Avant même que le premier mannequin n’apparaisse, le spectacle avait commencé. À l’entrée du monument construit pour l’Exposition universelle de 1900, les flashes crépitaient au rythme de l’arrivée de Michelle Yeoh, Emma Corrin, Bad Bunny accompagné de son frère, Christian Louboutin, Law Roach, Sydney Toledano ou encore Delphine Arnault. La grande galerie se transformait progressivement en aquarium mondain où célébrités, dirigeants du luxe et rédacteurs de mode prenaient place autour d’un immense miroir transformé en podium, reflétant les fresques monumentales de Georges Picard.

Puis apparaît Marisa Berenson. La petite-fille d’Elsa Schiaparelli traverse la salle dans une robe noire sculpturale prolongée par une longue chaîne dorée qu’elle porte comme une relique familiale. Elle s’installe sous la fresque du Triomphe de la femme. Le symbole est évident. Quelques instants plus tard, trente silhouettes s’élancent au rythme d’une partition signée Ben Brunnemer, où basses profondes, violons inquiétants et chants presque abyssaux donnent immédiatement le ton.

Car Daniel Roseberry n’a pas simplement présenté une collection. Il a construit un écosystème.

En janvier dernier, L’Agonie et l’Extase avait placé la barre si haut que son propre créateur reconnaît avoir été paralysé par la peur de devoir reproduire la même magie. Dans sa note d’intention, l’Américain confie avoir voulu retrouver la recette… avant de comprendre qu’en couture, comme dans les grands fonds, vouloir tout contrôler revient souvent à manquer l’essentiel. Finalement, la panne d’inspiration est restée au vestiaire.

La collection automne-hiver 2026-2027 déborde d’idées. Les organismes marins deviennent vocabulaire stylistique. Les anémones, coraux, méduses et créatures bioluminescentes quittent les documentaires animaliers pour s’inviter dans les ateliers de la place Vendôme.

Chaque silhouette réserve son lot de surprises. Un boxer en dentelle noire entièrement brodé de fleurs et de perles. Une robe de dentelle rose poudré portée par Amelia Gray qui semble flotter plus qu’elle ne marche. Ou encore cette fascinante « robe sur une robe » : vue de face, un bustier brodé d’argent, de strass et de coquillages. Vue de dos, un corset de dentelle dessine discrètement un visage, comme si la silhouette possédait une seconde identité.

Le véritable tour de force se niche pourtant ailleurs, dans l’intégration presque invisible de technologies qui auraient pu paraître étrangères à l’univers de la haute couture. Latex. Silicone. Peintures cuites au four. LED. Sur le papier, la liste évoque davantage un laboratoire qu’un atelier de couture. Sur le podium, la magie opère.

Les lumières intégrées aux bustiers reproduisent la bioluminescence des créatures abyssales sans jamais tomber dans le gadget. Le silicone adopte une sensualité inattendue. Le latex se fait seconde peau. Les nouveaux matériaux ne cherchent pas à remplacer les savoir-faire ; ils leur offrent simplement un nouveau terrain d’expression. Le résultat est saisissant.

Une veste noire laisse pousser d’immenses tentacules comme une pieuvre. Une robe de tulle recouverte de points de silicone évoque une méduse en pleine dérive. Une autre silhouette devient littéralement un récif corallien vivant. Cette dernière, véritable manifeste technique, aurait nécessité près de 9 850 heures de travail. Bustier moulé, silicone laqué, tentacules en crin, broderies miniatures façonnées à la main… Ici, la prouesse artisanale disparaît complètement derrière l’émotion visuelle. C’est sans doute le plus beau compliment que puisse recevoir la haute couture.

En coulisses, Delphine Bellini ne cache pas sa satisfaction. La directrice générale de Schiaparelli explique que les ateliers n’ont disposé que de quatre à cinq mois pour explorer ces nouveaux matériaux, multipliant les échanges avec ingénieurs et spécialistes afin de trouver les bonnes densités de silicone ou d’intégrer discrètement les composants lumineux. Une phase d’expérimentation qui constitue désormais un savoir-faire supplémentaire pour la maison.

Le final résume parfaitement l’ambition de cette collection. Une robe blanche à l’apparence de porcelaine, façonnée dans un silicone émaillé, laisse s’échapper de délicats fils lumineux diffusant une chaleur jaune presque organique. La silhouette semble respirer. Vivante, sans jamais tomber dans la démonstration technologique.

Autour d’elle gravitent des accessoires qui prolongent naturellement le récit. Des bijoux évoquant des oursins et des anémones, sacs sertis de coraux, chaussures Bubble aux allures de sculptures marines.

Chez Schiaparelli, le futur ne fait décidément pas de bruit. Il scintille doucement dans les profondeurs.

Au-delà du spectacle, cette collection confirme aussi la montée en puissance de la maison. Alors que le marché du luxe cherche un nouveau souffle, Schiaparelli poursuit sa croissance en cultivant une rareté soigneusement orchestrée. Après avoir doublé la surface de son espace chez Bergdorf Goodman à New York, inspiré du concept imaginé par Daniel Roseberry pour Harrods, la maison prépare déjà de nouveaux lieux immersifs destinés à mettre en scène son univers.

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Tout y est. Des silhouettes masquées comme dans un rêve flou, des tissus nobles martyrisés façon bac à recyclage, et des mannequins qui semblent glisser sur le podium comme des âmes en peine à la recherche de John Galliano. À vrai dire, elles auraient pu défiler en lévitation que personne n’aurait été surpris. Glenn Martens, lui, récite sa messe noire en collages et en voiles.

Mais on ne ressuscite pas la magie de John Galliano avec du papier froissé et trois patchworks de motard. La couture n’est pas morte, elle fait juste une sieste dépressive.

Ce n’est pas laid, non. Mais c’est une forme de tristesse visuelle qui ne bouleverse même plus. On frôle l’exercice de style appliqué, le portfolio étudiant bien fini… avec une BO de fin du monde. Les bijoux recyclés, les ceintures-fils, les fleurs 3D en deuil : tout semble vouloir dire quelque chose, mais personne ne sait vraiment quoi. Même les mannequins ont l’air paumés (rires). On imagine les instructions backstage : « Tu regardes droit devant. Tu n’as pas de visage. Tu es le silence. Tu es la solitude. »

Et dans les salles, les journalistes, assis, enveloppés dans un épais brouillard de spleen textile, se demandant comment John Galliano aurait retourné le Centquatre en cabaret baroque hanté par des divas du passé.

Final : des ballons multicolores pour oublier

Il faut le voir pour le croire. Après 50 silhouettes plus grises que gothiques, l’équipe de Glenn Martens forme une haie d’honneur, des blouses blanches plein le dos, et plouf, une pluie de ballons multicolores tombe sur les invités. La mort continue de gémir dans les enceintes. Une dissonance étrange. Applaudissements ou exorcisme ?

Glenn Martens a sans doute voulu rendre hommage. Mais à qui ? À quoi ? À la mélancolie ? À l’art du recyclage ? À Margiela version musée d’histoire textile ? Mystère. On termine un peu groggy, vaguement triste, avec l’impression d’avoir assisté à une reconstitution historique… en slow motion.

Envie de crier ? Nenni. Envie de s’allonger sur un canapé noir, de fixer le plafond et de murmurer : « mais qu’est-ce qu’on a fait à la couture pour mériter ça ? » Peut-être.

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Silence, beige et chevrons. Ce mardi 8 juillet, Chanel avait convoqué la crème des invités triés sur le volet pour un défilé dans le Salon d’Honneur du Grand Palais. Pas la nef habituelle, non — trop grand, trop spectaculaire, trop « avant ». Ici, tout est feutré, presque chuchoté. Comme un retour aux racines, mais version silencieuse. Ou comment réaffirmer ses fondamentaux sans réveiller personne.

La scénographie ? Du beige. Les vêtements ? Du tweed assoupli, du tricot bien élevé, des couleurs inspirées de forêt automnale : écru ou chocolat. Le tout taillé dans l’excellence artisanale, mais sans éclat de génie. C’est propre, c’est luxueux, c’est Chanel. Mais c’est un peu long.

Une élégance qui fleure bon la lande écossaise

Inspirée par les paysages anglais et autres références bucoliques déjà bien balisées, la collection fait le choix du confort. Ce n’est pas une critique : après tout, qui ne rêve pas d’une cape de tweed tricoté pour aller cueillir des champignons avec style ? Mais si cette collection évoque une balade romantique à la campagne, elle ne prend pas vraiment le risque de se perdre.

Tout est pensé, léché, maîtrisé. Trop peut-être. On sent la maison qui retient son souffle, qui se serre un peu la ceinture créative, qui attend. Attendre qui ? Matthieu Blazy, bien sûr.

Blé d’or et silence doré

Sur chaque siège, un épi de blé, symbole porte-bonheur fétiche de Gabrielle Chanel. Dans les robes, on le retrouve brodé, découpé en chevrons, glissé en détail. Jolie idée, mais rien de neuf sous le soleil de la moisson couture. La mariée ferme le bal, drapée dans une robe fluide et sage, bandeau sur la tête et bouquet de blé en main. On est loin des folies nuptiales de certaines saisons. Et très, très loin d’un frisson mode.

Vivement septembre…

Ce défilé, c’est un peu le dernier chapitre d’un livre qui s’essouffle. La maison Chanel, monument immuable, tourne doucement une page en attendant son nouveau narrateur. Matthieu Blazy, ex-Bottega, futur prophète du double C, entre en scène en septembre 2025. Et si ce défilé était un dernier soupir avant le renouveau ? Un calme plat avant une tempête stylistique ? On croise les doigts.

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Une à une, les silhouettes glissent comme sorties d’un rêve d’avant l’Histoire. Corset écarté. Ornements superflus balayés. Place au tailoring chirurgical, aux robes biaisées, aux textures à peine audibles. Rien ne crie. Tout insiste.

Le point de départ s’ancre en 1940, à l’instant précis où Elsa Schiaparelli quitte Paris, valise fermée sur un monde en bascule. Daniel Roseberry capte l’énergie de cet entre-deux : l’élégance désespérée d’une femme au seuil de la guerre, la noblesse d’une mode qui persiste sous menace.

Dans ce vestiaire hanté, les tailles s’affinent, les jupes raccourcissent, les coupes s’émancipent. Une esthétique post art-deco, revue sans nostalgie. Le vêtement devient tension : entre classicisme et étrangeté, entre structure militaire et fluidité quasi spectrale.

Des vestes graphiques, une robe comme un mirage

Les vestes aux épaules architecturales suggèrent l’armure sans brutalité. Broderies argentées, lignes droites, matière domptée. Dans un tailleur, un trou de serrure : petite provocation discrète, sculptée en céramique, vestige surréaliste niché dans le présent.

Sur le final, Maggie Maurer irradie dans une robe irisée, reflet liquide d’un futur incertain. Plus loin, Mona Tougaard hypnotise : dos nu, rouge incandescent, silhouette tranchante comme une prédiction.

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Ni vintage, ni prospectif

Aucune époque ne s’impose. Les repères tombent. La collection flotte entre souvenirs et visions, entre Man Ray et intelligence artificielle. Ni passé recomposé, ni futur fantasmé : juste une couture en état de veille, chargée d’électricité muette.

Ici pas de message. Pas de manifeste. Un regard. Une ligne. Une époque fondue dans une autre, sans volonté d’explication. Une mode débarrassée d’ego, concentrée sur l’allure pure.

Oui, chez Schiaparelli, la couture entre en lévitation.

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