Aux côtés des créatrices Allina Liu et Kim Shui, également finalistes, le designer a dévoilé une collection en trois pièces qui explore l’identité culturelle à travers un prisme contemporain. Le décor ? Un gala privé, calibré mais chaleureux, où la mode dialoguait avec le mythe.

La ligne primée se présente comme un manifeste en trois actes. Zhou y conçoit l’innovation non pas comme une rupture tapageuse, mais comme un état d’incubation – un moment suspendu où tradition et modernité cohabitent, se frôlent, puis fusionnent. Son point de départ : le mythe chinois de Pan Gu et l’image de l’œuf cosmique, matrice originelle d’où émergent le ciel et la terre. Chez Zhou, la coquille devient vêtement, protection, passage. Une armure douce. Une frontière poreuse entre héritage et futur.

Je suis profondément honoré d’avoir été sélectionné en tant que lauréat de la bourse CFDA | Genesis House AAPI Design + Innovation

a déclaré le créateur. Avant d’ajouter, dans une profession de foi qui résume son approche :

Je suis conforté dans ma conviction : l’innovation ne consiste pas à remplacer la tradition, mais à la faire évoluer vers l’avenir en utilisant le design pour imaginer de nouveaux futurs.

Derrière la poésie, un dispositif solide. Pendant cinq mois, les finalistes ont bénéficié d’un programme d’accompagnement mêlant mode, technologie et stratégie d’entreprise, ainsi qu’un financement initial de 40.000 dollars chacun offert par Genesis. Une immersion culturelle à Séoul, en Corée du Sud, est venue enrichir leur processus créatif – preuve que l’innovation, parfois, commence par un billet d’avion.

En décrochant la première place, Terrence Zhou s’est vu attribuer 60.000 dollars supplémentaires pour développer son entreprise, portant le montant total de sa bourse à 100.000 dollars. Une somme qui, à défaut de créer un monde, pourrait bien en façonner un nouveau vestiaire.

Les collections des trois finalistes resteront exposées au Genesis House jusqu’au 22 février prochain. L’occasion d’aller contempler, de près, comment un mythe millénaire peut encore faire éclore des silhouettes du futur.

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On pourrait commencer cette histoire dans un atelier à Oaxaca, au milieu de la poussière de terre noire, là où des mains façonnent des vases qui semblent sortis d’un rêve. Mais non. Tout débute à Montréal, dans une chambre tapissée de livres et de posters d’art. Sylvain Marcoux a dix-huit ans et une conviction : la beauté est un besoin vital, pas un luxe. Alors, pendant que d’autres investissent l’argent de leur bac dans des voyages, lui achète son premier tableau. C’est un peu fou, un peu romantique. C’est aussi le début d’une addiction.

Très vite, il collectionne, rencontre, questionne. Les artistes deviennent ses maîtres et ses amis. Mais déjà, le jeune homme regarde ailleurs. L’ailleurs, justement : il a besoin de l’entendre, de le parler. En 1981, il part à Londres apprendre l’anglais chez des cousins. Il y découvre deux choses : l’autonomie et la photographie argentique. Les clichés noir et blanc de cette époque, pleins de brume et de solitude, annoncent déjà le ton de sa vie : un mélange de poésie et de précision.

Paris, la belle

Quatre ans plus tard, Paris. La révélation. Il tombe amoureux de la ville comme on tombe amoureux d’une personne : irrémédiablement. La Rive Gauche, les galeries, les cafés où l’on disserte sur Sartre et le sens de la beauté, tout le subjugue. Même lorsqu’il rentre au Québec, la ville-lumière ne le quitte pas. En 1989, il cède : “le prochain voyage sera sans retour”. Le ton est donné.

À Paris, Sylvain Marcoux devient un homme d’art dans le vrai sens du terme. Une rencontre change tout. Une historienne de l’art, commissaire indépendante, qui lui ouvre les portes des grandes expositions. Ensemble, ils signent deux projets phares : Chagall en Russie et Diego Rivera – Frida Kahlo, présentés à la Fondation Gianadda puis au Musée Maillol. Durant douze ans, Sylvain Marcoux apprend le métier sur le tas, du montage d’une toile de maître à la rédaction d’un catalogue, du plan de table à la recherche de financements. La rigueur suisse, la folie mexicaine et le charme parisien réunis en une seule personne.

Le design comme territoire

En 2001, nouveau virage. Sylvain Marcoux intègre Artcodif, la maison d’édition du Musée des Arts Décoratifs. Il y découvre le design, cet art de vivre qui dit le monde sans discours. Il y croise des noms devenus mythiques : Éric Jourdan, Jean-Baptiste Sibertin-Blanc, Marco Mencacci… Il comprend que les objets aussi ont une âme — surtout quand ils sont pensés avec respect.

Trois ans plus tard, il rejoint la SAFI, la société qui pilote Maison & Objet. Le salon du design devient son terrain de jeu. Sa première mission ? Concevoir une exposition sur les artistes décorateurs. Traduction : construire un pont entre les disciplines, encore. Et ce rôle, il le tiendra toute sa vie.

En 2008, il passe chez Camper. Une marque espagnole, un projet hybride, des designers invités à dessiner des chaussures. Le projet To&ether (l’un des premiers à croiser design et mode) lui permet d’orchestrer des collaborations signées Jaime Hayon, Jasper Morrison, Bernhard Willhelm. Il organise aussi l’ouverture de la boutique place de l’Opéra à Paris, conçue par Tokujin Yoshioka. Un moment de grâce : la poésie du Japon dans la pierre haussmannienne.

Puis vient Vitra. En 2011, Sylvain Marcoux devient le porte-voix français de l’éditeur suisse. Il approfondit sa connaissance des classiques, fréquente les plus grands noms du design contemporain, de Hella Jongerius à Barber & Osgerby. Son métier ? Traduire les idées en émotions, faire circuler la beauté. Bref, tisser des liens — encore et toujours.

Mexico, la révélation en technicolor

Mais la beauté, chez Sylvain Marcoux, n’a jamais été immobile. Et c’est au Mexique que son histoire bascule une seconde fois. Noël 2011, Puerto Escondido. La lumière, la chaleur, les rires, l’architecture moderniste qui s’érode au soleil. Puis Mexico, la capitale : un chaos ordonné, vibrant, coloré. Le coup de foudre est immédiat.

C’était comme Paris, mais avec le cœur en plus

confie-t-il.

Le pays, sa culture, son artisanat, tout le fascine.

Il comprend alors qu’il a trouvé un nouveau terrain de jeu : le dialogue entre le design européen et les savoir-faire mexicains.

C’est ainsi que naît Maison Marcoux Mexico, un projet à la fois puriste et visionnaire. L’idée ? Inviter des designers contemporains européens à collaborer avec des artisans mexicains sur des matériaux ancestraux — poterie, argent, tissage, obsidienne. Plus qu’un concept, une rencontre entre les mondes.

Je voulais créer des objets qui racontent une histoire à deux voix

résume-t-il.

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Vision y Tradición : la naissance d’un langage

En 2018, Mexico devient World Design Capital. L’occasion parfaite. Sylvain Marcoux est invité à présenter Maison Marcoux Mexico lors de la Mexico Design Week. Il réunit la Française Constance Guisset et le Mexicain Adán Carabes : duo improbable, alchimie parfaite. De cette collaboration naît la collection Mezcalienne, un hommage à la terre noire de Oaxaca.

Les pièces — table Sombrero, carafe Penacho, vases sculpturaux — reprennent les codes du rituel et du rêve. Constance Guisset parle d’“aventures mexicaines incroyables, choc des couleurs et des matières, entrecoupé de danse.”

Présentée au Museo Nacional de Antropología, puis à Paris, Londres et Milan, la collection devient culte. Le barro negro, cette argile noire polie jusqu’à la brillance, devient la signature de la maison. Les vases semblent respirer, les lignes vibrent. On y sent la main de l’artisan et la pensée du designer. De l’ombre à la lumière, en somme.

Héritage : la continuité du geste

La suite s’appelle Heritage. Un projet porté en 2022 par le designer mexicain Raúl de la Cerda, réalisé à San Bartolo Coyotepec par le maître Felipe Fabián Pedro. Des vases préhispaniques au parfum de modernité, des surfaces polies comme des miroirs d’obsidienne. Exposée à Paris, Milan, au Grand Palais Éphémère, la collection parle de mémoire et de transmission.

Et parce qu’il n’aime pas les cadres figés, Sylvain Marcoux pousse plus loin : installations scénographiques, dialogues entre collections, hommages à la fête des morts. En 2024, il conçoit “L’autel d’un collectionneur”, une installation poétique présentée chez Cosentino Paris City. Cette fois, il mêle ses deux univers — Paris et Mexico — dans une célébration du lien. On y trouve les pièces de Mezcalienne et Heritage, des bougies, des fleurs, des photos d’artisans. Un pont entre la vie et la création.

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Sylvain, le passeur élégant

Sylvain Marcoux, c’est un peu le personnage de film de Wong Kar-wai égaré dans le monde du design. Toujours impeccable, il parle avec douceur mais agit avec précision. Les mots “beauté”, “respect” et “équilibre” reviennent souvent dans sa bouche.

À l’heure où le design s’emballe pour les algorithmes et les tendances express, il choisit la lenteur du geste. “Le luxe, aujourd’hui, c’est le temps”, aime-t-il dire. Et ce temps, il le consacre à tisser, à relier, à faire dialoguer. Son métier, au fond, n’est ni curateur, ni communicant, ni directeur artistique : il est passeur.

Juan Coronel Rivera, petit-fils de Diego Rivera, l’a résumé mieux que quiconque :

Conocí la labor de Sylvain Marcoux en el campo de las artes hace veinte años. Cuando
colaboramos en la realización de una muestra sobre Diego Rivera. Entonces descubrí el gran
interés que tiene por la cultura mexicana.

(trad. : Je connais le travail de Sylvain Marcoux dans le domaine des arts. Il y a vingt ans, nous avons collaboré à la réalisation d’une exposition sur Diego Rivera. C’est alors que j’ai découvert le grand intérêt qu’il porte à la culture mexicaine.)

Beauté et fraternité

Aujourd’hui, Maison Marcoux Mexico est une philosophie. Refuser de choisir entre hier et demain, entre l’Europe et l’Amérique latine, entre artisanat et design. Ses collections s’exposent à Paris, Londres, Milan. Mais elles respirent toujours l’air chaud de Oaxaca.

Chaque pièce raconte la même histoire : celle d’une main qui façonne, d’un regard qui écoute, d’un monde qui se parle.

Et si la beauté sauvera le monde, comme le disait Dostoïevski, Sylvain Marcoux en est l’un des messagers les plus convaincus. Pas de slogans, pas de postures. Juste un homme qui sait que le beau, quand il est vrai, ne connaît pas de frontières.

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Le concept ? Enlever de la matière pour en dire plus. Alléger jusqu’au maximum, mais tenir debout. Le résultat est bluffant : une assise ultrafine, nerveuse comme une gymnaste, qui se veut durable, technologique et, bien sûr, élégante. Avec sa fabrication en matériaux recyclés et son injection millimétrée, elle affiche fièrement son ADN écoresponsable.

Mais Kartell ne s’arrête pas là : finitions brillantes ou mates, cuir recyclé, motifs floraux Liberty®, ou encore un procédé inédit baptisé Graphic Impression qui permet de tatouer des surfaces courbes comme si c’était de la peau. Bref, H.H.H. n’est pas qu’une chaise, c’est un terrain de jeu pour ingénieurs et stylistes.

Le design, une affaire de saga

C’est la dixième fois, mais l’émotion reste intacte

confie Lorenza Luti, directrice générale de Kartell.

Normal : dix Compassi d’Oro, c’est comme dix Oscars pour un studio de cinéma. Depuis le premier, en 1955, pour un simple seau en plastique signé Gino Colombini, la marque a aligné les succès, transformant les objets du quotidien en icônes pop.

Du presse-agrumes au canapé Bubble Club, en passant par les meubles empilables et les chaises superposables, Kartell a construit un véritable feuilleton industriel où chaque création ajoute un épisode à l’histoire. H.H.H. en est le dernier cliffhanger.

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Osaka, scène royale

Et quel meilleur décor que le Pavillon Italie à l’Expo universelle pour célébrer cette “couronne” supplémentaire ? Entourée de diplomates et de représentants internationaux, la chaise H.H.H. a officiellement été adoubée.

Dix couronnes donc. Kartell peut désormais revendiquer un trône dans le royaume du design mondial. Et à ce rythme, la question n’est plus “jusqu’où ?”, mais plutôt : quelle sera la onzième ?

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Alexis Sablone voit la ville comme une matière première. Pas un décor. Une collection de surfaces à apprivoiser, détourner, transformer. Un trottoir fissuré devient une rampe. Un banc en marbre poli, une opportunité. Une médiane, un tremplin. Skater, c’est lire l’espace à hauteur de genoux, avec le nez à trente centimètres du béton. Une autre forme d’expertise urbaine, en somme.

Et cette lecture intuitive de l’espace, Alexis Sablone l’a élevée au rang de méthode. Diplômée de Barnard et du MIT, olympienne à Tokyo en 2020, architecte, artiste et designer à temps plein, elle fusionne disciplines avec une agilité qu’on aurait presque envie d’appeler spatiale. L’un de ses projets phares ? Lady in the Square (Malmö, Suède, 2021), une sculpture monumentale vue du ciel comme un visage surréaliste, et vue du sol comme un skatepark… ou pas. Car ce n’est pas un skatepark. C’est un objet non identifié, une aire publique non hiérarchisée. On y joue, on y flâne, on y glisse. On y fait ce qu’on veut.

Même approche à Montclair (New Jersey), où Candy Courts transforme un court de tennis en aire de jeu multicolore, sans manuels ni parcours balisé. Pas de “zone débutant” ni de “rail pro”. Rien d’évident. Et c’est tout le propos. Sablone refuse les évidences. Dans Candy Courts, les formes sont étranges, les lignes imprévisibles. Le skater doit faire l’effort d’interprétation. L’enfant aussi. On est loin du mobilier urbain “pédagogique” ou des modules standardisés pour skateparks de banlieue.

En filigrane, une critique implicite : et si concevoir pour les skaters, c’était déjà trahir l’essence du skate ? Car toute l’histoire du skateboard s’est construite sur l’appropriation sauvage de l’espace public. Skater un musée, un escalier municipal, un parking. Réinterpréter l’urbain, contre son usage prévu. Alors comment concevoir un espace de skate sans l’apprivoiser à mort ? La réponse de Sablone : en brouillant les pistes. En créant des objets hybrides, ludiques, sculpturaux, ouverts.

À mi-chemin entre sculpture urbaine, terrain d’expérimentation physique et espace public déhiérarchisé, ses projets jouent de cette ambiguïté fertile. Le tout avec une rigueur de dessin affûtée. Car sous ses airs de poétesse de la glisse, Sablone est une redoutable technicienne. Le dessin, chez elle, est plus qu’une méthode : c’est un tamis à idées. Ça crayonne, ça rature, ça recommence. Et parfois, ça bloque. Trop de précision tue l’élan. D’où le besoin de passer au concret, de sortir de la tête. Sablone est lucide : l’architecture peut être mentale, mais le skate, lui, ne pardonne pas. On tombe, on recommence, on s’abîme. Et puis on recommence encore. Il y a dans cette répétition une forme d’ascèse. Et un lien évident avec le design.

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Aujourd’hui, elle travaille sur Sun Seed, un monolithe rouge vif intégrant une “pump track” — ce circuit ondulé réservé aux plus souples. Là encore, sculpture ou skatepark ? Aucun des deux, ou les deux à la fois. Et aussi un projet à New Haven, sous une autoroute, pour reconnecter des quartiers en intégrant des jeux et du skate. À l’image de sa boutique Plush, installée dans cette même ville, qu’elle a conçue de A à Z, du logo à l’étagère. Toujours cette idée de fusion des rôles : skater, designer, construire, détourner, transmettre.

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Dans les collines de Cumières, sur les bords de Marne, une parcelle de dix hectares réinvente silencieusement la Champagne. C’est là qu’est né le Brut Nature 2018, fruit de la collaboration entre la Maison Louis Roederer et le créateur Philippe Starck, entamée il y a près de vingt ans. Un projet hors-norme, à la croisée de l’innovation viticole, du design minimaliste et de la réflexion environnementale.

Brut Nature est tellement honnête, tellement au minimum, que je ne souhaitais rien ajouter autour

confie Philippe Starck, qui signe une nouvelle fois l’étiquette du vin.

Un habillage dépouillé qui épouse l’esprit du contenu : un champagne sans dosage, ni artifice, brut de terroir et d’intention. Chez Roederer, on parle d’une « sobriété heureuse », concept devenu central dans l’élaboration du vin.

Que peut-on faire de moins pour obtenir plus ?

résume Jean-Baptiste Lécaillon, Chef de Caves de la Maison.

Un credo qui s’exprime aussi bien dans les pratiques culturales que dans la vinification.

Une expérimentation climatique et patrimoniale

Brut Nature, ce n’est pas seulement un style, c’est un terrain d’expérimentations. Face aux bouleversements climatiques, Roederer a investi depuis deux décennies dans des pratiques parfois anciennes : complantation, retour de cépages oubliés (arbane, petit meslier, pinot blanc…), viticulture biologique et inspirée de la biodynamie.

Ce vin est notre laboratoire, un outil pour comprendre comment les vieux cépages peuvent renforcer la fraîcheur et la diversité dans un contexte de réchauffement

explique Jean-Baptiste Lécaillon.

Un travail patient et méticuleux, qui vise à anticiper l’avenir sans renier les savoirs d’hier.

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Blanc et rosé : deux expressions d’un même terroir

Le millésime 2018, marqué par un climat chaud et généreux, donne naissance à deux cuvées : Brut Nature Blanc dévoile une fraîcheur saline et une belle tension, portée par une trame calcaire précise. Brut Nature Rosé, élaboré par infusion, impressionne par sa franchise aromatique, sa matière dense et son caractère juteux.

Deux vins sans concession, portés par la vérité du terroir plus que par la main de l’homme.

Champagne du futur ?

Brut Nature n’est pas un champagne de masse, ni un exercice de style gratuit. Il est le reflet d’une mutation plus large dans l’univers du vin de prestige : celle d’un retour au vivant, à l’essentiel, à l’élégance par la retenue.

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L’exposition, qui se tient au Palazzo Serbelloni, un palais historique de Milan, offre aux visiteurs une expérience sensorielle unique. Dès l’entrée, on découvre une installation imposante de Charlotte Perriand, « La Maison au Bord de l’Eau », qui fait écho à une précédente présentation à Art Basel Miami. Cette œuvre, plus qu’une simple installation, est le symbole du dialogue entre art et design qui caractérise la maison Louis Vuitton. L’espace, réparti sur plusieurs niveaux, propose des scénographies raffinées et un subtil mélange de modernité et d’héritage.

Les créations mises en avant vont au-delà du mobilier. Le designer Patrick Jouin, l’argentin Cristián Mohaded et l’Atelier Biagetti se sont associés pour imaginer des pièces audacieuses où cuir, bois précieux et marqueterie rencontrent le savoir-faire maroquinier légendaire de Louis Vuitton. Ces objets ne sont pas simplement fonctionnels ; ils incarnent une vision du luxe où chaque détail est pensé pour sublimer le quotidien.

Design et objets de luxe : un mélange harmonieux

La collection Louis Vuitton Signature s’impose d’abord par son esthétique intemporelle. Chaque pièce semble à la fois moderne et classique, repoussant les limites du design tout en respectant les codes historiques de la maison. Les fauteuils, sofas, et tables sont ainsi habillés de cuir et de bois, tandis que des lampes épurées jouent sur la lumière pour créer une atmosphère à la fois chaleureuse et élégante.

Au-delà du mobilier, la collection se distingue par des objets de luxe aux inspirations multiples. Parmi eux, un baby-foot onirique signé par l’Estúdio Campana, transformant ce jeu traditionnel en une œuvre d’art où les joueurs sont remplacés par des sirènes. Autre coup de maître : un flipper exclusif en hommage à Pharrell Williams, un jeu d’échecs en bois sculpté et un Majong. Ces créations, ludiques et esthétiques, viennent enrichir l’univers du luxe avec une touche d’insouciance et de poésie.

L’art de la table et les céramiques : une invitation au voyage

L’art de la table occupe également une place centrale dans cette nouvelle collection. Laboratorio Paravicini, Patricia Urquiola, Jaime Hayon et Nendo se sont associés à Louis Vuitton pour créer des couvertures en argent, des vases graphiques et des céramiques botaniques, aux lignes contemporaines et raffinées. Inspirées par les étés lumineux de Capri ou la faune sauvage, ces pièces de vaisselle et de décoration réinventent les standards de l’élégance avec une audace colorée et un sens du détail propre au luxe.

Innovation et tradition se conjuguent dans les objets rares

La collection va encore plus loin avec des pièces rares, telles que la malle vaisselier, une véritable œuvre d’art fonctionnelle, qui se transforme en cabinet de curiosité. Il en va de même pour la platine vinyle au design ergonomique inédit, qui symbolise le croisement entre héritage et innovation, tout en incarnant la volonté de la maison de revisiter des objets du quotidien sous un angle nouveau et surprenant.

Louis Vuitton, avec cette collection, franchit une nouvelle étape dans son exploration du luxe et du design. Le mélange subtil de tradition et d’innovation, allié à une exécution impeccable, en fait une collection aussi désirable qu’intemporelle.

Cette initiative démontre une fois encore la capacité de Louis Vuitton à se réinventer sans jamais renier son histoire. En apportant son savoir-faire dans le domaine du design d’intérieur, la maison affirme sa vision du « luxe durable », où l’élégance et l’innovation se conjuguent pour offrir une expérience incomparable. Avec cette première collection de mobilier, Louis Vuitton n’a pas seulement redéfini les codes du design de luxe, mais a également élevé ces objets au rang de véritables œuvres d’art, destinées à sublimer les intérieurs du monde entier.

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Organisé au Fiera Milano Rho du 7 au 13 avril, le Salone del Mobile réunit plus de 2.000 exposants, dont 38 % venus de l’international. Avec 148 marques présentes, le salon s’impose comme la vitrine mondiale du design d’intérieur, du mobilier d’exception et de l’innovation esthétique.

Quand les grandes maisons s’invitent à Milan

Cette semaine est aussi l’occasion pour les géants du luxe de révéler leur facette décorative. Louis Vuitton investira le somptueux Palazzo Serbelloni pour présenter sa collection Objets Nomades, où se côtoient mobilier, objets d’art de vivre et pièces de table, sublimant le savoir-faire artisanal de la maison.

Gucci, quant à elle, rend hommage à l’un de ses symboles historiques à travers l’exposition Bamboo Encounters, installée dans le cloître de San Simpliciano. Un voyage dans le temps et la matière, qui célèbre le bambou et propose sept créations inédites signées par des designers contemporains.

Loro Piana et Dimoremilano conjuguent leurs univers dans une installation cinématographique et sensorielle, entre pièces uniques, tissus raffinés et objets vintage. Un espace d’élégance immersive à découvrir du 7 au 13 avril.

Buccellati, maison emblématique de l’orfèvrerie italienne, propose Naturalia, une expérience poétique au cœur de son siège historique, imaginée en collaboration avec Balich Wonder Studio et Studio Mary Lennox. Trois univers – forêt, montagne et monde sous-marin – servent d’écrin à la collection « Furry Animals ».

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Parmi les autres participants prestigieux : Bugatti Home et sa collection lifestyle, Fendi, Swarovski, Longchamp, MCM, ou encore la maison de whisky The Balvenie, qui fait ses débuts remarqués avec une installation conçue par l’artiste Samuel Ross.

Focus : ATRA et l’expérience brute de Soundscape

Parmi les événements marquants du Fuorisalone, l’installation Soundscape, présentée par la Galerie Soleille dans le cadre d’Alcova, fait sensation. Dans le cadre mystique de la Villa Bagatti Valsecchi, elle rassemble des pièces monumentales aux accents brutalistes et poétiques, pour une immersion sensorielle totale.

ATRA, studio multidisciplinaire primé, y présente le canapé Beluga et une table d’appoint en travertin, signés par Alexander Diaz Andersson. Véritables œuvres sculpturales, ces créations traduisent l’alliance du design avant-gardiste et du confort artisanal, dans une esthétique mêlant héritage suédo-mexicain et modernité futuriste.

Salone del Mobile – Fiera Milano Rho • ATRA x Alcova – Villa Bagatti Valsecchi, Varedo. Du 6 au 13 avril 2025. Plus de renseignements : salonemilano.it

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