Basquiat, cravate mal fagotée, siglée Dior. La deuxième : Kylian Mbappé en galère à faire son nœud de cravate dans un teaser aussi drôle que pertinent. Voilà l’élégance selon Jonathan Anderson. Un art maîtrisé du presque-raté. De l’effort qui ne se voit pas. De l’élégance qui respire.

Ce premier défilé Dior Homme sous la houlette de Jonathan Anderson est un grand oui. Oui à l’audace, oui au romantisme sans mièvrerie, oui à une mode qui s’amuse tout en pensant. L’homme ne cherche pas à choquer, mais à réveiller. Il fait ce que peu de créateurs savent faire aujourd’hui : allier exigence et fraîcheur, couture et cool.

Un souffle nouveau ? Non, une bourrasque. Une de celle qui fait du bien, et qui donne envie de voir la suite.

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La Fashion Week masculine dévoile pour la saison Printemps-Été 2026 trois collections qui, chacune à leur manière, brouillent les frontières entre mode, art et narration.

À travers des défilés conceptuels et chargés de symboles, AMIRI, Sean Suen et Bluemarble proposent des visions sensibles, presque cinématographiques, du vêtement. Un été sous le signe du récit incarné.

AMIRI : un hôtel pour décor, la mémoire pour matière

Mike Amiri transporte la mode bien au-delà du vestiaire : direction le Château AMIRI, un hôtel imaginaire où chaque silhouette devient un personnage, chaque détail un souvenir. Le créateur californien s’inspire de la culture visuelle hollywoodienne, de l’esprit bohème de l’artiste Wes Lang et de l’atmosphère mythique du Château Marmont pour créer une collection entre fiction et réalité.

Le concept ? Un lieu de croisement, de passage, où se mêlent artistes, voyageurs, musiciens. Le vêtement y joue le rôle de vecteur narratif. Jacquards texturés, soies peintes comme des aquarelles, broderies évoquant les clés d’une chambre ou les fauteuils patinés du hall : la collection regorge de références à l’hôtellerie comme théâtre de vie. Amiri signe ici une collection luxueuse mais habitée, qui évoque autant l’élégance décontractée de Los Angeles que le raffinement d’un monde en mouvement.

Sean Suen, quand le rêve devient vêtement

Le créateur chinois Sean Suen poursuit son exploration d’une mode introspective et poétique. Cette saison, il puise dans une émotion suspendue, celle d’un garçon assoupi à son bureau, entre veille et sommeil, dans une pièce silencieuse baignée par la musique de Debussy. À partir de cette image mentale, il construit une collection délicate et presque intangible.

Couleurs floutées, superpositions de matières fluides, coupes déstructurées : tout semble appartenir à un univers onirique et vaporeux. Le vêtement devient une seconde peau, traduisant une intériorité flottante. Les silhouettes ne cherchent pas à impressionner mais à suggérer, laissant volontairement des brèches dans la narration, comme autant de portes ouvertes sur l’imaginaire. Une approche quasi musicale du design, où chaque détail devient note, chaque pli, souffle.

Bluemarble, l’équilibre des contraires

Chez Bluemarble, la collection Printemps-Été 2026 s’inspire d’un lieu bien réel : le Mont Faron, dans le sud de la France. Mais c’est le moment de transition — celui d’un téléphérique entre ciel et terre — qui fascine le directeur artistique Anthony Alvarez Graff. Il y voit un espace de tension fertile, entre force et fragilité, lumière et altitude, protection et exposition.

Les pièces traduisent cette dualité : organza et denim, perles de verre et broderies artisanales, lurex scintillant sur des coupes pratiques. Les imprimés botaniques et les inscriptions comme “Mother” confèrent à l’ensemble une dimension symbolique, presque mystique. Plus qu’une simple collection, Bluemarble propose une topographie du sensible, où chaque silhouette devient un pont entre deux mondes.

À l’heure où la mode cherche à se réinventer, ces trois propositions tracent la voie d’un futur plus incarné, où la poésie côtoie la précision, et où chaque vêtement raconte, à sa manière, une histoire.

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Trois défilés, trois visions de l’homme contemporain, trois récits du corps et de ses métamorphoses. Acne Studios, Hed Mayner et 3.PARADIS n’ont pas simplement montré des vêtements. Ils ont raconté ce que signifie s’habiller aujourd’hui, pour un homme.

Acne Studios, le cowboy version urbaine

Sous le ciel gris du 10e arrondissement, Acne Studios a présenté une collection masculine qui s’inscrit dans la tendance cowboy, très présente ces derniers mois dans la pop culture. Alors que Beyoncé a marqué les esprits avec ses concerts à Paris et son apparition chez Louis Vuitton dans un look western revisité, la maison suédoise, dirigée par Jonny Johansson, s’approprie ce langage avec ses propres codes.

Le jean est omniprésent, décliné en vestes cintrées, pantalons slim ou bootcut, sacs à multiples poches et même en version latexée. La silhouette, souvent ajustée, rompt avec les volumes amples des saisons précédentes. Le vestiaire combine éléments sportswear, influences universitaires américaines et détails tuning, dans une esthétique à la fois assumée et provocante. Les santiags, quant à elles, s’imposent comme l’accessoire clé du défilé.

Autre objet de désir remarqué : le sac Camero, pièce iconique de la marque, revient dans de nouvelles versions colorées (orange, rouge croco, daim) et s’orne de pin’s et d’une mini-clé façon porte-bonheur. Un clin d’œil pop à l’univers grunge de la marque.

Hed Mayner, la disparition des formes

En rupture totale avec l’esthétique d’Acne Studios, le créateur israélien Hed Mayner a présenté une collection introspective et radicalement fluide. Exit les coupes architecturées : les vêtements glissent désormais sur le corps, flottent autour de lui, tombent sans contrainte. Une façon pour le créateur de questionner le rapport au vêtement, à la protection, et plus largement, à la masculinité.

Vestes ouvertes, tricots amples, blazers à peine tenus par une épingle… chaque pièce évoque un effacement, une vulnérabilité, une sensualité non ostentatoire. Le vêtement devient un prolongement de l’intime, plus qu’une armure. La collection, volontairement minimaliste, joue sur les textures, les plissés, les ourlets irréguliers. Elle traduit un geste créatif presque brut, instinctif, comme si elle avait été improvisée à même le corps.

3.PARADIS, marcher vers l’invisible

Dans une ambiance méditative, presque spirituelle, la maison 3.PARADIS a proposé une collection baptisée Steps to Nowhere, pensée comme un hommage à l’artiste Matthew Courtney, récemment décédé. Le créateur Emeric Tchatchoua s’y interroge sur le vide, l’errance, le sens d’une marche sans destination.

Les silhouettes, souvent fluides, semblent emportées par le vent : drapés légers, étoffes brillantes aux teintes désertiques, imprimés de cadrans figés dans le temps. La collection convoque autant le désert que le ciel, le silence que la mémoire.

Plusieurs collaborations ponctuent la collection : des souliers gravés de colombes en partenariat avec J.M. Weston, des motifs empruntés au Petit Prince, et des pièces inspirées du vestiaire balnéaire réalisées avec Vilebrequin. L’ensemble compose une mode contemplative, entre poésie et lucidité.

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Cette saison, la maison française met de côté le noir traditionnel au profit de teintes plus claires. Bordeaux, vert d’eau, ocre ou encore bleu… Une palette inhabituelle pour Saint Laurent, qui s’inscrit dans une volonté assumée de légèreté. Les coupes sont fluides, les matières transparentes ou légèrement satinées, les silhouettes décontractées, mais précises.

La collection puise dans l’univers visuel de films comme La Collectionneuse (1967) ou La Piscine (1969). Plusieurs éléments rendent hommage à une génération d’artistes queer, notamment les peintres américains Patrick Angus et Billy Sullivan. Sur les réseaux sociaux de la maison, des œuvres de Larry Stanton avaient été publiées en amont du défilé, annonçant ce positionnement culturel.

Côté vestiaire, les inspirations sont multiples. Le short court retroussé fait écho à la saharienne de 1967. Les chemises ouvertes ou mouillées, les cravates relâchées, les tailleurs aux épaules nettes s’inscrivent dans une esthétique masculine revisitée, dans la lignée des collections femmes précédentes de la marque.

Réinterprétation des archives

Anthony Vaccarello poursuit le travail de réinterprétation de l’héritage de la maison. Certaines pièces rappellent les premières lignes masculines lancées par Yves Saint Laurent en 1969. D’autres s’appuient sur des photographies personnelles du couturier, prises à Oran dans les années 1950.

Un public restreint et ciblé

Le défilé s’est tenu en petit comité, en présence de personnalités proches de la maison, parmi lesquelles les acteurs Vassili Schneider et Aaron Taylor-Johnson, la comédienne Béatrice Dalle ou le mannequin Lila Moss.

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À 21h30, devant une foule immense de curieux et d’invités triés sur le volet, la façade du Centre Pompidou dévoile une bannière inhabituelle : “L.V.M. Men’s SS26”. En contrebas, un podium graphique s’étire en damier ponctué de serpents, clin d’œil au Jeu de l’échelle, ancêtre indien du jeu de société. Le cadre a été conçu avec le cabinet Studio Mumbai, connu pour son travail patrimonial et artisanal.

L’arrivée de Beyoncé, annoncée en guest star après ses concerts à guichets fermés au Stade de France, donne le coup d’envoi du défilé. Le cadre est posé. Entre art contemporain, star power et héritage culturel.

Un vestiaire entre aventure et sophistication

La collection présentée par Pharrell Williams s’éloigne des références américaines vues lors de ses précédents shows. Place à l’Inde, perçue à travers le prisme du luxe, du voyage et de la narration visuelle. Le vestiaire masculin se compose de pièces fonctionnelles – pantalons de trek, desert boots, sacs à sangles – associées à des éléments de tailoring : costumes sable, shorts à pinces, chemises fluides en soie.

La palette mêle tons naturels, nuances épicées et motifs discrets, dans un équilibre maîtrisé. Les silhouettes évoquent le dandy voyageur, entre Londres et le Rajasthan. Des tongs en cuir fabriquées à la main viennent ponctuer les looks les plus sophistiqués, pour une touche de décontraction maîtrisée.

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Référence cinématographique et retour aux archives

Parmi les références marquantes de cette nouvelle collection, un clin d’œil appuyé au film À bord du Darjeeling Limited de Wes Anderson, sorti en 2007. À l’époque, Marc Jacobs avait conçu pour le film des bagages devenus cultes. Certains sont ici réédités, portés par les mannequins comme autant d’objets de collection, enrichis de broderies, de perles et de pierres précieuses.

Cette dimension artisanale traverse toute la collection, notamment sur les sacs. Le modèle Speedy se décline dans une version brodée vert thé, inspirée des traditions joaillières indiennes.

Une stratégie tournée vers l’Asie du Sud

Au-delà de l’esthétique, le choix de l’Inde comme fil conducteur n’est pas anodin. Le pays représente un marché stratégique pour les grandes maisons de luxe, en pleine croissance. En valorisant les savoir locaux et en intégrant des références culturelles précises, Pharrell Williams inscrit Louis Vuitton dans une dynamique d’ouverture et de dialogue global.

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