Dans un nouveau tourbillon narratif, le cinéaste met en scène Raúl, réalisateur en bout de course, type d’homme qui fixe une page blanche comme d’autres fixent la mer. Avec un léger désespoir poli. Il court après l’inspiration comme on court après un bus déjà parti.

« Autofiction » appartient à cette catégorie très spécifique du cinéma. Les films qui parlent du cinéma, tout en donnant l’impression que le cinéma est une maladie contagieuse. On y retrouve cette obsession almodovarienne pour les récits qui se regardent eux-mêmes dans un miroir fissuré.

Raúl, alter ego à peine maquillé du réalisateur, semble pris dans un labyrinthe où chaque idée en appelle une autre, puis la contredit immédiatement. On croit suivre une histoire, mais c’est elle qui suit, un peu comme un chat narquois qui change de pièce dès qu’on croit l’apercevoir.

Ce jeu de miroirs rappelle les grandes incursions autobiographiques du cinéaste, notamment « Douleur et Gloire », où Antonio Banderas incarnait déjà un double fatigué, hanté par ses souvenirs et ses douleurs comme par une playlist trop intime. On pense aussi à « Étreintes brisées », où la mise en abyme devenait une sorte de sport extrême émotionnel.

Mais ici, le vertige est encore plus assumé. « Autofiction » ne raconte pas une histoire sur la création, il simule le moment où une histoire hésite à exister.

Trauma familial en technicolor

Lors d’une master class parisienne (où les étudiants avaient probablement l’air de carnets Moleskine sur pattes), Pedro Almodóvar a rappelé que ses couleurs ne sont jamais décoratives. Le rouge, le vert, les aplats saturés : tout cela vient d’une mémoire intime, presque politique.

Dans la plaine de la Manche, explique-t-il, les femmes étaient autrefois contraintes au deuil prolongé, condamnées au noir comme à une identité unique et définitive. Sa propre mère, après la mort de son père, aurait été soumise à cette règle silencieuse. Alors Almodóvar a répondu comme seuls certains artistes savent le faire. En repeignant le monde.

Ses films ressemblent à des incendies contrôlés, où chaque costume est une déclaration d’indépendance chromatique. Dans « Autofiction », cette esthétique devient presque un personnage secondaire, commentant l’action à coups de couleurs trop vives pour être innocentes.

Cannes, Venise et la fatigue élégante du génie

Après le succès de « La Chambre d’à côté » – où Tilda Swinton et Julianne Moore traversaient la maladie comme on traverse un paysage en slow motion – le cinéaste est revenu cette année au Festival de Cannes, armé d’un film en espagnol pur jus, sans stars globalisées, comme s’il avait décidé de revenir à la source avec une simple cuillère en bois.

On pourrait croire à un geste de retrait. C’est en réalité tout l’inverse. C’est une intensification. Chez Almodóvar, la sobriété est une illusion optique. Et à 76 ans, inutile de lui proposer un changement de cap : il a déjà fait tous les détours possibles depuis la Movida madrilène, époque où Tout sur ma mère confirmait déjà que les mères, chez lui, ne sont jamais de simples mères, mais des forces naturelles.

Raúl, ou l’art de souffrir élégamment

Dans Autofiction, Raúl est un homme qui souffre avec une certaine discipline esthétique. Il possède une grande maison brutaliste, des œuvres d’art aux murs, et une incapacité chronique à écrire autrement qu’en spirale. Il s’enferme dans des crises créatives qui ressemblent à des tempêtes domestiques. Il aime, il doute, il détruit, il recommence. Bref : il crée.

Le film laisse entendre que le processus artistique n’est pas une illumination mais une sorte de sport de combat mental, où l’adversaire principal est soi-même – et parfois le curseur clignotant d’un document vide, ce petit trait vertical qui devient ici une entité presque mythologique.

L’inspiration comme maladie incurable

Almodóvar, interrogé sur son processus, décrit l’inspiration comme un phénomène à la fois soudain et tyrannique. Elle arrive sans prévenir, impose son rythme, puis disparaît en laissant derrière elle une forme de dépendance. C’est peut-être cela, le cœur d’Autofiction. Montrer que créer, ce n’est pas exprimer quelque chose, mais survivre à quelque chose qui veut s’exprimer à travers vous.

Dans cette logique, Raúl n’est pas un auteur. Il est un terrain d’atterrissage.

« Autofiction » n’est pas un film confortable. Il déborde, se contredit, se replie, repart. Il donne parfois l’impression d’être en train de se faire en direct, comme si le montage hésitait à trancher entre l’accident et la révélation. Mais c’est précisément là que Pedro Almodóvar reste fidèle à lui-même : dans cette manière de transformer le chaos intérieur en architecture émotionnelle flamboyante.

On en ressort un peu étourdi, avec la sensation d’avoir assisté à quelque chose qui ne voulait pas être raconté, mais qui n’a pas réussi à s’en empêcher. Et c’est peut-être ça, finalement, le vrai vertige de la création.

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Du 12 au 23 mai 2026, la Croisette promet donc une nouvelle montée de marches sous haute température médiatique, mais aussi un retour en grâce du cinéma de panache. Après l’émotion feutrée de Partir un jour d’Amélie Bonnin en ouverture l’an dernier, Cannes change radicalement d’électricité. Exit la douceur nostalgique, place à un Paris d’entre-deux-guerres traversé par les névroses artistiques, les silhouettes en gabardine et les éclairs sentimentaux.

Au centre du tableau : Pio Marmaï, moustache intérieure et élégance cabossée, dans le rôle d’un peintre adulé incapable de retrouver l’inspiration après la mort de sa femme. Un artiste qui dérive dans un Paris crépusculaire, probablement plus peuplé de fantômes que de critiques d’art. Face à lui, Anaïs Demoustier apporte ce mélange rare de mystère et d’ironie légère qui semble parfaitement taillé pour l’univers de Salvadori.

Et parce qu’un film de Salvadori ne serait jamais totalement raisonnable, le casting aligne aussi Vimala Pons – fraîchement césarisée – et Gilles Lellouche, dont la simple présence suffit souvent à faire basculer une scène du drame à l’émeute sentimentale.

Le plus fascinant reste peut-être ailleurs : dans cette idée qu’un film d’époque puisse ouvrir Cannes sans tomber dans le musée. La Vénus électrique semble vouloir filmer le passé comme une panne moderne. Salvadori, lui, continue de croire aux héros fatigués, aux amoureux qui ratent leur entrée et aux comédies qui cachent des blessures sous leurs costumes trop bien repassés.

On imagine déjà les flashs sur le tapis rouge, les applaudissements de douze minutes chrono, les critiques parlant de “burlesque existentiel” dès la première projection de presse, et Pio Marmaï débarquant au Palais avec l’air d’avoir dormi trois heures mais vécu trois vies.

Cannes aime les grandes tragédies. Mais le Festival aime encore plus les films qui arrivent en sifflotant.

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Présentée une nouvelle fois par Nikki Glaser, plus mordante que jamais, la soirée a confirmé ce que beaucoup murmuraient déjà à deux mois des Oscars : « Une Bataille après l’autre » et « Hamnet » sont désormais les deux pôles émotionnels autour desquels gravite la saison des prix.

Dans « Une Bataille après l’autre », Paul Thomas Anderson transforme l’Amérique contemporaine en terrain de jeu explosif, absurde et furieusement politique. Résultat : trois Golden Globes majeurs – Meilleur film comique, Meilleure réalisation et Meilleur scénario. Un triplé net, sans bavure.

Cerise sur la satire : Teyana Taylor décroche le premier trophée de sa carrière pour un second rôle incandescent, rappelant que PTA sait aussi fabriquer des étoiles, pas seulement des fresques.

Chloé Zhao, l’intime en majesté

À l’opposé du vacarme, « Hamnet » s’impose comme le cœur battant de la soirée. En racontant l’amour de William et Agnes Shakespeare à travers le deuil, Chloé Zhao rafle les prix de Meilleur film dramatique et Meilleure actrice pour une Jessie Buckley d’une justesse désarmante.

Lors de son discours, la réalisatrice résume :

Être artiste, c’est accepter d’être vu tel que l’on est.

Une phrase qui flottait encore dans la salle pendant que Paul Mescal, nommé mais bredouille, encaissait avec élégance.

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Mères, hommes fatigués et ping-pong existentiel

La soirée a aussi célébré les visages d’un cinéma épuisé mais lucide. Rose Byrne, couronnée Meilleure actrice de comédie, bouleverse en mère au bord de l’implosion dans Si j’en avais la force. Charge mentale : 1, tapis rouge : 0.

Chez les hommes, Timothée Chalamet confirme sa mue adulte. Après les Critics Choice Awards, il s’impose aux Golden Globes pour son incarnation de Marty Supreme, pongiste obsessionnel filmé par Josh Safdie. À 30 ans, il devance DiCaprio, Clooney et Hawke – la jeunesse frappe, et elle vise juste.

En drame, Wagner Moura continue sa trajectoire parfaite : après Cannes, un Golden Globe pour L’Agent secret. Le Brésil gagne, Hollywood écoute.

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Séries : pas de vacances pour les nerfs

Côté petit écran, pas de surprise mais des confirmations. The White Lotus, pourtant ultra-nommée, repart les mains vides – présage inquiétant avant les Emmy Awards.

À la place, l’industrie plébiscite des séries sous tension : « Adolescence », plongée glaçante dans le masculinisme ; « The Pitt », immersion suffocante aux urgences ; « The Studio », satire délicieusement autocannibale de Hollywood. Trois séries, un même mot d’ordre : l’émotion avant le confort.

Hollywood, toujours excessif, rarement tiède

Entre violence politique, amour impossible, charge mentale et identités fissurées, ces Golden Globes 2026 n’ont pas récompensé des œuvres consensuelles. Ils ont sacré un cinéma qui secoue, blesse parfois, mais refuse obstinément de rassurer.

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Tout commence par une veste. Une simple veste, vendue 250 euros, devenue objet de désir ultime après avoir été portée par Tom Brady, Frank Ocean, Kendall Jenner, Kid Cudi et la moitié de la pop culture occidentale. Revente à 2 500 euros sur Vinted. Bienvenue dans l’économie parallèle de Marty Supreme.

Puis il y a l’orange. Partout. La couleur officielle du film, inspirée des balles de ping-pong du vrai Marty Reisman. Si Barbie avait repeint le monde en rose, Marty Supreme l’asperge d’orange fluo, sans sommation. Timothée Chalamet et Kylie Jenner assortis en Chrome Hearts à l’avant-première de Los Angeles ? Évidemment. Un dirigeable orange dans le ciel californien ? Bien sûr. Des hommes avec des balles de ping-pong sur la tête accompagnant Chalamet ? Pourquoi pas.

La promo du film ressemble moins à une campagne marketing qu’à un happening géant, où chaque idée semble répondre à la précédente par un “encore plus”.

Timothée Chalamet, homme-orchestre et prophète du chaos

Au centre de ce tourbillon : Timothée Chalamet, transformé en évangéliste du projet. Il ne joue pas Marty Reisman, il devient Marty Reisman. Ping-pong partout, tout le temps. Une table embarquée sur les tournages, dans les hôtels, dans les avions (presque). Une implication totale, revendiquée comme une nécessité à l’ère du scroll infini.

La capacité d’attention des gens est si faible aujourd’hui…

confie-t-il, très sérieusement, avant de proposer de transformer la Sphère de Las Vegas en balle de ping-pong géante. Ce qui, évidemment, arrive.

À l’écran, il incarne le champion américain de tennis de table, figure borderline des années 1950, avec une énergie qui aurait, selon les critiques américains, des airs de Loup de Wall Street version raquette. Oscar ou pas Oscar ? La question flotte déjà dans l’air, entre deux pop-up stores.

Gwyneth Paltrow sort de sa retraite… et pas à moitié

Autre surprise du siècle : Gwyneth Paltrow est de retour. Celle qu’on pensait définitivement absorbée par Goop, les bougies controversées et le bien-être holistique revient au cinéma avec un rôle tout sauf sage.

Dans Marty Supreme, elle incarne une actrice has been, mariée à un magnat des stylos, qui entame une liaison torride avec le personnage de Chalamet. Beaucoup de scènes de sexe. Vraiment beaucoup. Suffisamment pour que l’actrice découvre, médusée, l’existence des coordinateurs d’intimité.

Dans Vanity Fair, elle résume la situation avec une honnêteté désarmante : elle vient d’une époque où “on se déshabille, on se glisse sous les draps et la caméra tourne”. Résultat : un comeback aussi inattendu que délicieusement provocant.

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Un casting improbable et une énergie incontrôlable

Autour de ce duo : Fran Drescher en mère envahissante, Tyler, The Creator en ami pongiste, Abel Ferrara en mafieux absurde, Odessa A’zion en petite amie enceinte. Un casting qui ressemble à une playlist Spotify à 3 h du matin, mais qui fonctionne.

Josh Safdie orchestre le tout comme une montée d’adrénaline permanente, quelque part entre biopic sportif, satire de la célébrité et manifeste sur l’excès.

Film sur le ping-pong ou phénomène total ?

Alors non, Marty Supreme n’est pas “juste” un film sur le ping-pong. C’est un objet culturel mutant, pensé pour exister autant dans les salles obscures que dans l’espace public, les réseaux sociaux et les dressings.

Reste à savoir si le film sera à la hauteur de son propre bruit. Mais une chose est sûre : en 2026, vous entendrez parler de Marty Supreme. Que vous le vouliez ou non !

Sortie en France prévue le 18 février 2026. État d’alerte médiatique : immédiat.

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Diane Keaton n’est plus. Et quelque part, dans un dressing blanc et noir, une cravate pleure doucement. L’actrice américaine, 79 ans, s’est éteinte le 11 octobre. L’icône d’Annie Hall s’en va, mais son style — mi-dandy, mi-poète new-yorkaise — continue d’enfiler des vestes trop grandes et des chemises boutonnées jusqu’en haut, quelque part dans nos imaginaires.

Il y a un an à peine, Diane Keaton publiait Fashion First (Rizzoli), un livre photo préfacé par Ralph Lauren, où elle décortiquait son rapport à la mode avec autant d’autodérision qu’un stand-up new-yorkais :

J’avais 18 ans dans les années 1960, la rébellion consistait en un eye-liner épais et des jupes courtes… Et plus la jupe est courte, mieux c’est.

Spoiler : elle finira par préférer les pantalons.

Frange, Bardot et désillusion capillaire

Avant d’être une icône, Diane voulait ressembler à Brigitte Bardot. La frange, les bandeaux, le rêve français : tout y passe. “Je rêvais de lui ressembler”, avouait-elle. Sauf qu’à la place de Saint-Tropez, elle hérite de Broadway, d’un rôle dans Hair, et d’un instinct vestimentaire que même les rédactrices mode n’osent pas imiter sans un quart d’heure d’hésitation.

Un style taillé pour la rébellion

Les années 1970 arrivent, et Diane Keaton dit adieu au look baby Doll. Exit les robes sages : place aux vestes de mec, aux pantalons larges et aux lunettes gigantesques. Ce n’est pas un look, c’est une révolution textile.

Harper’s Bazaar la photographie, Ralph Lauren l’observe, et Woody Allen lui tend un Oscar. Le reste appartient à la légende.

Le mythe Annie Hall naît à ce moment-là : un personnage vêtu comme un poète désordonné qui aurait piqué ses fringues à son amant, mais en mieux. Ralph Lauren jure que ce style était 100 % Keaton :

Le style d’Annie, c’était celui de Diane. Elle adorait les chapeaux, les vestes oversized et les cravates qui tombent. Moi aussi, mais sur elle, c’était de l’art.

Les années 2000 : le grand mix

Dans Fashion First, Diane Keaton s’amuse à revisiter ses décennies de looks : un peu de pois 80’s, quelques cravates 70’s, des colliers 90’s et beaucoup (mais alors beaucoup) de noir et blanc. Elle appelle ça “ma garde-robe pour le reste de ma vie”.

C’est sa version du minimalisme : un vestiaire impeccable, avec juste ce qu’il faut d’excentricité pour rappeler qu’elle n’a jamais suivi les règles.

Diane Keaton, influenceuse avant Instagram

Bien avant que les hashtags ne fassent la loi, Diane Keaton avait déjà tout compris : un style personnel, reconnaissable entre mille, zéro compromis. Elle a inspiré Sarah Jessica Parker, Kris Jenner, et toutes les femmes qui ont un jour ouvert le placard de leur mec en se disant :

Et si je mettais sa chemise, juste pour voir ?

Résultat ? Ça marche à tous les coups. Enfin, sauf si vous oubliez le chapeau.

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L’héritage d’une rebelle élégante

Diane Keaton n’a jamais cherché à être belle — elle a préféré être elle-même. C’est pour ça qu’elle restera éternelle. Une femme qui a fait du style une conversation entre liberté et panache.

Et franchement, si le paradis existe, on espère qu’elle y est entrée avec un nœud papillon mal noué et un sourire en coin.

Fashion First, de Diane Keaton (éd. Rizzoli), 304 pages, préface de Ralph Lauren. À lire comme un album photo, un manifeste, ou un tutoriel pour oser être soi — avec humour et un chapeau.

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Le trailer en donnait déjà un avant-goût : sept secondes de mitrailleuse, chrono en main. On imagine difficilement PTA en train de dire “action” sans sourire en coin. Le résultat ? Un casting où Leonardo DiCaprio découvre que la parentalité peut être encore plus épuisante qu’un commando révolutionnaire, Sean Penn ressuscite en méchant des années 1990 (cigare invisible inclus), et Benicio del Toro… eh bien, reste Benicio del Toro, c’est-à-dire imprévisible et magnétique.

Mais la vraie surprise vient d’un duo mère-fille infernal. Teyana Taylor, enceinte et armée, ouvre le bal comme si John Wick avait eu des envies de maternité. Quelques années plus tard, sa fille, incarnée par Chase Infiniti, prouve que l’héritage ne passe pas seulement par l’ADN, mais aussi par le calibre. Cela donne des scènes de fusillades qui feraient rougir Tarantino, le tout emballé dans une fable familiale aussi tendre qu’explosive.

Entre les balles qui sifflent et les regards qui tuent, Paul Thomas Anderson signe un film qui ne ressemble qu’à lui : trop déjanté pour être du simple blockbuster, trop nerveux pour se ranger dans l’auteur intimiste. Bref, une bataille après l’autre, mais sûrement pas la dernière.

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On croyait presque qu’il s’était retiré dans une cabane, guitare à la main. Mais non : Jim Jarmusch revient, six ans après The Dead Don’t Die, avec un long-métrage triptyque. Produit par Saint Laurent (oui, la maison de couture) et CG Cinéma, son nouveau film rassemble une dream team : Adam Driver, Cate Blanchett, Tom Waits, Charlotte Rampling… une sorte de casting à la fois chic et bizarre, comme lui.

Premier arrêt : un lac américain où un patriarche punk et radin (Tom Waits, irrésistible) se fritte avec ses enfants. Adam Driver joue le fils trop poli. À mourir de rire. Ensuite, direction Dublin : une mère, deux filles, un thé, et un petit goût de satire bien polie — peut-être le passage le plus sage. Enfin, apothéose à Paris : une fratrie de jumeaux sillonne Pigalle et le 11e arrondissement dans une voiture rétro, pour revisiter l’appartement familial. C’est doux, mélancolique, carrément bouleversant.

Jarmusch, maître du pas de côté

Comme toujours, il filme les silences, les visages, les instants où rien ne se passe — et c’est ça qui compte. Le film n’est pas parfait, mais il respire la liberté et la délicatesse. Dans un monde saturé de blockbusters, Jim Jarmusch préfère offrir une bulle de mélancolie où deux personnages peuvent simplement se dire « je t’aime ».

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Un Lion d’or rock’n’roll

Le jury vénitien ne s’y est pas trompé : voilà un cinéma qui ne crie pas mais qui reste, qui caresse au lieu de cogner. Father Mother Sister Brother n’est peut-être pas le plus grand Jarmusch, mais c’est du grand cinéma. Et c’est assez rare pour mériter un Lion d’or.

Sortie prévue en salles : 7 janvier 2026

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À 91 ans, Kim Novak s’apprête à faire sa grande entrée sur la lagune italienne pour recevoir un Lion d’or d’honneur. Souvenez-vous : blondeur de rêve, regard hypnotique et carrière courte mais intense. De Picnic à Sueurs froides, Kim Novak a marqué Hollywood, avant de fuir les studios pour vivre selon ses propres règles et se consacrer aux arts visuels. Le festival la réhabilite enfin en grande pompe, aux côtés du réalisateur Werner Herzog.

Le jury, c’est la crème du cinéma… et parfois un peu piquante. Cette année, c’est Alexander Payne (Nebraska, Downsizing) qui préside, pour la première fois. Sauf que le choix ne fait pas l’unanimité : des accusations d’agression sexuelle datant de 2020 refont surface. Les débats promettent d’être aussi intenses que les débats sur la meilleure performance de la soirée.

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Stars et cinéastes : un casting de rêve

Côté jury, l’international est à l’honneur : Stéphane Brizé, Cristian Mungiu, Maura Delpero, Mohammad Rasoulof, Zhao Tao, Fernanda Torres… Et la section Orizzonti, qui met en avant les talents émergents, sera dirigée par Julia Ducournau, Palme d’Or 2021.

Paolo Sorrentino ouvre le bal

La Grazia, le nouveau film de Paolo Sorrentino, lancera le festival. Après quelques expériences moins acclamées, le réalisateur de La Grande Bellezza et La Main de Dieu revient avec un film prometteur, réunissant Toni Servillo et Anna Ferzatti. Les festivaliers peuvent s’attendre à un spectacle visuel flamboyant.

Films qui font déjà parler

Venise ne serait pas Venise sans ses films très attendus :

• After the Hunt de Luca Guadagnino avec Julia Roberts et Andrew Garfield, déjà très discuté sur les réseaux.
• Bugonia de Yórgos Lánthimos, avec Emma Stone, pour les amateurs de bizarreries raffinées.
• Frankenstein par Guillermo del Toro, et son casting prometteur.
• Chien 51, film de clôture de Cédric Jiménez, avec Adèle Exarchopoulos.
• Et bien sûr, Father Mother Sister Brother de Jim Jarmusch avec Cate Blanchett, co-produit par Saint Laurent, histoire de mêler mode et cinéma.

Sans oublier Olivier Assayas, François Ozon, Park Chan-wook ou Valérie Donzelli, chacun prêt à marquer le festival à sa manière.

Verdict le 6 septembre !

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En septembre, Disney+ n’a pas prévu de présenter un nouveau prince charmant, mais plutôt la femme qui a décidé que ce seraient désormais les princesses qui feraient le premier pas. Swipe, le biopic inspiré de la trajectoire de Whitney Wolfe Herd, fondatrice de Bumble, débarquera sur la plateforme le 19 septembre 2025, après un passage glamour au Festival International du Film de Toronto.

Lily James, connue en serveuse rêveuse dans Baby Driver et en Pamela Anderson plus vraie que nature dans Pam & Tommy, endosse ici le rôle d’une entrepreneure bien réelle. Une jeune diplômée qui, en 2014, claque la porte de Tinder après un départ musclé et fonde une application où les femmes prennent l’initiative des conversations. Résultat ? Un changement de paradigme dans le dating en ligne, quelques millions d’utilisatrices conquises… et une entrée en bourse qui la propulse, à 31 ans, dans le club fermé des milliardaires autodidactes.

La mise en scène est confiée à Rachel Lee Goldenberg (Valley Girl, Unpregnant), avec à l’écran Jackson White, Myha’la Herrold, Ben Schnetzer et Dan Stevens. Le film promet de naviguer entre romance, business et tempêtes juridiques, tout en posant une question simple : que se passe-t-il quand une femme décide de réécrire les règles du jeu… et qu’elle gagne ?

Sans prétendre coller au millimètre à la réalité, Swipe entend livrer un portrait où ambition et enjeux sociaux se tiennent main dans la main — ou plutôt matchent. Un pari qui pourrait bien séduire autant les amateurs de belles histoires que les abonnés aux success stories.

« Swipe », réalisé par Rachel Lee Goldenberg, sera disponible sur Disney+ à partir du 19 septembre 2025.

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Annoncé il y a plus de dix ans, le biopic The Queen of Fashion consacré à Isabella Blow voit enfin le jour. Réalisé par Alex Marz, ce premier long métrage revient sur le parcours singulier de cette figure influente de la mode britannique, connue pour avoir lancé la carrière d’Alexander McQueen. La sortie du film est prévue pour la fin de l’année 2025 ou le début de 2026.

Présenté en avant-première au Festival de Cannes en 2024, The Queen of Fashion avait déjà suscité l’intérêt de la critique et des professionnels du secteur lors de sa projection dans la section parallèle.

Un casting international pour une icône de mode

Le rôle d’Isabella Blow est interprété par l’actrice britannique Andrea Riseborough, nommée aux Oscars en 2023 pour To Leslie. À ses côtés, Stacy Martin incarne Daphne Guinness, amie d’enfance de la journaliste, qui a contribué au film en prêtant plusieurs pièces de haute couture issues de sa collection personnelle.

Le film met également en scène Fionn O’Shea dans le rôle du chapelier Philip Treacy, figure incontournable de la mode et proche d’Isabella Blow, ainsi que Dane DeHaan dans le rôle de son mari, Detmar Blow. Le rôle très attendu d’Alexander McQueen est finalement attribué à l’acteur britannique Joe Cole, connu pour ses performances dans Peaky Blinders et Black Mirror.

Une trajectoire marquée par la création et le drame

Née en 1958 à Marylebone (Londres), Isabella Blow s’est imposée comme l’une des figures majeures de la scène mode des années 1990 et 2000. Après des études à l’université Columbia, elle débute sa carrière chez Guy Laroche avant de rejoindre l’équipe de Vogue US en tant qu’assistante d’Anna Wintour. Elle y côtoie des artistes comme Andy Warhol et Jean-Michel Basquiat.

Recruteuse de talents, elle participe à l’émergence de mannequins comme Stella Tennant et Sophie Dahl. Mais c’est surtout sa rencontre avec Alexander McQueen, lors d’un défilé de fin d’études à la Central Saint Martins en 1992, qui marquera un tournant : elle achète toute sa collection et l’héberge chez elle, devenant sa première mécène.

Leur relation se détériorera cependant avec le temps. En 2007, à l’âge de 50 ans, Isabella Blow met fin à ses jours, laissant derrière elle une trace indélébile dans l’industrie de la mode.

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Un hommage cinématographique attendu

Avec The Queen of Fashion, le réalisateur Alex Marz propose un portrait contrasté de cette femme à la fois excentrique et visionnaire, dont l’impact se mesure encore aujourd’hui. En plus de la récompense du British Fashion Council qui porte son nom, ce biopic s’annonce comme un nouvel hommage à son influence.

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