Au milieu du plateau, douze grues à tour technicolor dominent la scène comme des sculptures pop. On dirait presque un Meccano géant posé au cœur du temple de la mode. L’effet amuse, intrigue, impressionne.

Le message semble limpide : Matthieu Blazy construit son Chanel. Et comme sur tout chantier ambitieux, il y a des plans, des essais, quelques détours… et de très belles trouvailles.

Le tailleur Chanel passe à la boîte à outils

Premier geste fort : Blazy s’attaque au monument de la maison, le tailleur Chanel. Blazer à quatre poches, jupe assortie, silhouette mythique. Une pièce presque sacrée.

Mais Blazy ne la place pas sous verre. Il la démonte, la transforme, la reconstruit. Le blazer devient veste-chemise souple, caban compact, redingote élancée. Les proportions glissent, les volumes changent. Et les couleurs surprennent : or bruni, noir irisé, argent métallique. Le tailleur historique passe soudain sous une lumière nouvelle.

Ce n’est pas une rupture. C’est une appropriation.

Chanel voyage dans le temps

Matthieu Blazy explore aussi les décennies comme on feuillette un album. Il convoque l’Art déco des années 1920, flirte avec la garçonne des années 1930, effleure la rigueur des années 1950, puis glisse vers le glamour des sixties.

Le podium est si vaste que les mannequins mettent près de cinq minutes à en faire le tour. Le rythme ralentit, l’intensité dramatique s’étire, mais le spectacle prend des allures de fresque. Par moments, la collection semble zigzaguer. Mais cette liberté nourrit aussi son charme.

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La mini-jupe très mini

Blazy insiste sur une idée : la taille basse. Très basse.

Les blazers s’allongent. Les jupes raccourcissent. Les deux se rencontrent quelque part à mi-cuisse. Le résultat : une série impressionnante de silhouettes inspirées de l’entre-deux-guerres, avec des mini-jupes minuscules et des robes garçonnes dont la ligne de taille descend elle aussi très bas.

Une proposition audacieuse pour la clientèle Chanel, dont l’élégance penche souvent vers un chic plus classique. Mais Matthieu Blazy expérimente. Il pousse les lignes, teste les limites.

Le premier rang brille

Comme toujours chez Chanel, le premier rang scintille. On aperçoit Teyana Taylor, Margot Robbie, ambassadrice de la maison, le cinéaste Baz Luhrmann, mais aussi Kylie Minogue, Lily-Rose Depp et Olivia Dean.

Et surtout, on remarque une armée de VIC – Very Important Clients. Chez Chanel, ils abondent. Là où d’autres défilés semblent parfois clairsemés, ici la clientèle internationale se montre en force.

Et soudain, la couleur

Puis la collection change de ton.

Les couleurs arrivent comme une vague. Les écossais pailletés éclatent. Les tailleurs brillent. Les vestes-chemises et les robes fourreau s’illuminent. Les ateliers Chanel semblent en pleine euphorie : fleurs de tissu, fleurs métalliques, ornements qui surgissent partout. Sur les cheveux gominés des mannequins, des reflets irisés répondent aux lumières du podium.

Le casting traverse les générations, de l’adolescence à la cinquantaine. Chanel affiche une élégance plurielle.

« Chenille le jour, papillon la nuit »

Dans ses notes, Matthieu Blazy cite Coco Chanel :

La mode est à la fois chenille et papillon.

La métaphore traverse le défilé : des vêtements confortables, presque austères… et d’autres qui semblent prêts à s’envoler. Matthieu Blazy encadre d’ailleurs son spectacle avec prudence : cinq silhouettes classiques noires ou écrues ouvrent le défilé, deux autres le ferment. Une élégance presque monastique, qui rappelle l’abbaye d’Aubazine, inspiration originelle de Coco Chanel.

Comme pour rassurer les puristes : le Chanel intemporel reste intact.

Un Chanel fantasmagorique

Mais ce que l’on retient surtout, c’est l’énergie du spectacle. Grues géantes, tweed transformé, mini-jupes audacieuses, explosion de couleurs : le défilé ressemble à un laboratoire créatif à ciel ouvert.

Par moments excessif, parfois déroutant, souvent merveilleux, il laisse surtout une impression forte : celle d’un créateur qui cherche, tente, construit. Et au milieu de ses grues colorées, Matthieu Blazy semble affirmer une chose :

… le chantier Chanel ne fait que commencer !

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Avec cette nouvelle fragrance masculine, Coach ne cherche pas à lisser les contours de l’homme moderne. Au contraire, Pure Platinum célèbre ses contrastes. Inspiré par l’architecture de Manhattan, par cette rencontre permanente entre le métal et le verre, le parfum traduit une masculinité affirmée et mouvante.

Ce « jus » s’ouvre comme une bouffée d’air au petit matin. La lavande y dialogue avec la mandarine et la pomme, fraîches et vibrantes, comme une avenue encore calme avant l’effervescence. Puis le cœur s’échauffe, plus charnel, porté par une absolue de rhum incandescente, relevée par la fleur d’oranger et un accord mousseux aux accents boisés. En fond, l’Ambrox, le labdanum et le cèdre cœur prolongent la sensation, laissant sur la peau un sillage intense et magnétique, à l’image de New York qui ne s’éteint jamais vraiment. Pour le parfumeur Tanguy Guesnet, Pure Platinum est avant tout une histoire de sensations, nourrie du romantisme et de l’énergie urbaine.

Pour incarner cette signature, Coach choisit Omar Apollo. Auteur-compositeur-interprète à l’identité singulière, le musicien devient le visage d’une campagne pensée comme un autoportrait. Filmée par Elaine Constantine et produite par l’agence Fred & Farid, la campagne s’ouvre sur une question simple, presque désarmante :

Qui suis-je ?

La réponse se dessine au fil d’un montage instinctif, porté par le titre « Talk », extrait de son album Ivory. On y suit Omar Apollo dans les rues de New York, entre moments de légèreté, d’introspection et d’élan créatif. Chaque scène dévoile une facette différente de l’homme Coach, libre de se définir selon ses propres règles.

Avec Pure Platinum, Coach enrichit sa ligne Coach For Men, une collection de fragrances qui raconte, parfum après parfum, les multiples chapitres d’une masculinité contemporaine. Des sillages vivifiants, boisés ou ambrés, tous reliés par un même fil conducteur : l’héritage new-yorkais et la liberté d’expression personnelle.

Coach Pure Platinum sera disponible dès le 2 mars 2026 en exclusivité chez Nocibé.

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A Paris, change de décor, de musique, de tribu, et à chaque défilé une nouvelle vision du monde apparaît – ou au moins une nouvelle manière de porter un manteau très cher.

CELINE, ou la perfection légèrement de travers

Chez Celine, Michael Rider semble avoir trouvé une formule précieuse : faire du classique tout en le décalant d’un demi-pas.

Sa troisième collection confirme l’impression laissée lors des précédentes : il comprend parfaitement ce que doit être une garde-robe parisienne – et surtout comment la perturber subtilement. Après des saisons saturées de volumes spectaculaires, les silhouettes se resserrent. Manteaux smoking, blazers croisés et pantalons légèrement évasés ouvrent le défilé dans un noir impeccable, coiffés de chapeaux melon et de cloches rétro qui donnent à l’ensemble un parfum de cinéma-mode.

L’esprit évoque parfois l’ironie chic du film Qui êtes-vous, Polly Maggoo ? : très élégant, mais jamais trop sérieux. Puis les détails prennent le relais. Les écharpes s’enroulent autour des têtes, les cols se déploient comme des sculptures textiles, tandis que surgissent manteaux en shearling animalier, pyjamas de soie écrue et blousons de motard caramel ou argent.

Présenté à l’Institut de France sous haute sécurité, le défilé est accompagné d’une bande-son où résonne feu Prince. Une collection cohérente, séduisante et très portable – ce qui, dans la mode actuelle, relève presque de la prouesse.

HERMÈS, en cavalerie chic dans la pénombre

Le défilé d’Hermès se tient à la Garde républicaine, près de la Bastille. Un lieu presque symbolique pour une maison née de la sellerie.

Sous la direction de Nadège Vanhee-Cybulski, la collection explore un territoire familier mais toujours efficace : le cuir. Beaucoup de cuir. Peut-être même presque uniquement du cuir.

Les silhouettes suggèrent une cavalière contemporaine qui hésiterait entre un cheval et une moto. Les zips diagonaux parcourent les vêtements comme des lignes de mouvement. Les cuissardes spectaculaires dominent la scène, accompagnées de jodhpurs en daim et de combinaisons de motard urbain en cuir matelassé.

Dans une palette sombre – noir, bordeaux, caramel – les mannequins avancent sur un podium métallique sinueux, baignés dans une lumière crépusculaire. L’ensemble dégage une sensualité calme, très maîtrisée, presque aristocratique. Hermès réussit ce paradoxe rare : transformer un équipement utilitaire en luxe absolu.

VIVIENNE WESTWOOD, la renaissance punk

Chez Westwood, l’histoire de la mode se transforme en pièce de théâtre.

Le directeur créatif Andreas Kronthaler imagine une collection qui semble sortir d’un rêve baroque. On y croise des manteaux à carreaux gigantesques portés ouverts sur des dessous très visibles, des blouses Tudor transformées en robes coquines et des vestes jacquard que les hommes portent avec une aisance parfaite.

Les silhouettes oscillent entre Renaissance et club londonien. La lingerie s’exhibe, les pantalons se parent de volants, les robes glissent des épaules avec une élégance presque théâtrale.

Kronthaler cite d’ailleurs comme inspiration le film The Canterbury Tales de Pier Paolo Pasolini. Le défilé se déroule dans un lycée moderniste inspiré de Le Corbusier, ce qui renforce encore le contraste entre architecture rationnelle et extravagance textile. Le résultat est joyeusement excessif, exactement l’esprit Westwood.

BALENCIAGA, Piccioli dialogue avec les fantômes

Le final se joue sur les Champs-Élysées avec le nouveau chapitre de Balenciaga.

Le designer Pierpaolo Piccioli semble dialoguer avec deux héritages à la fois. Celui du fondateur Cristóbal Balenciaga apparaît dans les manteaux cocon, les volumes tulipe et les cols entonnoir monumentaux. Celui de Demna se manifeste dans les sweats oversize et les pantalons gigantesques qui rappellent l’esthétique streetwear de la maison.

Entre les deux, Pierpaolo Piccioli installe sa propre écriture : drapés fluides, robes cocktail coupées en biais et silhouettes enveloppantes. Sur les écrans LED défilent des paysages de Californie, pendant que la musique de Steely Dan accompagne les passages.

La collection est étonnamment accessible, presque commerciale – mais c’est peut-être précisément sa force. Pierpaolo Piccioli réussit à faire dialoguer l’architecture couture de Balenciaga avec une mode contemporaine et portable.

Paris rappelle pourquoi la ville reste l’épicentre de la mode mondiale. Ici, les défilés ne sont pas seulement des vitrines commerciales : ce sont aussi des récits. Et parfois, de sublime spectacle.

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Installée au 396, rue Saint-Honoré, l’adresse s’inscrit dans l’une des artères les plus convoitées du shopping parisien. Et Loewe n’en est pas à son premier coup d’essai dans la capitale : la marque avait déjà ouvert une Casa Loewe il y a quelques mois avenue Montaigne. Autrement dit, la griffe madrilène semble prendre ses quartiers à Paris comme si elle s’y installait pour de bon.

Une boutique qui se visite comme une exposition

À l’intérieur, le décor joue la carte du contraste maîtrisé : béton brut, céramique émaillée à la main, laiton et marbre cohabitent sous une lumière naturelle abondante qui traverse les vastes baies vitrées. Le regard est immédiatement attiré par un escalier sculptural placé au centre de la boutique, voisin d’un ascenseur entièrement vitré – pratique pour ceux qui veulent admirer les collections sans rater une marche.

Car oui, il y a bien des vêtements et accessoires : la boutique présente les collections féminines et masculines de la marque. Mais entre deux sacs en cuir, on tombe aussi sur… des œuvres d’art.

Des sacs, mais aussi des tableaux du XVIIe siècle

La Casa Loewe ne se contente pas d’habiller ses clients : elle habille aussi ses murs. Le lieu expose plusieurs pièces issues des collections d’art et de design de la maison. On y trouve notamment des créations contemporaines de Mary Stephenson, Jordan Belson et Ian Felice, ainsi que des portraits du XVIIe siècle provenant d’écoles néerlandaise et anglo-flamande.

Le parcours artistique se poursuit avec des estampes de Paul Thek et du mobilier signé par des figures du design comme Gerrit Thomas Rietveld ou George Nakashima. Au sol, une série de tapis complète l’ensemble : leurs motifs ont été imaginés par l’artiste textile britannique John Allen avant d’être réalisés artisanalement en Espagne.

En résumé, un lieu où l’on peut passer d’un tableau ancien à un trench flambant neuf sans changer de pièce.

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Une expansion mondiale bien cousue

Cette nouvelle adresse parisienne s’inscrit dans la stratégie d’expansion internationale de Loewe. En début d’année, la maison a ouvert un nouveau flagship à Tokyo, dans le quartier très convoité de Ginza. Et pour renforcer sa visibilité globale, la marque a récemment nommé l’actrice américaine Julia Garner ambassadrice mondiale.

Fondée à Madrid en 1846, Loewe appartient aujourd’hui au groupe français LVMH. La maison poursuit sur une trajectoire solide : sa principale entité opérationnelle, Loewe SA, a enregistré en 2024 un chiffre d’affaires de 885,2 millions d’euros, en hausse de 9,2 % sur un an.

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La façade cite sans trembler l’adresse mythique de Paris, mais la réécrit en alphabet d’or. Le classicisme couture se glisse dans une structure ajourée, presque organique, comme si l’architecture avait décidé de respirer. À l’intérieur ? 1.800 mètres carrés de luxe sous hypnose végétale.

Car ici, on ne « fait pas du shopping », on déambule. Le lieu se vit comme un jardin méditatif en trois actes. D’abord, le décor botanique, clin d’œil appuyé à la passion florale de Christian Dior – l’homme qui voyait des silhouettes dans les pétales. Ensuite, les installations : un jardin conceptuel signé Seijun Nishihata, un bassin en verre lumineux où nagent des carpes koï (les seules à pouvoir rivaliser avec un sac iconique), une oasis végétale orchestrée par Azuma Makoto, et une maison de thé sculpturale imaginée par Kodai Iwamoto. Le tout compose une symphonie chlorophyllée, entre zen attitude et scénographie Instagrammable.

Au centre, le hall joue les chefs d’orchestre. On y retrouve toutes les partitions Dior : le prêt-à-porter féminin dirigé par Maria Grazia Chiuri, le vestiaire masculin affûté de Kim Jones, la maroquinerie qui claque, les accessoires qui brillent, la joaillerie qui chuchote « éternité ». Bonus track : un salon de personnalisation pour transformer l’iconique en unique – parce qu’au royaume des rêves, le sur-mesure est roi.

Les intérieurs jouent la fusion maîtrisée : techniques artisanales japonaises, parquet de Versailles, étoile porte-bonheur planquée comme un clin d’œil complice. On navigue entre héritage et haute précision, comme si l’histoire et le futur avaient décidé de cohabiter en bonne intelligence.

Et puis il y a la cerise (étoilée) sur le gâteau : le Café Dior. Aux commandes, Anne-Sophie Pic, cheffe la plus étoilée au monde – on se demande pourquoi, qui transforme la pause-café en expérience gastronomique millimétrée. Ici, même le dessert semble avoir un directeur artistique.

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La créatrice ne fait jamais les choses à moitié. Cette saison, elle exige l’effort – dépasser les frontières familières, gravir la colline, accepter le vent. Comme un rite de passage avant d’entrer dans son récit. Le décor, à la fois délabré et grandiose, devient caisse de résonance d’une collection sans compromission, à la croisée des mondes : enfance et brutalité, poésie et sportswear, pureté et réalité.

Pour l’hiver prochain, Simone Rocha convoque deux figures tutélaires. D’un côté, les enfants cavaliers photographiés par Perry Ogden, silhouettes fières et cabossées, saisies dans les cités de Dublin. De l’autre, la geste picturale de Jack B. Yeats et son Tír na nÓg, la terre de l’éternelle jeunesse – mythe fondateur d’une Irlande où l’innocence flirte avec l’héroïsme.

Les rubans signatures se métamorphosent en cocardes de concours équestres. Les superpositions instinctives des gamins des rues inspirent des rencontres textiles imprévues : dentelles diaphanes contre mailles épaisses, soies transparentes contre lainages drus. La mémoire d’enfance se frotte à une rudesse urbaine assumée.

J’aime l’idée d’explorer un sportswear féminin, d’inciser des pièces lourdes pour les alléger avec des éléments plus fragiles

glisse la créatrice en coulisses.

Chez elle, la délicatesse n’est jamais mièvre : elle résiste, elle se débat.

Adidas sous les crinolines

Le choc des mondes se matérialise dans les silhouettes. Les robes fragiles s’acoquinent avec des bombers Adidas. Les chaussettes montent haut, les culottes raccourcissent, les pulls rustiques s’imposent sur des costumes sertis de broches en strass. L’accessoire devient armure. Le relief est revendiqué.

Sous les verrières fatiguées du théâtre, chaque passage ressemble à une chevauchée. On croit voir passer une héroïne sortie d’un conte, sneakers aux pieds, rubans au vent.

Il y a la pureté de la quête, et puis la brutalité de la réalité

commente Simone Rocha.

Tout est là : le frottement, la tension, la collision.

Au sommet de la colline, Londres semble loin. L’Irlande, elle, n’a jamais été aussi proche.

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Le 6 février, au Legion of Honor de San Francisco, sous la sculpture Les Trois Ombres d’Auguste Rodin, Thom Browne convoque Dante et son Inferno. Références classiques, rigueur quasi liturgique et obsession du détail : la silhouette est stratifiée, structurée, presque ascétique.

Tweeds, flanelles, cachemires techniques et superpositions savantes composent un vestiaire preppy-sportswear en apesanteur. Son gris signature règne en maître. Chez Browne, l’excellence n’est pas une option – c’est un dogme.

Proenza Schouler : la renaissance new-yorkaise

Premier show très attendu : celui de Rachel Scott, nouvelle directrice artistique. La grammaire Proenza ? Réécrite avec assurance.

Tailoring rigide ou souple, robes froissées et torsadées, matières contrastées : la silhouette respire, vit, bouge. Des orchidées nocturnes, peintes à la main sur cuir, injectent une sensualité sombre. Structuré, oui. Figé, jamais.

Coach : Hollywood rencontre la Gen Z

Au Cunard Building, Stuart Vevers signe un patchwork optimiste : glamour 40’s, culture skate, esprit varsity.

Noir et blanc façon film noir nouvelle génération, tailoring rétro, denim grungy, robes du soir architecturées : Coach parle à la Gen Z avec un accent hollywoodien.

Tory Burch : élégance en temps de chaos

Tory Burch livre une méditation sur la permanence dans un climat politique instable.

Trench, cardigan, jupe crayon : les classiques sont déconstruits avec subtilité. Mailles lavées, robes torsadées, coupes nettes. Broderies indiennes, boucles coquillage et broches sardine ponctuent le tout.

Le “Bunny Knot”, inspiré de Bunny Mellon, symbolise lien et unité. Chez Burch, la douceur devient résistance.

Carolina Herrera : muses en mouvement

Wes Gordon célèbre les femmes qui façonnent l’art. Épaules affirmées, manteaux cocon, jupes crayon : la structure domine, adoucie par des blouses d’artiste.

Léopard, lys calla, rouge piment et or scintillant composent une palette vibrante. Les sacs Mimi et Karlita prolongent cette élégance sculpturale. Un hommage incandescent au pouvoir créatif féminin.

Michael Kors : 45 ans et toujours “New York Chic”

Au Metropolitan Opera House, Michael Kors célèbre les 45 ans de sa maison. Le thème ? “New York Chic”.

Tailoring assoupli, drapés fluides, tweeds réinventés. Tons camel signature, rouge rubis, framboise. Pantalons à traîne et robes enveloppantes signent une simplicité dramatique.

En clôture, Christy Turlington incarne cette dualité new-yorkaise : dure et glamour, pragmatique et magique.

Calvin Klein : minimalisme et nostalgie 90’s

Timing parfait : la série Love Story de Ryan Murphy remet en lumière Carolyn Bessette, ex-collaboratrice de la maison.

Veronica Leoni perpétue le minimalisme iconique de Calvin Klein tout en le rendant contemporain. Tailleurs affûtés, trenchs élancés, robes dos nu, manteaux structurés. Le denim de 1976 est réédité, clin d’œil aux archives… et aux années 90.

Khaite : vérité, cuir et rock 70’s

Au Park Avenue Armory, Catherine Holstein orchestre un show monumental, inspiré par Vérités et Mensonges d’Orson Welles.

Tailoring noir en cuir, vestes d’officier tressées, organza vaporeux, slip dresses en dentelle : tension permanente entre performance et authenticité.

Une féminité rock, cérébrale et sûre d’elle. Le luxe américain moderne, selon Tiffany Hsu, trouve ici son équilibre rare entre sobriété et sensualité.

Ce que cette Fashion Week raconte ?

Une ville qui doute, mais qui avance. Une mode qui oscille entre armure et transparence. Des créateurs qui revisitent leurs archives tout en parlant au présent.

À New York, l’automne-hiver 2026-2027 ne cherche pas la facilité. Il cherche la vérité. Et il la trouve, souvent, dans le contraste.

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Encore peu montrée en France, la photographe néerlandaise fait l’objet d’une vaste rétrospective à la Maison Européenne de la Photographie jusqu’au 24 mai 2026. Intitulée Dana Lixenberg. American Images, l’exposition, co-curatée par Laurie Hurwitz (MEP) et Marcel Feil (MAPFRE), déplie plus de trente ans d’un travail obstiné, presque ascétique : construire, patiemment, une archive sensible des États-Unis.

Née à Amsterdam en 1964, installée à New York à la fin des années 1980, Lixenberg a choisi l’Amérique comme terrain d’observation – non pas celle des slogans, mais celle des seuils, des marges, des intérieurs. Elle travaille à la chambre grand format 4 × 5 pouces. Trépied, voile noir, mise au point millimétrée : l’appareil impose son tempo. On ne déclenche pas, on négocie.

Photographier est comme une danse lente

dit-elle.

Comprendre : la pose est un dialogue silencieux. Le temps n’est pas un luxe, c’est une condition. L’image n’est pas prise, elle est accordée.

Cette éthique irrigue aussi bien ses commandes pour la presse – The New Yorker, The New York Times Magazine, Vibe – que ses projets au long cours. Aucune hiérarchie. Une femme condamnée à mort au Texas reçoit la même attention qu’une star mondiale. Des travailleuses du sexe dans le Nevada, des familles sans logement dans l’Indiana : même frontalité, même lumière tenue, même refus de l’effet.

Tupac, 22 ans, sous la pluie

Son portrait de Tupac Shakur, réalisé en 1993 à Atlanta pour Vibe, reste emblématique. Il a vingt-deux ans. Il pleut. La tête légèrement inclinée, le regard presque doux, il apparaît moins en combattant qu’en écrivain. Trois ans plus tard, il sera assassiné. L’image, elle, résiste aux simplifications : elle garde la complexité d’un homme avant le mythe.

George Pitts, ancien directeur photo de Vibe, résumait cette inversion des rôles : avec les anonymes, Lixenberg révèle le charisme ; avec les célébrités, la vulnérabilité.

Documenter sans appuyer

Ses séries documentaires prolongent ce refus du spectaculaire. À Jeffersonville (Indiana), entre 1997 et 2004, elle photographie les résidents d’un foyer d’accueil sans misérabilisme. En Alaska, dans The Last Days of Shishmaref (2008), la fonte du pergélisol affleure, mais ce sont les visages qui tiennent le cadre.

Et puis il y a Imperial Courts, commencé en 1993, dans le sillage des émeutes de Los Angeles de 1992 après le passage à tabac de Rodney King et l’acquittement des policiers impliqués. Depuis plus de trente ans, Lixenberg retourne dans ce complexe de logements sociaux de Watts. Elle apporte des tirages, enregistre des voix, ajoute le son et la vidéo. Elle revient. Encore. Toujours. Là où les médias ont souvent figé le quartier dans la violence, elle construit une mémoire habitée – faite de continuités, d’absences, d’enfants devenus adultes.

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Une résistance tranquille

À l’heure des flux et des scrolls, son œuvre agit comme une chambre d’écho. Elle ralentit. Elle oblige à regarder. Elle ne dramatise pas, elle insiste. Chaque portrait semble dire : voici une personne, irréductible à son statut, à son contexte, à son image publique.

Dana Lixenberg photographie l’attente – non comme un vide, mais comme un espace de rencontre. Une politique du regard, en somme. Patiente. Têtue. Profondément humaine.

“Dana Lixenberg. American Images”, jusqu’au 24 mai 2026 à la Maison Européenne de la Photographie, 5/7 rue de Fourcy, Paris IVe.

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On les croyait éternels, comme les armoires normandes et les montres transmises de génération en génération. Pourtant, les métiers d’art français ont un problème très contemporain : ils manquent de jeunes. Beaucoup. Trop. Alors, samedi dernier, le ministère de l’Éducation nationale a dégainé une réponse qui fleure bon le bois ciré et la stratégie industrielle : la création du Brevet national des métiers d’art (BNMA pour les intimes).

Dès la rentrée 2026, ce nouveau diplôme sera accessible aux élèves sortant de 3e qui préfèrent l’odeur du cuir à celle du feutre effaçable. L’idée est simple : proposer un cursus en trois ans, structuré, reconnu, et ouvrant les portes de l’enseignement supérieur, au même titre qu’un baccalauréat. Autrement dit, choisir l’ébénisterie ne sera plus perçu comme un détour, mais comme une voie royale. En bois massif, certes, mais royale quand même.

Car derrière les vitrines impeccables des grandes Maisons de luxe se cache une réalité plus fragile. Le secteur compte environ 60.000 entreprises et 281 métiers recensés. Un patrimoine vivant, mais vieillissant. Les départs à la retraite s’enchaînent, les carnets de commandes débordent, et les ateliers cherchent désespérément des mains formées. La pénurie de main-d’œuvre qualifiée n’est plus une inquiétude théorique : elle ralentit déjà la production.

Le BNMA arrive donc comme un pont jeté vers l’avenir. Ébénisterie, bijouterie, maroquinerie, horlogerie : quatre spécialités ouvriront cette année. Des métiers d’excellence, exigeants, minutieux, où l’on apprend que la patience est un outil aussi important que le tour ou la lime. Le nouveau diplôme viendra compléter le parcours existant, jusque-là articulé autour d’un CAP suivi de deux années supplémentaires. Deux chemins désormais, pour un même objectif : faire naître des artisans capables de rivaliser avec les meilleurs.

Mais attention, pas question de transformer les ateliers en musées. Le ministère insiste sur la modernisation de la filière, avec un vaste chantier engagé pour actualiser les 60 spécialités de CAP. Technologies numériques, transition écologique, nouveaux matériaux : le geste ancestral devra composer avec son époque. On ne sauve pas un savoir-faire en le figeant sous cloche.

Le BNMA pourra être préparé en formation scolaire, en apprentissage ou en formation continue. Ce détail ouvre la porte aux reconversions, à ces cadres fatigués des open spaces qui rêvent de silence ponctué par le bruit d’un rabot. À l’heure où beaucoup cherchent du sens, l’artisanat d’art retrouve une aura inattendue.

Reste une question, presque philosophique : comment convaincre une génération biberonnée aux écrans que l’avenir peut aussi se construire avec ses mains ? Peut-être en rappelant que, dans un monde saturé de produits standardisés, le luxe ultime est devenu le temps passé à bien faire. Et que derrière chaque objet d’exception, il y a quelqu’un qui a appris, patiemment, à dompter la matière.

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Le sellier parisien a annoncé jeudi une hausse de 5,5% de son chiffre d’affaires, à plus de 16 milliards d’euros (8,9% à taux de change constant). Un cap symbolique franchi avec la nonchalance étudiée d’une maison qui préfère parler de « métiers » plutôt que de produits, et de « long terme » plutôt que de trimestre.

Seule ombre au tableau : une baisse de 1,72% du bénéfice net, à 4,5 milliards d’euros. En cause, une contribution exceptionnelle de 330 millions d’euros imposée aux grandes entreprises françaises pour redresser les finances publiques. Sans ce coup de rabot fiscal, le bénéfice aurait progressé de 5,5% par rapport à 2024, a tenu à préciser le gérant Axel Dumas.

Pour 2026, pas de boule de cristal.

On est revenu dans le monde où tous les deux ans il y a un pépin quelque part

observe-t-il.

Fini le grand embouteillage mondial du Covid, place à une géographie des secousses : une zone cale, une autre compense. « Une forme de normalité », résume-t-il, presque philosophe.

L’Amérique en pleine forme, Rodeo Drive trop étroite

Les États-Unis restent le moteur le plus ronronnant : +7,3% de croissance (+12,4% à taux de change constant). Hermès y a ouvert à Scottsdale et Nashville, rénové Mexico, et surtout mis la main – pour 400 millions de dollars selon le Wall Street Journal – sur un complexe de boutiques voisin de son flagship de Rodeo Drive.

Objectif ? Pousser les murs. Littéralement.

Nous n’avons pas besoin de plus de magasins, mais de magasins plus grands, plus beaux, mieux placés

insiste Axel Dumas.

En treize ans, le réseau est passé de 313 à 297 boutiques… pendant que le chiffre d’affaires était multiplié. Le message est clair : moins de points, plus de prestige.

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À Londres, une « maison » ouvrira le 16 juin 2026 au 166 New Bond Street, dans un immeuble acquis il y a treize ans.

Nous voyons dans le long terme

rappelle le dirigeant.

À Rodeo Drive, le projet d’agrandissement pourrait attendre que les locataires actuels – Tom Ford, Moncler, Balenciaga – plient bagage.

Peut-être un projet pour la septième génération

glisse-t-il, mi-sérieux, mi-amusé.

Chine prudente, Japon épatant

En Asie hors Japon, les ventes progressent de 0,8% (5% hors change) à 6,7 milliards d’euros. Dans la « Grande Chine », Hermès n’aurait « jamais baissé », selon son gérant. Les clients aspirationnels se font plus discrets, digestion oblige de la crise immobilière, mais le quatrième trimestre a été solide. « Je pense que la Chine va revenir. »

Le Japon, lui, surprend par sa résilience. Axel Dumas salue le travail des équipes dans un climat d’affaires moins porteur. Comme souvent chez Hermès, la performance est attribuée à l’exécution plus qu’à la conjoncture.

Maroquinerie reine, parfum à la peine

Cœur battant du groupe, la maroquinerie-sellerie dépasse les 7 milliards d’euros (+9,5%), portée par la demande et l’augmentation des capacités de production. Le prêt-à-porter et les accessoires grimpent de 6% à 4,5 milliards. Les « autres métiers » franchissent les 2 milliards (+11%), tirés notamment par une bijouterie qui dépasse le milliard d’euros de ventes.

Les carrés de soie continuent de flotter (+5%), mais tout n’est pas couleur orange : le parfum et la beauté reculent de 8% à 489 millions d’euros, l’horlogerie cède 2% à 549 millions.

Prime en baisse, dividende en hausse

Hermès versera une prime de 3.000 euros à ses 26.500 collaborateurs en 2025, contre 4.500 euros l’an dernier. Les actionnaires, eux, devraient voir le dividende passer de 16 à 18 euros par action, sous réserve de l’assemblée générale du 17 avril.

Dans un monde où « il se passe toujours quelque chose quelque part », Hermès avance sans courir. Les crises passent, les murs s’écartent, et les sacs continuent de s’arracher. Même lesté d’une surtaxe, le groupe prouve qu’au royaume du luxe, la rareté reste la meilleure des assurances.

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