Encore peu montrée en France, la photographe néerlandaise fait l’objet d’une vaste rétrospective à la Maison Européenne de la Photographie jusqu’au 24 mai 2026. Intitulée Dana Lixenberg. American Images, l’exposition, co-curatée par Laurie Hurwitz (MEP) et Marcel Feil (MAPFRE), déplie plus de trente ans d’un travail obstiné, presque ascétique : construire, patiemment, une archive sensible des États-Unis.

Née à Amsterdam en 1964, installée à New York à la fin des années 1980, Lixenberg a choisi l’Amérique comme terrain d’observation – non pas celle des slogans, mais celle des seuils, des marges, des intérieurs. Elle travaille à la chambre grand format 4 × 5 pouces. Trépied, voile noir, mise au point millimétrée : l’appareil impose son tempo. On ne déclenche pas, on négocie.

Photographier est comme une danse lente

dit-elle.

Comprendre : la pose est un dialogue silencieux. Le temps n’est pas un luxe, c’est une condition. L’image n’est pas prise, elle est accordée.

Cette éthique irrigue aussi bien ses commandes pour la presse – The New Yorker, The New York Times Magazine, Vibe – que ses projets au long cours. Aucune hiérarchie. Une femme condamnée à mort au Texas reçoit la même attention qu’une star mondiale. Des travailleuses du sexe dans le Nevada, des familles sans logement dans l’Indiana : même frontalité, même lumière tenue, même refus de l’effet.

Tupac, 22 ans, sous la pluie

Son portrait de Tupac Shakur, réalisé en 1993 à Atlanta pour Vibe, reste emblématique. Il a vingt-deux ans. Il pleut. La tête légèrement inclinée, le regard presque doux, il apparaît moins en combattant qu’en écrivain. Trois ans plus tard, il sera assassiné. L’image, elle, résiste aux simplifications : elle garde la complexité d’un homme avant le mythe.

George Pitts, ancien directeur photo de Vibe, résumait cette inversion des rôles : avec les anonymes, Lixenberg révèle le charisme ; avec les célébrités, la vulnérabilité.

Documenter sans appuyer

Ses séries documentaires prolongent ce refus du spectaculaire. À Jeffersonville (Indiana), entre 1997 et 2004, elle photographie les résidents d’un foyer d’accueil sans misérabilisme. En Alaska, dans The Last Days of Shishmaref (2008), la fonte du pergélisol affleure, mais ce sont les visages qui tiennent le cadre.

Et puis il y a Imperial Courts, commencé en 1993, dans le sillage des émeutes de Los Angeles de 1992 après le passage à tabac de Rodney King et l’acquittement des policiers impliqués. Depuis plus de trente ans, Lixenberg retourne dans ce complexe de logements sociaux de Watts. Elle apporte des tirages, enregistre des voix, ajoute le son et la vidéo. Elle revient. Encore. Toujours. Là où les médias ont souvent figé le quartier dans la violence, elle construit une mémoire habitée – faite de continuités, d’absences, d’enfants devenus adultes.

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Une résistance tranquille

À l’heure des flux et des scrolls, son œuvre agit comme une chambre d’écho. Elle ralentit. Elle oblige à regarder. Elle ne dramatise pas, elle insiste. Chaque portrait semble dire : voici une personne, irréductible à son statut, à son contexte, à son image publique.

Dana Lixenberg photographie l’attente – non comme un vide, mais comme un espace de rencontre. Une politique du regard, en somme. Patiente. Têtue. Profondément humaine.

“Dana Lixenberg. American Images”, jusqu’au 24 mai 2026 à la Maison Européenne de la Photographie, 5/7 rue de Fourcy, Paris IVe.

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On les croyait éternels, comme les armoires normandes et les montres transmises de génération en génération. Pourtant, les métiers d’art français ont un problème très contemporain : ils manquent de jeunes. Beaucoup. Trop. Alors, samedi dernier, le ministère de l’Éducation nationale a dégainé une réponse qui fleure bon le bois ciré et la stratégie industrielle : la création du Brevet national des métiers d’art (BNMA pour les intimes).

Dès la rentrée 2026, ce nouveau diplôme sera accessible aux élèves sortant de 3e qui préfèrent l’odeur du cuir à celle du feutre effaçable. L’idée est simple : proposer un cursus en trois ans, structuré, reconnu, et ouvrant les portes de l’enseignement supérieur, au même titre qu’un baccalauréat. Autrement dit, choisir l’ébénisterie ne sera plus perçu comme un détour, mais comme une voie royale. En bois massif, certes, mais royale quand même.

Car derrière les vitrines impeccables des grandes Maisons de luxe se cache une réalité plus fragile. Le secteur compte environ 60.000 entreprises et 281 métiers recensés. Un patrimoine vivant, mais vieillissant. Les départs à la retraite s’enchaînent, les carnets de commandes débordent, et les ateliers cherchent désespérément des mains formées. La pénurie de main-d’œuvre qualifiée n’est plus une inquiétude théorique : elle ralentit déjà la production.

Le BNMA arrive donc comme un pont jeté vers l’avenir. Ébénisterie, bijouterie, maroquinerie, horlogerie : quatre spécialités ouvriront cette année. Des métiers d’excellence, exigeants, minutieux, où l’on apprend que la patience est un outil aussi important que le tour ou la lime. Le nouveau diplôme viendra compléter le parcours existant, jusque-là articulé autour d’un CAP suivi de deux années supplémentaires. Deux chemins désormais, pour un même objectif : faire naître des artisans capables de rivaliser avec les meilleurs.

Mais attention, pas question de transformer les ateliers en musées. Le ministère insiste sur la modernisation de la filière, avec un vaste chantier engagé pour actualiser les 60 spécialités de CAP. Technologies numériques, transition écologique, nouveaux matériaux : le geste ancestral devra composer avec son époque. On ne sauve pas un savoir-faire en le figeant sous cloche.

Le BNMA pourra être préparé en formation scolaire, en apprentissage ou en formation continue. Ce détail ouvre la porte aux reconversions, à ces cadres fatigués des open spaces qui rêvent de silence ponctué par le bruit d’un rabot. À l’heure où beaucoup cherchent du sens, l’artisanat d’art retrouve une aura inattendue.

Reste une question, presque philosophique : comment convaincre une génération biberonnée aux écrans que l’avenir peut aussi se construire avec ses mains ? Peut-être en rappelant que, dans un monde saturé de produits standardisés, le luxe ultime est devenu le temps passé à bien faire. Et que derrière chaque objet d’exception, il y a quelqu’un qui a appris, patiemment, à dompter la matière.

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Cette édition 2026 restera d’abord comme celle de Bad Bunny. Déjà grand favori avec Kendrick Lamar et Lady Gaga, l’artiste portoricain a marqué l’histoire en remportant le Grammy de l’album de l’année pour Debí Tirar Más Fotos. Une première pour un disque intégralement en espagnol, symbole fort dans une Amérique traversée par des tensions identitaires. Mais c’est surtout son discours qui a électrisé la salle. Refusant les remerciements convenus, Bad Bunny a pris position frontalement contre la politique migratoire américaine et l’ICE, rappelant que les artistes latinos ne sont ni invisibles ni interchangeables. Une prise de parole applaudie debout, qui a donné le ton d’une soirée résolument engagée.

Dans le même esprit, Olivia Dean a été sacrée meilleure nouvelle artiste. La chanteuse britannique, dont la carrière a explosé en 2025, a livré un discours intime et politique à la fois, évoquant son héritage familial et la force de l’immigration. Loin de la success story formatée, elle a rappelé que la pop peut encore être un espace de transmission et de mémoire. Une émotion brute, qui contrastait avec le vernis habituel des grandes cérémonies.

Côté palmarès, les Grammy Awards 2026 ont largement récompensé les figures déjà bien installées. Billie Eilish a remporté le prix de la meilleure chanson pour Wildflower, ballade délicate et mélancolique, et a profité de la scène pour dénoncer les violences policières et les politiques répressives. Kendrick Lamar, lui, a confirmé son statut de géant : avec ses nouveaux trophées, il devient le rappeur le plus récompensé de l’histoire des Grammy, un record qui dit beaucoup de son influence culturelle au-delà du hip-hop. Lady Gaga, fidèle à son goût du spectaculaire, est repartie avec plusieurs distinctions, notamment dans les catégories pop et dance, confirmant que son retour avec Mayhem n’avait rien d’un simple coup de nostalgie.

La Recording Academy avait pourtant promis du renouveau. Avec l’intégration de 3 800 nouveaux membres et la réintroduction du prix de la meilleure pochette d’album – disparu depuis les années 1970 – l’institution entendait refléter la diversité actuelle du paysage musical. Dans les faits, la soirée a navigué entre ouverture réelle et conservatisme assumé. Si des artistes comme Doechii, Turnstile, Tyler, The Creator ou The Cure ont trouvé leur place au palmarès, plusieurs absences ont fait grincer des dents. The Weeknd, Lorde, Gracie Abrams ou encore Ravyn Lenae ont été purement et simplement ignorés. Quant à Taylor Swift et Rosalía, elles devront attendre 2027 : leurs derniers albums sont arrivés trop tard pour être éligibles.

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Sur scène, le spectacle a tenu ses promesses. Sabrina Carpenter, Lady Gaga, Addison Rae, Olivia Dean, Rosé, Tyler, The Creator, Bruno Mars, Chappell Roan, Lauryn Hill ou encore Justin Bieber ont enchaîné les performances, dans un mélange assumé de générations et de styles. Mention spéciale à Addison Rae, dont la prestation a confirmé son virage réussi vers une pop plus affirmée, loin de son image initiale de star des réseaux sociaux.

La cérémonie a aussi été marquée par une domination nette des musiques urbaines et alternatives. Le rap, le R’n’B et l’électro ont occupé le devant de la scène, tandis que le rock, bien que toujours présent, s’est cantonné à des niches plus pointues. Turnstile, Deftones ou Linkin Park ont néanmoins rappelé que les guitares n’avaient pas dit leur dernier mot.

Au final, les Grammy Awards 2026 n’ont peut-être pas bouleversé l’ordre établi, mais ils ont confirmé une chose essentielle : la musique populaire n’est plus seulement un divertissement.

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Il fallait être patient, ce mardi 20 janvier 2026, chez Louis Vuitton. Patient face à la foule, face au discours, face au futur selon Pharrell Williams. Premier défilé majeur de la Fashion Week masculine, le show dédié à l’homme automne-hiver 2026-2027 promettait beaucoup. À l’arrivée, il offre surtout une longue leçon de calme, dispensée à grand renfort de bois brut, de jardin et d’ego parfaitement entretenu.

La scénographie est plantée – littéralement. Une caisse en bois XXL, un jardin méticuleusement peigné, et au centre, DROPHAUS : une tiny house de luxe conçue avec le studio japonais Not A Hotel. Une maison “intemporelle”, durable, transportable, conceptuelle. En résumé : une installation d’art contemporain sponsorisée par le luxe, venue rappeler que Louis Vuitton peut aussi vendre des idées, même quand la mode manque à l’appel.

Pharrell, partout. Les vêtements, nulle part.

Pharrell Williams, directeur artistique du vestiaire masculin, a clairement décidé que le défilé serait avant tout un manifeste personnel. Le voyage ? Intérieur. Le luxe ? Fonctionnel. Le futur ? Calme, beige et légèrement soporifique. On comprend le message : face au chaos du monde, il faut se recentrer. Encore faudrait-il que cela donne envie de s’habiller.

Car une fois passées les intentions, reste une collection étrangement absente. Tailoring sage, volumes mous, références 70’s usées jusqu’à la corde – le tout noyé dans une palette de couleurs si tellurique qu’elle semble vouloir retourner à l’état de poussière. Beige, brun, gris. Beaucoup de gris. À croire que le futur ne supporte plus la couleur.

La performance invisible, ou l’art de ne rien montrer

On nous parle de textiles innovants, de matières thermo-adaptatives, de soies techniques, de tissus intelligents. Très bien. Problème : sur un podium, tout cela se voit à peine. Et ce qui ne se voit pas finit par ne pas exister. À trop vouloir faire des vêtements “qui fonctionnent”, Louis Vuitton oublie qu’ils doivent aussi séduire, provoquer, déranger. Ici, ils rassurent. Beaucoup. Trop.

La collection se veut intemporelle. Elle pourrait tout aussi bien dater d’hier, d’avant-hier ou de demain, sans que cela ne change grand-chose. Le futur selon Pharrell Williams est un présent figé, soigneusement repassé, vidé de toute urgence.

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Le luxe en mode séminaire

Ce défilé donne parfois l’impression d’assister à une retraite bien-être pour cadres supérieurs. On respire. On médite. On valide les valeurs. Mais on s’ennuie à mourir. Louis Vuitton, maison de l’audace et du panache sous Marc Jacobs, se retrouve ici coincée dans une posture sérieuse, presque technocratique du style.

Le plus gênant reste cette omniprésence de Pharrell Williams. Tout semble conçu pour raconter son monde, ses obsessions, son futur idéal. Les vêtements deviennent accessoires d’un discours auto-centré, où la mode n’est plus une fin, mais un support. À force de vouloir tout incarner, Pharrell Williams finit par faire disparaître l’essentiel.

Un futur durablement tiède

Au final, ce Louis Vuitton homme automne-hiver 2026-2027 laisse un goût étrange : celui d’un futur bien intentionné, propre sur lui, durable… et profondément tiède. Rien ne choque, rien ne surprend, rien ne donne envie. Le luxe devient raisonnable, la mode devient sage, et le défilé, malgré son statut de grand rendez-vous, glisse dangereusement vers l’oubli.

On ressort apaisé, peut-être. Marqué, certainement pas. Et si le futur de Louis Vuitton ressemble à cette maison « zen » posée au milieu du podium, on comprend mieux pourquoi la mode, elle, a décidé de sortir prendre l’air.

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Au début des années 1970, dans des lofts new-yorkais à moitié vides, Alan Vega se tient droit comme une menace. Martin Rev appuie sur des touches de synthétiseur bon marché. La boîte à rythmes cogne comme un cœur sous amphétamines. Le groupe s’appelle Suicide. Le public, lui, hésite entre la fuite et la bagarre.

Alan Vega vient des arts plastiques, et cela s’entend. Sa musique fonctionne par blocs, par surfaces, par lumière crue. Né à Brooklyn en 1938, élevé dans une famille juive ouvrière, il apprend d’abord à regarder avant de faire du bruit. À Columbia, il peint. À la Judson Gallery, il découvre les néons, le minimalisme, les formes industrielles. Il comprendra très tôt que le son peut être une matière aussi coupante que le verre.

Sur scène, il ne joue pas : il s’expose. Chaque concert est un test de résistance. Celle du public, la sienne. Les sets sont courts, violents, presque cliniques. À Glasgow, en 1978, quelqu’un lui jette une hache. Ce n’est pas un accident. C’est une critique d’art sauvage.

Suicide (1977) ressemble à un sabotage. Pas de groove confortable, pas de refrain accueillant. Une rythmique figée, une voix qui passe du murmure au hurlement, des silences qui font plus peur que le bruit. Frankie Teardrop n’est pas une chanson : c’est une descente guidée dans l’horreur domestique, dix minutes pour comprendre que la pop peut aussi être un traumatisme.

En solo, Vega va encore plus loin dans le dénuement. Alan Vega (1980), Collision Drive (1981) : des disques maigres, sexy et malades. Le rockabilly y est fantomatique, l’électronique réduite à l’essentiel. On y entend Elvis traverser une zone industrielle en feu. Vega chante l’amour comme on parle d’un danger imminent.

Il n’a jamais cherché à devenir un modèle, et pourtant tout le monde l’a copié. Joy Division, Soft Cell, Nick Cave, The Jesus and Mary Chain, Bruce Springsteen période Nebraska, Bashung, Radiohead : tous ont puisé dans ce cri primitif, cette idée que la musique pouvait être pauvre, frontale, et néanmoins infiniment expressive.

Alan Vega meurt en 2016, sans bruit, fidèle à sa logique. Mais ses disques, eux, refusent de se taire. En 2026, Sacred Bones réédite ses deux premiers albums solos, avec démos inédites, comme si l’on rouvrait un dossier jamais classé. Pas pour le nostalgique, mais pour le présent.

Redécouvrez Alan Vega et Collision Drive en Deluxe Remastered Edition, disponibles dès le 23 janvier 2026.

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Valentino n’aimait pas le hasard. Il aimait les entrées, les sorties, les lumières bien réglées et les femmes magnifiées. Pendant plus de quarante ans, il a habillé celles qui incarnaient le pouvoir, la gloire ou le fantasme : Jackie Kennedy, Sophia Loren, Farah Pahlavi, Elizabeth Taylor… Puis, quand Hollywood changea de visage, Sharon Stone, Nicole Kidman, Gwyneth Paltrow, Kim Kardashian. Les époques passaient, Valentino restait.

Il n’a jamais voulu être un créateur conceptuel. Il voulait être admiré. Il voulait que ses robes marchent avant les femmes, qu’elles annoncent leur arrivée, qu’elles fassent taire une salle. Et il y est parvenu avec une constance presque provocante.

Un homme qui savait vivre (et le faisait savoir)

Valentino ne se contentait pas de créer du luxe : il l’incarnait. Villas, palais, appartements, chalets, châteaux. Rome, Londres, New York, Gstaad, Wideville. Une géographie du privilège, assumée jusqu’à l’excès. Il vivait comme ses clientes : entouré d’art, de fleurs fraîches, de personnel discret et d’un sens aigu de la mise en scène.

Il donnait des fêtes quand le monde prônait la sobriété. Des dîners fastueux quand la mode parlait de minimalisme.

J’embellis tout ce que je touche

disait-il.

Chez lui, ce n’était pas une formule : c’était un programme.

Apprendre chez les dieux pour devenir un classique

Né à Voghera en 1932, Valentino part à Paris à 17 ans. Il apprend chez Balenciaga, Jean Dessès, Guy Laroche. Il observe, il absorbe, il comprend. La couture n’est pas une improvisation, c’est une architecture.

De retour à Rome à la fin des années 1950, il tombe pile au bon moment. Cinecittà transforme la ville en capitale mondiale du cinéma. Les actrices veulent des robes spectaculaires. Valentino sait les faire. Le soir, il devient incontournable.

Giancarlo, le stratège invisible

Sans Giancarlo Giammetti, Valentino serait resté un grand couturier. Avec lui, il devient une institution. Associé, compagnon, architecte de l’empire, Giancarlo Giammetti transforme la vision en machine parfaitement huilée. Ensemble, ils inventent une maison où le glamour n’est jamais laissé au hasard.

Leur duo incarne une époque où la mode se pensait encore comme une dynastie.

Le rouge comme manifeste

Il y a eu les volants, les broderies, les mousselines, les zibelines. Et puis il y a eu le rouge. Ce rouge Valentino, né d’un choc esthétique adolescent à l’Opéra de Barcelone, devenu une signature mondiale. Une couleur qui ne cherche pas la subtilité mais la mémoire.

Sur les tapis rouges, ce rouge brûlait. Il n’accompagnait pas les stars : il les dominait. Valentino ne faisait pas des robes pour passer inaperçues. Il faisait des robes pour entrer dans l’histoire des images.

Un classique dans un monde pressé

Valentino n’a jamais cherché à être moderne. Il a préféré être intemporel. Il croyait à l’éducation, à la discipline, au bon goût appris. Il se méfiait de la désinvolture élevée au rang de style.

Le comble de l’inélégance, c’est la mauvaise éducation

répétait-il, regardant une époque qui confond souvent négligence et audace.

En 2008, il quitte la scène. Il a 75 ans, un empire vendu pour 300 millions de dollars, un prénom devenu adjectif. Il se retire dans ses maisons, ses souvenirs, ses collections.

Valentino disparaît, mais son monde, lui, refuse encore de disparaître. Il persiste dans une robe rouge, une entrée remarquée, une élégance qui n’a jamais demandé la permission. Paix à son âme.

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Il n’aura pas fallu longtemps pour que la mode pousse les portes d’un nouveau temple culturel. Star incontestée des musées depuis quelques saisons déjà, elle trouve aujourd’hui refuge à la Fondation Cartier, fraîchement installée dans son nouvel écrin imaginé par Jean Nouvel. Un lieu qui, hasard heureux ou clin d’œil de l’histoire, occupait autrefois un grand magasin de nouveautés – là même où frémissaient les premières idées du prêt-à-porter. Autant dire que les murs étaient déjà prêts à accueillir robes, souvenirs et fantômes de tissus.

Pour orchestrer cette première rencontre officielle entre art contemporain et mode, la Fondation a fait appel au séduisant Olivier Saillard. Historien, conservateur, performeur – et surtout infatigable agitateur du vêtement – il débarque avec son Musée vivant de la mode, un programme à tiroirs mêlant exposition, installations, performances, conférences et rencontres. Le tout calé sur le rythme effréné de la Fashion Week féminine de mars, et prolongé jusqu’à la fin du mois, histoire de laisser respirer les étoffes.

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Un musée qui respire (encore)

Avec ce Musée vivant, Saillard interroge la mode au moment précis où elle cesse de bouger : quand le vêtement, porté, vécu, abandonné, devient patrimoine. Pour cela, il s’entoure de corps bien réels. Les 6 et 7 mars, plusieurs modèles se prêteront à des performances simultanées, rappelant que la mode n’existe jamais mieux que lorsqu’elle marche, se froisse ou fatigue un peu.

Les 13 et 14 mars, changement de décor et retour vers une collection restée célèbre pour avoir fait grincer bien des dents : celle d’Yves Saint Laurent en 1971. Paloma Picasso, muse de l’époque, ravivera le souvenir de ce défilé scandaleux qui avait osé convoquer l’esthétique de la Seconde Guerre mondiale. Une mémoire sensible, remise en mouvement par un nouveau défilé, entre hommage et résurgence.

Enfin, les 20 et 21 mars, place au silence – ou presque. Avec Mannequins du Silence, Olivier Saillard retrouve sa complice de longue date, Tilda Swinton, pour un habillage performé où le vêtement parle sans dire un mot. Un triptyque complété par deux expositions : l’une au cœur de la Fondation, l’autre à la Galerie Valois, à quelques pas de là, comme un prolongement discret dans la ville.

Premier pas de la Fondation Cartier sur le terrain de la mode, ce cycle pourrait bien être un coup d’essai qui se transforme en coup de maître. Preuve, s’il en fallait encore une, que la mode n’a pas fini de faire sa place… même quand elle enlève ses chaussures.

Olivier Saillard, Le Musée vivant de la mode – Fondation Cartier pour l’art contemporain, du 6 au 21 mars. Expositions jusqu’en mai à la Galerie Valois. Plus de renseignements sur

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Présentée une nouvelle fois par Nikki Glaser, plus mordante que jamais, la soirée a confirmé ce que beaucoup murmuraient déjà à deux mois des Oscars : « Une Bataille après l’autre » et « Hamnet » sont désormais les deux pôles émotionnels autour desquels gravite la saison des prix.

Dans « Une Bataille après l’autre », Paul Thomas Anderson transforme l’Amérique contemporaine en terrain de jeu explosif, absurde et furieusement politique. Résultat : trois Golden Globes majeurs – Meilleur film comique, Meilleure réalisation et Meilleur scénario. Un triplé net, sans bavure.

Cerise sur la satire : Teyana Taylor décroche le premier trophée de sa carrière pour un second rôle incandescent, rappelant que PTA sait aussi fabriquer des étoiles, pas seulement des fresques.

Chloé Zhao, l’intime en majesté

À l’opposé du vacarme, « Hamnet » s’impose comme le cœur battant de la soirée. En racontant l’amour de William et Agnes Shakespeare à travers le deuil, Chloé Zhao rafle les prix de Meilleur film dramatique et Meilleure actrice pour une Jessie Buckley d’une justesse désarmante.

Lors de son discours, la réalisatrice résume :

Être artiste, c’est accepter d’être vu tel que l’on est.

Une phrase qui flottait encore dans la salle pendant que Paul Mescal, nommé mais bredouille, encaissait avec élégance.

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Mères, hommes fatigués et ping-pong existentiel

La soirée a aussi célébré les visages d’un cinéma épuisé mais lucide. Rose Byrne, couronnée Meilleure actrice de comédie, bouleverse en mère au bord de l’implosion dans Si j’en avais la force. Charge mentale : 1, tapis rouge : 0.

Chez les hommes, Timothée Chalamet confirme sa mue adulte. Après les Critics Choice Awards, il s’impose aux Golden Globes pour son incarnation de Marty Supreme, pongiste obsessionnel filmé par Josh Safdie. À 30 ans, il devance DiCaprio, Clooney et Hawke – la jeunesse frappe, et elle vise juste.

En drame, Wagner Moura continue sa trajectoire parfaite : après Cannes, un Golden Globe pour L’Agent secret. Le Brésil gagne, Hollywood écoute.

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Séries : pas de vacances pour les nerfs

Côté petit écran, pas de surprise mais des confirmations. The White Lotus, pourtant ultra-nommée, repart les mains vides – présage inquiétant avant les Emmy Awards.

À la place, l’industrie plébiscite des séries sous tension : « Adolescence », plongée glaçante dans le masculinisme ; « The Pitt », immersion suffocante aux urgences ; « The Studio », satire délicieusement autocannibale de Hollywood. Trois séries, un même mot d’ordre : l’émotion avant le confort.

Hollywood, toujours excessif, rarement tiède

Entre violence politique, amour impossible, charge mentale et identités fissurées, ces Golden Globes 2026 n’ont pas récompensé des œuvres consensuelles. Ils ont sacré un cinéma qui secoue, blesse parfois, mais refuse obstinément de rassurer.

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Nous sommes alors dans une Grande-Bretagne en pleine mue : sortie de récession, post-guerre froide, portée par un optimisme nouveau et un certain goût pour le chaos créatif. Une génération d’artistes et de créateurs décide que les frontières sont faites pour être traversées – voire piétinées. L’art contemporain flirte avec la pop culture, la mode s’inspire de la rue, et la musique infiltre tout, jusqu’aux cimaises des musées.

En toile de fond, le mouvement Cool Britannia accompagne l’arrivée au pouvoir de Tony Blair et transforme le Royaume-Uni en épicentre d’une effervescence culturelle exportable. Sous le commissariat du styliste Edward Enninful, The 90s entend restituer cette énergie brute à travers œuvres, archives et images qui racontent le moment précis où les règles ont commencé à sérieusement vaciller.

Le parcours convoque les photographies volontairement bancales de Juergen Teller et les expérimentations visuelles de Nick Knight, témoins d’un langage de la mode en pleine réinvention. Ces images dialoguent avec les œuvres de Damien Hirst, Gillian Wearing ou Yinka Shonibare – figures emblématiques des Young British Artists – dont les travaux dissèquent le corps, l’identité et les rapports de pouvoir avec un mélange d’audace et d’irrévérence qui continue d’influencer la création contemporaine.

La mode, elle, n’est pas reléguée au rang de simple décor. Vivienne Westwood, Alexander McQueen et Hussein Chalayan occupent le devant de la scène, rappelant combien le vêtement fut dans les années 1990 un véritable manifeste. Entre héritage punk, expérimentations radicales et provocations assumées, ces créateurs ont transformé le podium en terrain de résistance esthétique.

De Kate Moss, éternelle icône capturée par Juergen Teller, aux silhouettes incendiaires de l’« impératrice du punk », The 90s promet une relecture vibrante d’une décennie qui n’a jamais vraiment cessé de hanter notre imaginaire collectif.

The 90s, du 1er octobre 2026 au 14 février 2027, Tate Modern, Londres. Plus de renseignements sur tate.org.uk

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Tout commence par une veste. Une simple veste, vendue 250 euros, devenue objet de désir ultime après avoir été portée par Tom Brady, Frank Ocean, Kendall Jenner, Kid Cudi et la moitié de la pop culture occidentale. Revente à 2 500 euros sur Vinted. Bienvenue dans l’économie parallèle de Marty Supreme.

Puis il y a l’orange. Partout. La couleur officielle du film, inspirée des balles de ping-pong du vrai Marty Reisman. Si Barbie avait repeint le monde en rose, Marty Supreme l’asperge d’orange fluo, sans sommation. Timothée Chalamet et Kylie Jenner assortis en Chrome Hearts à l’avant-première de Los Angeles ? Évidemment. Un dirigeable orange dans le ciel californien ? Bien sûr. Des hommes avec des balles de ping-pong sur la tête accompagnant Chalamet ? Pourquoi pas.

La promo du film ressemble moins à une campagne marketing qu’à un happening géant, où chaque idée semble répondre à la précédente par un “encore plus”.

Timothée Chalamet, homme-orchestre et prophète du chaos

Au centre de ce tourbillon : Timothée Chalamet, transformé en évangéliste du projet. Il ne joue pas Marty Reisman, il devient Marty Reisman. Ping-pong partout, tout le temps. Une table embarquée sur les tournages, dans les hôtels, dans les avions (presque). Une implication totale, revendiquée comme une nécessité à l’ère du scroll infini.

La capacité d’attention des gens est si faible aujourd’hui…

confie-t-il, très sérieusement, avant de proposer de transformer la Sphère de Las Vegas en balle de ping-pong géante. Ce qui, évidemment, arrive.

À l’écran, il incarne le champion américain de tennis de table, figure borderline des années 1950, avec une énergie qui aurait, selon les critiques américains, des airs de Loup de Wall Street version raquette. Oscar ou pas Oscar ? La question flotte déjà dans l’air, entre deux pop-up stores.

Gwyneth Paltrow sort de sa retraite… et pas à moitié

Autre surprise du siècle : Gwyneth Paltrow est de retour. Celle qu’on pensait définitivement absorbée par Goop, les bougies controversées et le bien-être holistique revient au cinéma avec un rôle tout sauf sage.

Dans Marty Supreme, elle incarne une actrice has been, mariée à un magnat des stylos, qui entame une liaison torride avec le personnage de Chalamet. Beaucoup de scènes de sexe. Vraiment beaucoup. Suffisamment pour que l’actrice découvre, médusée, l’existence des coordinateurs d’intimité.

Dans Vanity Fair, elle résume la situation avec une honnêteté désarmante : elle vient d’une époque où “on se déshabille, on se glisse sous les draps et la caméra tourne”. Résultat : un comeback aussi inattendu que délicieusement provocant.

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Un casting improbable et une énergie incontrôlable

Autour de ce duo : Fran Drescher en mère envahissante, Tyler, The Creator en ami pongiste, Abel Ferrara en mafieux absurde, Odessa A’zion en petite amie enceinte. Un casting qui ressemble à une playlist Spotify à 3 h du matin, mais qui fonctionne.

Josh Safdie orchestre le tout comme une montée d’adrénaline permanente, quelque part entre biopic sportif, satire de la célébrité et manifeste sur l’excès.

Film sur le ping-pong ou phénomène total ?

Alors non, Marty Supreme n’est pas “juste” un film sur le ping-pong. C’est un objet culturel mutant, pensé pour exister autant dans les salles obscures que dans l’espace public, les réseaux sociaux et les dressings.

Reste à savoir si le film sera à la hauteur de son propre bruit. Mais une chose est sûre : en 2026, vous entendrez parler de Marty Supreme. Que vous le vouliez ou non !

Sortie en France prévue le 18 février 2026. État d’alerte médiatique : immédiat.

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