Et il était temps ! Après les départs de Kim Jones et Maria Grazia Chiuri, l’enseigne parisienne avait besoin de se réinventer. Mission acceptée (et exécutée) par Jonathan Anderson, qui signe ici un coup d’éclat à sa manière. Intelligent, poétique et résolument inattendu.

Forget la solennité. Ici, le ton est donné dès les premières secondes. Sam Nivola, étoile montante de The White Lotus, gambade au milieu des bosquets et des roses, quelque part entre le rêve éveillé et le week-end en Normandie chez tonton Christian (Dior). Le teaser vidéo envoie déjà un message clair. Dior version Anderson ne se prend pas (trop) au sérieux.

Et pourtant, derrière cette ambiance bucolique, il y a du fond. Le cadre du défilé – parquet chevron et lumière tamisée façon galerie d’art – annonce l’équilibre à venir. Et devant ce tableau vivant ? Une front row à faire pâlir un after des Oscars : Rihanna et A$AP Rocky en love mode, Roger Federer en détente, Pharrell Williams qui hoche la tête, Donatella Versace tout sourire. Si les looks étaient à la hauteur du casting ? Grave !

Du tailleur bar au bermuda gonflé à bloc

Dès la première silhouette, on comprend que la presse va avoir droit à un mix audacieux. En haut, une veste cintrée, très « bar », très « je-sais-ce-que-je-fais ». En bas ? Un bermuda oversize façon tutu workwear, porté avec des sandales et des chaussettes de sport. Voilà. Jonathan Anderson donne le ton. Romantique et rebelle, raffiné et relax.

Tout au long du show, cette tension s’amuse : vestons satinés sur peau nue, longues écharpes de soirée qui touchent presque le sol, cravates portées de travers. Et oui, ça fonctionne. Parce que rien n’est là par hasard. Parce que chaque geste de travers est un clin d’œil au vestiaire masculin trop rigide. Parce que Jonathan Anderson a ce talent : rendre le désinvolte désirable.

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Basquiat, Mbappé et un nœud de cravate

Pour ceux qui n’avaient pas encore compris le message, deux images valent mille discours. La première, un portrait de Jean-Michel Basquiat, cravate mal fagotée, siglée Dior. La deuxième : Kylian Mbappé en galère à faire son nœud de cravate dans un teaser aussi drôle que pertinent. Voilà l’élégance selon Jonathan Anderson. Un art maîtrisé du presque-raté. De l’effort qui ne se voit pas. De l’élégance qui respire.

Ce premier défilé Dior Homme sous la houlette de Jonathan Anderson est un grand oui. Oui à l’audace, oui au romantisme sans mièvrerie, oui à une mode qui s’amuse tout en pensant. L’homme ne cherche pas à choquer, mais à réveiller. Il fait ce que peu de créateurs savent faire aujourd’hui : allier exigence et fraîcheur, couture et cool.

Un souffle nouveau ? Non, une bourrasque. Une de celle qui fait du bien, et qui donne envie de voir la suite.

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La Fashion Week masculine dévoile pour la saison Printemps-Été 2026 trois collections qui, chacune à leur manière, brouillent les frontières entre mode, art et narration.

À travers des défilés conceptuels et chargés de symboles, AMIRI, Sean Suen et Bluemarble proposent des visions sensibles, presque cinématographiques, du vêtement. Un été sous le signe du récit incarné.

AMIRI : un hôtel pour décor, la mémoire pour matière

Mike Amiri transporte la mode bien au-delà du vestiaire : direction le Château AMIRI, un hôtel imaginaire où chaque silhouette devient un personnage, chaque détail un souvenir. Le créateur californien s’inspire de la culture visuelle hollywoodienne, de l’esprit bohème de l’artiste Wes Lang et de l’atmosphère mythique du Château Marmont pour créer une collection entre fiction et réalité.

Le concept ? Un lieu de croisement, de passage, où se mêlent artistes, voyageurs, musiciens. Le vêtement y joue le rôle de vecteur narratif. Jacquards texturés, soies peintes comme des aquarelles, broderies évoquant les clés d’une chambre ou les fauteuils patinés du hall : la collection regorge de références à l’hôtellerie comme théâtre de vie. Amiri signe ici une collection luxueuse mais habitée, qui évoque autant l’élégance décontractée de Los Angeles que le raffinement d’un monde en mouvement.

Sean Suen, quand le rêve devient vêtement

Le créateur chinois Sean Suen poursuit son exploration d’une mode introspective et poétique. Cette saison, il puise dans une émotion suspendue, celle d’un garçon assoupi à son bureau, entre veille et sommeil, dans une pièce silencieuse baignée par la musique de Debussy. À partir de cette image mentale, il construit une collection délicate et presque intangible.

Couleurs floutées, superpositions de matières fluides, coupes déstructurées : tout semble appartenir à un univers onirique et vaporeux. Le vêtement devient une seconde peau, traduisant une intériorité flottante. Les silhouettes ne cherchent pas à impressionner mais à suggérer, laissant volontairement des brèches dans la narration, comme autant de portes ouvertes sur l’imaginaire. Une approche quasi musicale du design, où chaque détail devient note, chaque pli, souffle.

Bluemarble, l’équilibre des contraires

Chez Bluemarble, la collection Printemps-Été 2026 s’inspire d’un lieu bien réel : le Mont Faron, dans le sud de la France. Mais c’est le moment de transition — celui d’un téléphérique entre ciel et terre — qui fascine le directeur artistique Anthony Alvarez Graff. Il y voit un espace de tension fertile, entre force et fragilité, lumière et altitude, protection et exposition.

Les pièces traduisent cette dualité : organza et denim, perles de verre et broderies artisanales, lurex scintillant sur des coupes pratiques. Les imprimés botaniques et les inscriptions comme “Mother” confèrent à l’ensemble une dimension symbolique, presque mystique. Plus qu’une simple collection, Bluemarble propose une topographie du sensible, où chaque silhouette devient un pont entre deux mondes.

À l’heure où la mode cherche à se réinventer, ces trois propositions tracent la voie d’un futur plus incarné, où la poésie côtoie la précision, et où chaque vêtement raconte, à sa manière, une histoire.

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Trois défilés, trois visions de l’homme contemporain, trois récits du corps et de ses métamorphoses. Acne Studios, Hed Mayner et 3.PARADIS n’ont pas simplement montré des vêtements. Ils ont raconté ce que signifie s’habiller aujourd’hui, pour un homme.

Acne Studios, le cowboy version urbaine

Sous le ciel gris du 10e arrondissement, Acne Studios a présenté une collection masculine qui s’inscrit dans la tendance cowboy, très présente ces derniers mois dans la pop culture. Alors que Beyoncé a marqué les esprits avec ses concerts à Paris et son apparition chez Louis Vuitton dans un look western revisité, la maison suédoise, dirigée par Jonny Johansson, s’approprie ce langage avec ses propres codes.

Le jean est omniprésent, décliné en vestes cintrées, pantalons slim ou bootcut, sacs à multiples poches et même en version latexée. La silhouette, souvent ajustée, rompt avec les volumes amples des saisons précédentes. Le vestiaire combine éléments sportswear, influences universitaires américaines et détails tuning, dans une esthétique à la fois assumée et provocante. Les santiags, quant à elles, s’imposent comme l’accessoire clé du défilé.

Autre objet de désir remarqué : le sac Camero, pièce iconique de la marque, revient dans de nouvelles versions colorées (orange, rouge croco, daim) et s’orne de pin’s et d’une mini-clé façon porte-bonheur. Un clin d’œil pop à l’univers grunge de la marque.

Hed Mayner, la disparition des formes

En rupture totale avec l’esthétique d’Acne Studios, le créateur israélien Hed Mayner a présenté une collection introspective et radicalement fluide. Exit les coupes architecturées : les vêtements glissent désormais sur le corps, flottent autour de lui, tombent sans contrainte. Une façon pour le créateur de questionner le rapport au vêtement, à la protection, et plus largement, à la masculinité.

Vestes ouvertes, tricots amples, blazers à peine tenus par une épingle… chaque pièce évoque un effacement, une vulnérabilité, une sensualité non ostentatoire. Le vêtement devient un prolongement de l’intime, plus qu’une armure. La collection, volontairement minimaliste, joue sur les textures, les plissés, les ourlets irréguliers. Elle traduit un geste créatif presque brut, instinctif, comme si elle avait été improvisée à même le corps.

3.PARADIS, marcher vers l’invisible

Dans une ambiance méditative, presque spirituelle, la maison 3.PARADIS a proposé une collection baptisée Steps to Nowhere, pensée comme un hommage à l’artiste Matthew Courtney, récemment décédé. Le créateur Emeric Tchatchoua s’y interroge sur le vide, l’errance, le sens d’une marche sans destination.

Les silhouettes, souvent fluides, semblent emportées par le vent : drapés légers, étoffes brillantes aux teintes désertiques, imprimés de cadrans figés dans le temps. La collection convoque autant le désert que le ciel, le silence que la mémoire.

Plusieurs collaborations ponctuent la collection : des souliers gravés de colombes en partenariat avec J.M. Weston, des motifs empruntés au Petit Prince, et des pièces inspirées du vestiaire balnéaire réalisées avec Vilebrequin. L’ensemble compose une mode contemplative, entre poésie et lucidité.

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Cette saison, la maison française met de côté le noir traditionnel au profit de teintes plus claires. Bordeaux, vert d’eau, ocre ou encore bleu… Une palette inhabituelle pour Saint Laurent, qui s’inscrit dans une volonté assumée de légèreté. Les coupes sont fluides, les matières transparentes ou légèrement satinées, les silhouettes décontractées, mais précises.

La collection puise dans l’univers visuel de films comme La Collectionneuse (1967) ou La Piscine (1969). Plusieurs éléments rendent hommage à une génération d’artistes queer, notamment les peintres américains Patrick Angus et Billy Sullivan. Sur les réseaux sociaux de la maison, des œuvres de Larry Stanton avaient été publiées en amont du défilé, annonçant ce positionnement culturel.

Côté vestiaire, les inspirations sont multiples. Le short court retroussé fait écho à la saharienne de 1967. Les chemises ouvertes ou mouillées, les cravates relâchées, les tailleurs aux épaules nettes s’inscrivent dans une esthétique masculine revisitée, dans la lignée des collections femmes précédentes de la marque.

Réinterprétation des archives

Anthony Vaccarello poursuit le travail de réinterprétation de l’héritage de la maison. Certaines pièces rappellent les premières lignes masculines lancées par Yves Saint Laurent en 1969. D’autres s’appuient sur des photographies personnelles du couturier, prises à Oran dans les années 1950.

Un public restreint et ciblé

Le défilé s’est tenu en petit comité, en présence de personnalités proches de la maison, parmi lesquelles les acteurs Vassili Schneider et Aaron Taylor-Johnson, la comédienne Béatrice Dalle ou le mannequin Lila Moss.

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À 21h30, devant une foule immense de curieux et d’invités triés sur le volet, la façade du Centre Pompidou dévoile une bannière inhabituelle : “L.V.M. Men’s SS26”. En contrebas, un podium graphique s’étire en damier ponctué de serpents, clin d’œil au Jeu de l’échelle, ancêtre indien du jeu de société. Le cadre a été conçu avec le cabinet Studio Mumbai, connu pour son travail patrimonial et artisanal.

L’arrivée de Beyoncé, annoncée en guest star après ses concerts à guichets fermés au Stade de France, donne le coup d’envoi du défilé. Le cadre est posé. Entre art contemporain, star power et héritage culturel.

Un vestiaire entre aventure et sophistication

La collection présentée par Pharrell Williams s’éloigne des références américaines vues lors de ses précédents shows. Place à l’Inde, perçue à travers le prisme du luxe, du voyage et de la narration visuelle. Le vestiaire masculin se compose de pièces fonctionnelles – pantalons de trek, desert boots, sacs à sangles – associées à des éléments de tailoring : costumes sable, shorts à pinces, chemises fluides en soie.

La palette mêle tons naturels, nuances épicées et motifs discrets, dans un équilibre maîtrisé. Les silhouettes évoquent le dandy voyageur, entre Londres et le Rajasthan. Des tongs en cuir fabriquées à la main viennent ponctuer les looks les plus sophistiqués, pour une touche de décontraction maîtrisée.

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Référence cinématographique et retour aux archives

Parmi les références marquantes de cette nouvelle collection, un clin d’œil appuyé au film À bord du Darjeeling Limited de Wes Anderson, sorti en 2007. À l’époque, Marc Jacobs avait conçu pour le film des bagages devenus cultes. Certains sont ici réédités, portés par les mannequins comme autant d’objets de collection, enrichis de broderies, de perles et de pierres précieuses.

Cette dimension artisanale traverse toute la collection, notamment sur les sacs. Le modèle Speedy se décline dans une version brodée vert thé, inspirée des traditions joaillières indiennes.

Une stratégie tournée vers l’Asie du Sud

Au-delà de l’esthétique, le choix de l’Inde comme fil conducteur n’est pas anodin. Le pays représente un marché stratégique pour les grandes maisons de luxe, en pleine croissance. En valorisant les savoir locaux et en intégrant des références culturelles précises, Pharrell Williams inscrit Louis Vuitton dans une dynamique d’ouverture et de dialogue global.

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L’édition s’ouvre par la présentation des étudiants de l’Institut Français de la Mode, devenue au fil des années un rendez-vous incontournable pour repérer les signatures de demain. Leur travail, souvent personnel, traduit les préoccupations d’une génération attachée à la durabilité, à l’inclusivité et à la liberté des formes. Une entrée en matière suivie dans l’après-midi par Études Studio et Auralee, deux marques habituées des passerelles parisiennes qui confirment l’essor d’une esthétique sobre et urbaine à la croisée des influences occidentales et asiatiques.

Mais l’attention du public et des professionnels se portera surtout sur les géants du secteur, attendus dès le premier soir. Saint Laurent présentera une nouvelle collection dans un lieu encore tenu secret tandis que Louis Vuitton, sous la direction de Pharrell Williams, déploiera une nouvelle fois toute la puissance de son image dans un format sans nul doute spectaculaire. Les célébrités attendues en première ligne devraient contribuer à renforcer l’empreinte culturelle de la maison française sur les réseaux sociaux et dans la presse internationale.

Le programme des jours suivants dessine un panorama large des expressions contemporaines. Du minimalisme méditatif de Lemaire aux couleurs revendicatives de 3.Paradis, du style narratif de Wales Bonner au romantisme assumé d’AMI, les défilés du milieu de semaine donnent à voir un spectre diversifié où cohabitent politique, poésie et hybridité. Les Maisons japonaises restent également très présentes dans cette édition avec notamment Yohji Yamamoto, Issey Miyake ou Junya Watanabe, dont les propositions radicales et techniques sont scrutées avec une attention renouvelée.

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Vendredi, la collection Dior Homme sera sans doute le moment clé de la semaine. Le Britannique Jonathan Anderson y dévoilera ses premières silhouettes pour la maison française, succédant à Kim Jones. Son approche conceptuelle et son goût pour l’ambiguïté de genre pourraient insuffler une nouvelle dynamique au tailoring masculin. En soirée, Kenzo, toujours dirigé par Nigo, défendra une vision pop et accessible du luxe, pensée pour dialoguer avec les nouvelles générations.

Le week-end sera quant à lui placé sous le signe de la liberté créative. Des labels comme Kiko Kostadinov, KidSuper ou encore LGN Louis Gabriel Nouchi viendront clore cette semaine sur une note plus expérimentale, souvent loin des formats classiques. Hermès apportera pour sa part une touche plus onirique ou solaire, confirmant son statut de marques capables d’émouvoir au-delà du vêtement.

Près de quatre-vingts défilés et présentations rythmeront cette semaine cruciale pour l’industrie. Derrière les shows, les enjeux commerciaux restent importants, à l’heure où les équilibres économiques du secteur continuent d’évoluer et où la mode masculine ne cesse de gagner du terrain. À Paris, les projecteurs s’allument sur une scène en pleine ébullition, prête à raconter, collection après collection, une nouvelle histoire au masculin.

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Cette collection, très attendue au cœur de la Fashion Week de Milan, se distingue par une tension constante entre structure et spontanéité. Si les coupes restent précises et les silhouettes nettes, la proposition est loin d’être rigide. Bien au contraire : matières souples, couleurs vibrantes et coupes allégées donnent le ton d’un été tactile et instinctif.

Parmi les pièces phares, on note des vestes aux reflets laqués portées sur des chemises largement ouvertes, des shorts à la ligne sobre et des ensembles où la fluidité domine. Les vêtements semblent pensés pour accompagner le corps, non pour l’enfermer. Une manière de laisser place à une expression plus intuitive de soi, affranchie des injonctions de virilité classique.

Nous voulons que les vêtements parlent de liberté, de mouvement, d’émotion », explique Raf Simons en coulisses.

Miuccia Prada ajoute :

Il ne s’agit plus d’imposer une image de l’homme, mais de lui permettre de s’inventer, d’évoluer.

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Le défilé, rythmé par une bande-son aux textures organiques, joue également sur l’ambiguïté entre le naturel et l’artificiel. Le sol du podium, visuellement floral mais monochrome, évoque à la fois la nature et le design graphique. Une esthétique du contraste, qui s’étend aux vêtements.

Dans le public, de nombreuses figures artistiques — acteurs, musiciens, plasticiens — saluent cette proposition qui fait écho à un moment culturel plus large : celui d’une redéfinition des normes de genre, et d’un rapport à l’élégance plus fluide, moins codifié.

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Invitée d’honneur de cette édition du Pitti Uomo, la marque japonaise a investi cette ancienne résidence des Médicis, sur les hauteurs de Florence, pour dévoiler une collection fidèle à ses codes : des vêtements plissés, techniques, confortables, pensés pour une silhouette en mouvement. Dans la lumière du coucher de soleil, les mannequins ont défilé dans les jardins de la villa, vêtus de tuniques, redingotes ou cardigans aux volumes sculptés, dans des matières recyclées, parfois translucides.

La palette de couleurs de cette nouvelle collection, riche et contrastée, va du violet profond au vert acide en passant par des tons rouille et des noirs sobres. Certaines pièces affichent des imprimés abstraits, issus de croquis originaux visibles à l’intérieur de la villa, présentés autour d’une installation circulaire recouverte de tissu plissé.

Bien qu’il s’affranchisse d’une trame narrative singulière, le défilé incarne pleinement la philosophie du label : une mode fonctionnelle, inclusive et respectueuse de l’environnement. En parfaite harmonie avec l’héritage d’Issey Miyake, disparu en 2022, la marque continue de faire rayonner sa vision d’une élégance moderne, subtile alliance d’art, de technologie et de vie quotidienne.

Issey Miyake, fondée en 1970, s’est imposée au fil des décennies comme l’un des emblèmes de la création japonaise. Son fondateur, connu pour ses recherches sur les textiles et son usage du plissé comme langage stylistique, avait aussi été un précurseur en matière d’écoresponsabilité. Un engagement réaffirmé dans cette collection, où les matières recyclées tiennent une place importante.

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À Dubaï, là où le désert façonne l’horizon et où l’architecture tutoie le ciel, la maison Zegna a choisi de poser ses valises pour présenter sa dernière collection. Un cadre inhabituel, mais cohérent : entre sable et soleil, la griffe italienne explore une idée de l’élégance masculine connectée au monde, à la nature et à la mémoire.

Dirigée depuis 2016 par Alessandro Sartori, Zegna poursuit ici son virage vers une mode organique, décomplexée, où la silhouette n’est plus contrainte mais libérée. Les coupes sont amples et souples. Les matières, elles, racontent une histoire tactile : lin léger, soie lavée, cuir tricoté, chanvre sablé… autant de textures brutes qui traduisent une volonté de revenir à l’essentiel.

Je voulais que chaque pièce soit le reflet d’une expérience vécue, d’un voyage intérieur autant qu’extérieur

a expliqué Sartori à l’issue du défilé.

Ce n’est pas une mode de défilé, c’est un vestiaire pensé pour la vraie vie.

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Et en effet, loin des effets de manche ou des propositions conceptuelles souvent vues sur les podiums, cette collection privilégie la sensation au discours. Les vêtements semblent froissés, patinés, presque familiers. Ils épousent le corps sans jamais le contraindre, dans une démarche qui rappelle les principes de l’Oasi Zegna, réserve naturelle située dans les Alpes biellaises, qui inspire régulièrement la maison.

En plaçant son défilé à la croisée des mondes – entre la nature de Trivero et l’immensité du désert –, Zegna poursuit son exploration d’un luxe discret et habité.

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