La K-beauty n’a décidément pas fini de faire parler d’elle. Après les masques en tissu, les essences mystérieuses et les routines en douze étapes qui donnent parfois le vertige, une nouvelle venue entend remettre les pendules cutanées à l’heure. Son nom ? AESTURA. Cette marque dermocosmétique coréenne, déjà bien installée dans son pays d’origine, fait son entrée sur le marché français en exclusivité chez Sephora. Sa spécialité consiste à prendre soin des peaux sensibles avec une approche qui mise davantage sur la science que sur les promesses spectaculaires.

Ici, pas question de multiplier les produits pour le simple plaisir d’aligner les flacons sur l’étagère de la salle de bains. AESTURA aide la peau à retrouver son équilibre, en commençant par comprendre ce qui la fragilise. Et au cœur de son approche se trouve une star souvent oubliée de nos routines beauté, la barrière cutanée.

AESTURA, une histoire qui commence bien avant le dernier sérum viral

Si AESTURA débarque aujourd’hui dans les rayons français, la marque n’est pas née hier entre deux tendances TikTok. Son histoire remonte à 1982, avec PACIFIC PHARMA Co., dont elle hérite d’une culture pharmaceutique et d’une ambition, développer des solutions adaptées aux problématiques complexes des peaux sensibles et déshydratées.

Son nom lui-même raconte cette philosophie. AESTURA s’inspire du mot anglais « estuary », qui signifie « estuaire » en français, et du latin « aestuarium », associé à une zone du rivage soumise aux marées. Un point de rencontre entre la terre et la mer, où les éléments se mêlent pour créer un environnement fertile. Une jolie métaphore pour une marque qui entend favoriser une peau plus saine en s’appuyant sur la recherche et l’expertise dermatologique.

Depuis ses débuts, AESTURA a construit son approche autour de collaborations avec des dermatologues, mais aussi des cliniques. Une stratégie qui l’a d’abord conduite vers les établissements médicaux avant d’élargir progressivement sa distribution au grand public. Autrement dit, la marque a commencé par se faire une place dans les circuits de soins avant de venir séduire nos salles de bains.

La barrière cutanée, cette héroïne qui mérite enfin son heure de gloire

Rougeurs, tiraillements, sécheresse, inconfort… Quand la peau fait des siennes, le réflexe est parfois de lui déclarer la guerre à coups d’exfoliants, de sérums et de nouveaux actifs. AESTURA préfère changer de stratégie. Et si le problème venait d’abord d’une barrière cutanée fragilisée ?

Cette barrière joue un rôle essentiel. Elle aide la peau à conserver son hydratation et à se protéger des agressions extérieures. Lorsqu’elle est altérée, l’eau s’évapore plus facilement et la peau peut devenir plus sèche, réactive ou inconfortable.

C’est précisément sur ce mécanisme que la marque concentre ses efforts. Forte de plus de 40 ans de recherche scientifique et d’expertise dermatologique, elle développe des soins destinés à soutenir l’hydratation et à renforcer durablement la fonction protectrice de la peau.

Les formules sont conçues en collaboration avec des dermatologues et soumises, selon la marque, à des tests cliniques visant à évaluer notamment leurs effets sur l’hydratation, la sensibilité et la barrière cutanée. L’objectif est de proposer des soins qui associent efficacité, sécurité d’utilisation et bonne tolérance, des qualités particulièrement recherchées par les peaux sensibles.

La marque revendique également une implantation importante en Corée du Sud, avec plus de 4 100 institutions médicales qui auraient adopté ses produits. Elle indique par ailleurs avoir été la marque cosmétique la plus vendue dans les cliniques dermatologiques coréennes pendant neuf années consécutives, de 2016 à 2024. Des chiffres qui témoignent de son ancrage sur son marché d’origine, même si les performances revendiquées ne dispensent évidemment pas chaque peau de trouver les produits qui lui conviennent.

ATObarrier365, la routine coréenne qui préfère le moins, mais mieux

Pour son arrivée en France, AESTURA met notamment en avant sa gamme ATObarrier365, pensée autour du confort des peaux sèches et sensibles. Son fil rouge repose sur une idée simple, soutenir la barrière cutanée sans transformer le rituel beauté en deuxième journée de travail.

La routine peut se construire en cinq ou six étapes maximum. Pas besoin de tout appliquer systématiquement. Le choix des produits dépend de la peau, de son niveau de sécheresse et de la texture recherchée. Une bonne nouvelle pour celles et ceux qui aiment prendre soin de leur visage, mais pas nécessairement y consacrer la moitié de leur soirée.

Étape 1, le nettoyant moussant pour repartir sur de bonnes bases

Le Foaming Cleanser ouvre le bal. Sa mission est d’éliminer les impuretés accumulées au fil de la journée tout en préservant autant que possible le confort cutané. Parce qu’une peau sensible n’a pas besoin de ressortir du nettoyage avec la sensation d’avoir été passée au papier de verre.

Étape 2, l’Hydro Essence pour un premier bain d’hydratation

Après le nettoyage, cette essence s’applique directement sur le visage. À mi-chemin entre un toner et une essence, elle apporte une première dose d’hydratation et aide à atténuer les sensations de tiraillement. Le geste recommandé consiste à effectuer quelques tapotements doux avec les mains, matin et soir. Pas besoin de frotter comme si l’on cherchait à effacer une mauvaise nuit.

Étape 3, le sérum Hydro Cera-HA pour aider la peau à garder son eau

Le sérum complète l’hydratation en contribuant à limiter la déshydratation. Il s’applique après l’Hydro Essence, avec un massage délicat jusqu’à absorption. L’idée est de soutenir le confort cutané et d’aider la peau à maintenir son équilibre hydrique.

Étape 4, la crème adaptée à l’humeur de la peau

C’est le moment de choisir son camp, ou plutôt sa texture. La Cream s’adresse en priorité aux peaux sèches et sensibles, qui recherchent une texture plus riche et nourrissante pour contribuer au renforcement de la barrière cutanée.

La Soothing Cream, elle, joue la carte de la légèreté. Sa texture gel, fraîche et confortable, conviendra davantage aux peaux mixtes à grasses qui souhaitent s’hydrater sans sensation de lourdeur. En clair, inutile de choisir une crème épaisse si votre peau préfère les textures légères. La cosmétique n’est pas un concours de générosité en matière de matière grasse.

Étape 5, la lotion pour les peaux en quête d’un supplément de confort

Cette étape est facultative. La Lotion s’adresse notamment aux peaux sèches, sensibles ou sujettes aux squames et aux sensations de démangeaison. Elle apporte une hydratation légère et peut remplacer la crème lorsque l’on préfère une texture plus fluide. Le bon réflexe reste toutefois de choisir le soin en fonction de ses besoins et de ne pas multiplier les couches sans raison.

Étape 6, la Cream Mist, l’alliée nomade des peaux assoiffées

Dernière option, la Brume Crème. Facile à emporter, elle permet de rafraîchir le visage et d’apporter une dose supplémentaire d’hydratation au cours de la journée, lorsque la peau commence à tirailler ou à manquer de confort. Un petit geste pratique pour les journées passées dans les transports, au bureau ou dans des environnements climatisés.

Au final, cette routine se veut modulable. Le nettoyant, un soin hydratant adapté et une crème bien choisie peuvent déjà constituer une base simple. Les autres étapes viennent compléter le rituel si la peau en ressent le besoin. La philosophie coréenne revisitée par AESTURA tient en une formule, moins de complications et davantage d’attention portée aux besoins réels de la peau.

La K-beauty passe en mode dermocosmétique

Aujours’hui, la beauté coréenne dévoile une autre facette de son savoir-faire. Au-delà des tendances et des textures séduisantes, la marque mise sur une approche scientifique, une expertise construite dans le secteur pharmaceutique et une attention particulière portée aux peaux fragilisées.

Son arrivée chez Sephora marque ainsi une nouvelle étape dans le parcours d’une marque historiquement associée aux circuits dermatologiques coréens. Pour les consommateurs français, elle apporte une proposition supplémentaire sur un segment où la tolérance, l’hydratation et le confort occupent une place centrale.

Reste une règle d’or. Même lorsqu’un produit est conçu pour les peaux sensibles, toutes les peaux ne réagissent pas de la même manière. Une formule bien tolérée par beaucoup peut ne pas convenir à tout le monde. Mieux vaut donc introduire les nouveautés progressivement et adapter sa routine à ses propres besoins.

Plus de renseignements sur sephora.fr

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Chez Basquiat, les couronnes étaient partout. Au cinéma, elles risquent désormais de se disputer. Le 21 octobre, Kid Cudi a annoncé qu’il incarnerait le peintre dans Jean, un biopic qu’il réalisera lui-même, avec un tournage prévu en 2027. Le rappeur, qui revendique l’influence de l’artiste sur sa carrière, a déjà dévoilé quelques premières images du projet.

Mais il n’est pas seul sur la ligne de départ. Avec Samo Lives, le réalisateur Julius Onah prépare lui aussi un film consacré au prodige du street art. Kelvin Harrison Jr. incarnera Basquiat, tandis qu’Antony Starr prêtera ses traits à Andy Warhol. Danny Ramirez, Dane DeHaan, Kathryn Newton et Jeffrey Wright complètent le casting. Ce dernier avait déjà joué le peintre dans Basquiat, le film de Julian Schnabel sorti en 1996.

Basquiat, toujours aussi bankable

Graffeur devenu star des galeries, Jean-Michel Basquiat a bouleversé les codes de l’art contemporain avec ses couleurs explosives, ses couronnes et ses figures tourmentées. Mais derrière l’icône se cache une histoire bien plus complexe, traversée par les questions de racisme, de reconnaissance et de pouvoir.

C’est précisément là que ces deux biopics seront attendus au tournant. Au-delà des tableaux célèbres et du New York underground des années 1980, sauront-ils raconter l’homme derrière la légende ?

Pour l’instant, Samo Lives et Jean n’ont pas de date de sortie annoncée. En tout cas, Basquiat continue de régner sur la pop culture. Même disparu à 27 ans, il trouve encore le moyen de faire courir Hollywood après sa couronne.

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À Paris, du 20 au 25 octobre, l’art ne se contente pas d’occuper le Grand Palais : il s’invite partout où il y a une vitrine, un logo et, idéalement, quelques collectionneurs fortunés. À l’occasion d’Art Basel Paris, les maisons de mode, de beauté et les concept-stores rivalisent d’imagination pour prouver qu’elles ont aussi une âme artistique. Au programme : des expositions, des performances, des livres, des parfums et beaucoup de concepts.

Dans le XVIe arrondissement, The ReSee Boutique joue la carte de la nostalgie chic avec des archives de Martin Margiela, dont les mythiques bottines Tabi, accompagnées de pièces vintage de Comme des Garçons et Yohji Yamamoto. Une plongée dans l’histoire de la mode où le vêtement ancien n’a rien de poussiéreux, surtout lorsqu’il est devenu introuvable.

Chez Dover Street Market Paris, le menu est plus copieux qu’un catalogue de musée. Verre thermoformé, mousse industrielle, néons, vases crochetés et créations artisanales composent un parcours où tout semble pouvoir devenir une œuvre. Le concept-store ajoute à cette joyeuse accumulation des publications artistiques, une collaboration entre Otto 958 et Asics, une performance autour de jupes fabriquées à partir de stocks dormants et des parfums présentés comme des expériences sensorielles. Acheter un livre ou essayer des baskets n’aura décidément jamais été aussi conceptuel.

Sur les Champs-Élysées, Guerlain transforme sa boutique du numéro 68 en espace d’exposition avec L’Heure des Possibles, du 21 octobre au 15 novembre. Trente-quatre artistes internationaux, parmi lesquels James Turrell, Ugo Rondinone et Laure Prouvost, explorent la lumière et les variations du crépuscule. Un hommage artistique à L’Heure Bleue, parfum créé en 1912 et réinterprété en 2026. Même le coucher du soleil a désormais droit à son lancement de produit.

Au Grand Palais, Louis Vuitton célèbre sept années de son projet Artycapucines. Du 23 au 25 octobre, quatorze artistes dévoilent leurs interprétations du sac Capucines, parmi lesquels Alex Israel, Urs Fischer et Tschabalala Self. Une nouvelle série consacrée à Keith Haring complète le parcours. Ici, le sac à main ne transporte plus seulement un téléphone et un portefeuille : il transporte une ambition artistique, soigneusement emballée dans une scénographie inspirée des caisses de transport d’œuvres.

Le programme prend une tournure plus engagée au Palais d’Iéna, où Miu Miu confie à la réalisatrice Alice Diop le projet Geste de Consolation. Photographies de Zanele Muholi, vidéos, lectures et performances de Nadia Beugré et Angel Bat Dawid composent un parcours consacré à la représentation des femmes noires. La mode laisse ici les podiums de côté pour ouvrir un espace de réflexion sur les images, les identités et la mémoire.

Enfin, chez Long Story Short, la peintre japonaise Tomona Matsukawa explore les silences du quotidien dans l’exposition What Slips By, tandis que The ReSee rappelle que les archives vestimentaires peuvent être aussi désirables que les nouveautés les plus coûteuses.

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Il y a les marchandises fraîchement pillées, proposées en ligne à des prix qui feraient rougir les commerçants. Dans la grande braderie numérique, certains semblent avoir confondu économie circulaire et circuit court entre le magasin dévalisé et le portefeuille du receleur.

Face à la multiplication d’annonces suspectes sur les sites de commerce en ligne après les pillages survenus dans plusieurs villes françaises, Macron et ses sujets ont décidé de sortir de leur réserve. Serge Papin, ministre des PME et du Commerce, et Anne Le Hénanff, ministre déléguée chargée du Numérique, ont convoqué les principaux acteurs du secteur. À l’ordre de la semaine : empêcher que les plateformes de revente ne se transforment en comptoirs de liquidation pour marchandises volées.

Autour de la table, du « gratin » : Vinted, Amazon, eBay, Leboncoin, Meta, maison mère de Facebook/Instagram, et TikTok Shop. La Fédération du e-commerce et de la vente à distance (Fevad) ainsi que l’Alliance française des places de marché, qui réunit notamment Back Market, Etsy, ManoMano et Vinted, étaient également présentes.

Bref, les poids lourds du commerce numérique ont été invités à une petite séance de rappel à l’ordre. Une réunion qui pose une question embarrassante. Comment des entreprises capables de traquer les goûts, les habitudes et les moindres inclinations commerciales de leurs utilisateurs peuvent-elles se montrer moins perspicaces lorsqu’il s’agit de repérer un produit dont l’origine sent manifestement le roussi ?

Des antivols en guise de certificat d’authenticité

L’exécutif a obtenu deux engagements immédiats. Le premier porte sur le renforcement de la coopération avec les autorités. Les plateformes devront identifier et signaler les contenus potentiellement illicites, puis transmettre aux enquêteurs les informations utiles pour retrouver les receleurs.

Le deuxième concerne la surveillance des annonces. Les équipes de modération devront notamment s’intéresser aux prix anormalement bas, aux lots de produits neufs, aux antivols encore visibles sur les photographies et aux descriptions évoquant explicitement des marchandises volées. Les demandes d’achat suspectes feront l’objet d’une vigilance accrue.

Encore faut-il que ces indices soient effectivement exploités. Car la modération des plateformes ressemble parfois à une loterie. Une annonce parfaitement anodine peut être bloquée, tandis qu’une autre, nettement plus douteuse, traverse les contrôles avec la sérénité d’un colis prioritaire. La prévention est généralement plus efficace que les excuses, même si elle est moins photogénique.

Le miracle de l’algorithme qui ne voit rien

C’est là que le sujet devient particulièrement savoureux. Les plateformes ont bâti leur puissance sur leur capacité à analyser des volumes considérables de données, à repérer les comportements des utilisateurs et à optimiser chaque étape de la transaction. Elles savent suggérer le bon produit au bon moment, détecter certaines activités inhabituelles et transformer une simple visite en achat compulsif.

Mais lorsqu’il s’agit de marchandises issues de pillages, la mécanique paraît soudain moins infaillible. Le produit neuf bradé, les quantités inhabituelles et les antivols visibles sont pourtant des indices autrement moins subtils que les habitudes d’achat d’un consommateur.

L’algorithme, si performant pour vous convaincre d’acheter une paire de chaussures dont vous ignoriez l’existence cinq minutes plus tôt, devrait pouvoir se montrer un peu moins naïf face à une annonce douteuse. À moins que la détection des bonnes affaires ne soit plus rentable que celle des mauvaises pratiques.

Il ne s’agit évidemment pas de considérer chaque vendeur de seconde main comme un suspect, ni de demander aux plateformes de mener elles-mêmes des enquêtes judiciaires. Le marché de l’occasion répond à une demande légitime et participe à des habitudes de consommation bien installées. Mais entre la vente d’un pull usagé et l’écoulement précipité d’un stock flambant neuf, il existe des différences que des outils de contrôle sérieux devraient pouvoir prendre en compte.

Des consommateurs avertis, des plateformes surveillées

Troisième engagement : mieux informer les acheteurs des risques juridiques et des sanctions encourues en cas de recel. Une manière de rappeler que le prix le plus bas n’est pas toujours la meilleure affaire et que l’origine d’un produit ne devient pas miraculeusement irréprochable parce que le paiement passe par une application.

Reste une difficulté : comment distinguer l’acheteur de bonne foi de celui qui préfère ne pas poser trop de questions ? Une annonce suspecte ne suffit pas, à elle seule, à établir qu’un délit a été commis. Les contrôles devront donc être suffisamment précis pour cibler les situations à risque sans transformer le marché de l’occasion en parcours d’obstacles pour les utilisateurs honnêtes.

Quatrième mesure, enfin : les plateformes devront fournir aux autorités un suivi chiffré et régulier des annonces retirées, des dispositifs de contrôle déployés et des signalements transmis. Un premier bilan est attendu sous 48 heures.

Cette fois, il ne suffira donc plus d’affirmer que les équipes de modération sont mobilisées. Il faudra présenter des chiffres. Une perspective qui devrait permettre de vérifier si la mobilisation annoncée se traduit par des résultats concrets ou si elle se résume à quelques suppressions d’annonces suivies d’un communiqué rassurant.

VigE-commerce : le gendarme entre dans la boutique virtuelle

Pour coordonner les opérations, les ministres ont également décidé d’activer la cellule VigE-commerce. Celle-ci devra rassembler les services ministériels compétents et surveiller les flux de ventes opérés sur les plateformes afin de contribuer à la sécurisation du commerce physique.

Cette décision intervient alors que Vinted avait elle-même alerté, lundi, sur un afflux d’annonces soupçonnées de proposer des biens issus des pillages commis samedi et dimanche dans plusieurs villes de France.

L’alerte de la plateforme lituanienne souligne l’ampleur du problème, mais aussi son paradoxe : les acteurs de la revente sont à la fois les lieux où peuvent apparaître les marchandises suspectes et des outils potentiels pour les repérer. Encore faut-il qu’ils disposent des moyens nécessaires et qu’ils les utilisent sans attendre que l’affaire devienne suffisamment embarrassante pour attirer l’attention des pouvoirs publics.

L’activation de VigE-commerce doit permettre de mieux articuler la surveillance des ventes, les signalements et le travail des enquêteurs. Elle ne réglera pas tout, mais elle devrait compliquer la tâche de ceux qui comptent sur l’anonymat relatif et la vitesse des transactions pour transformer un butin en argent liquide.

3 000 commerces touchés : la vraie facture n’est pas sur Internet

Pendant que l’État s’emploie à nettoyer les vitrines numériques, les victimes des pillages doivent, elles, gérer les conséquences très concrètes des dégradations et des vols. Le gouvernement estime à environ 3 000 le nombre de commerces touchés à ce stade.

L’exécutif a annoncé plusieurs mesures de soutien, dont le déblocage d’un fonds d’urgence destiné à reconstituer les stocks et la prise en charge à 100 % des salaires des équipes commerciales dans l’attente de la reprise de l’activité.

Pour les commerçants concernés, le problème n’a rien d’une simple anomalie informatique. Il faut réparer les locaux, remplacer les marchandises, continuer à payer les salariés et retrouver des clients après une interruption forcée. Pendant ce temps, voir réapparaître sur Internet des produits susceptibles de provenir des pillages constitue une double peine : non seulement le stock a disparu, mais il risque de nourrir un marché qui encourage la revente des biens dérobés.

La réponse publique devra donc aller au-delà des annonces supprimées. Le soutien aux commerces, l’identification des auteurs et des receleurs, ainsi que la coopération des plateformes sont les pièces d’un même dispositif. Sans cela, les mesures d’urgence risquent de réparer les dégâts sans s’attaquer suffisamment aux mécanismes qui permettent de les rentabiliser.

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Chez Kering, la mode change de tête aussi vite que de collection. Le groupe français a annoncé récemment le départ de Sean McGirr, directeur artistique d’Alexander McQueen depuis trois ans. À 38 ans, le créateur irlandais quitte une maison britannique en difficulté, victime d’une chute des ventes et d’un accueil critique qui n’a pas toujours été à la hauteur des ambitions affichées.

Officiellement, il s’agit d’ouvrir un nouveau chapitre. « Notre ambition est d’insuffler une nouvelle orientation audacieuse à la maison », a déclaré Luca de Meo, directeur général de Kering, dans un communiqué. Une formule élégante, comme il se doit dans le luxe, pour annoncer une décision qui l’est nettement moins pour celui qui en fait les frais.

Car derrière les mots soigneusement choisis, le message est limpide : chez Kering, la créativité doit désormais prouver qu’elle sait aussi compter.

Le luxe à l’heure de la calculette

Arrivé en septembre dernier, Luca de Meo n’a jamais caché son goût pour les redressements musclés. Son passage chez Renault lui a forgé une réputation de dirigeant capable de remettre une entreprise sur les rails. Chez Kering, il retrouve un autre type de mécanique à relancer. C’est-à-dire un portefeuille de maisons prestigieuses, une dette devenue préoccupante et des ventes qui peinent à repartir.

Les investisseurs avaient accueilli favorablement son arrivée, espérant voir le groupe retrouver son allant. Pourtant, l’action Kering a perdu 28 % depuis le début de l’année, malgré quelques signaux plus encourageants chez Gucci, portée par son nouveau directeur artistique, Demna.

Le luxe n’a donc pas seulement un problème de désirabilité. Il a aussi un problème de rentabilité. Et lorsque les chiffres se dégradent, les directions artistiques deviennent des variables d’ajustement, aussi convoitées hier qu’interchangeables aujourd’hui.

Alexander McQueen, du podium au régime sec

Fondée par le regretté Alexander McQueen, figure majeure de la mode britannique, la maison a connu des jours bien plus fastes. Selon les estimations de Bernstein, son chiffre d’affaires annuel serait passé d’un sommet de 800 millions d’euros durant l’euphorie post-Covid à moins de 200 millions aujourd’hui.

Une dégringolade qui ne s’explique pas par un seul nom. La marque avait notamment misé sur le streetwear et les baskets, deux moteurs de croissance dont l’attrait s’est essoufflé. Dans un marché où les consommateurs se montrent plus prudents, les marques ne peuvent plus compter sur les tendances d’hier pour financer les ambitions de demain.

L’analyste de Bernstein Luca Solca estime que Sean McGirr n’a pas réussi à inverser la tendance. Le créateur paie ainsi le prix d’une équation particulièrement inconfortable : devoir réinventer une maison emblématique dans un contexte où le groupe attend des résultats rapides.

Le paradoxe est cruel. Dans la mode, on demande aux créateurs de surprendre, de prendre des risques et de proposer une vision. Dans une période de crise, on leur demande surtout de ne pas se tromper.

La chaise musicale du luxe

Le départ de Sean McGirr ne ressemble pas à un accident isolé. Il intervient après une nouvelle secousse chez Saint Laurent et alors que des spéculations circulent sur l’avenir de Pierpaolo Piccioli chez Balenciaga. Le secteur tout entier traverse une période de turbulences, entre ralentissement de la demande chinoise, incertitudes économiques et consommateurs moins enclins à multiplier les achats coûteux.

Même LVMH, premier rival de Kering, n’échappe pas à la pression. Le groupe a annoncé une baisse de 5 % du chiffre d’affaires de ses activités mode au troisième trimestre.

La différence se joue désormais dans la capacité des maisons à résister à ce coup de froid. Pour Kering, la stratégie semble se préciser : réduction des coûts, suppressions de postes, fermetures de boutiques et réévaluation des marques les moins performantes. La cession de McQueen aurait même été envisagée avant que le groupe ne privilégie une restructuration plus profonde.

Autrement dit, le grand défilé de la réorganisation est lancé. Et cette saison, les changements de casting ne concernent pas seulement les mannequins.

Quand la créativité doit rendre des comptes

Le défi de Luca de Meo est de taille. Restaurer les marges sans abîmer ce qui fait la valeur du luxe, à savoir l’identité des maisons, leur capacité à créer du désir et leur singularité. Une marque prestigieuse ne se redresse pas comme une usine automobile. Les économies peuvent être décidées rapidement ; le retour de l’envie, lui, ne se décrète pas.

La pression sur les directeurs artistiques devient donc considérable. Ils doivent renouveler l’image d’une maison, séduire une clientèle internationale et soutenir les ventes, tout en composant avec des budgets plus serrés et des stratégies parfois remaniées à peine le temps d’en installer les premières collections.

Chez Kering, la prochaine collection pourrait ainsi se jouer autant dans les bureaux de direction que dans les ateliers. Les silhouettes changeront, les campagnes seront repensées et les podiums continueront de briller. Mais, en coulisses, une question dominera toutes les autres : combien de temps un créateur peut-il encore réclamer du temps pour créer ?

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Il y a les vins que l’on ouvre machinalement à l’apéritif. Soit. Et il y a ces liquoreux du Bergeracois qui débarquent à table avec des airs de vedettes. Dorés, concentrés, délicieusement extravagants, les Monbazillac et Saussignac n’ont pas l’intention de se laisser enfermer dans le cliché du vin sucré que l’on sert à tort avec un foie gras. Voici quatre cuvées, quatre personnalités et une même ambition, réconcilier gourmandise et caractère :

Château Marie-Plaisance – « Château Marie-Plaisance Prestige » – AOP Saussignac BIO (2021)

Bergeracois, Dordogne – 15,50 € au domaine

La cuvée Prestige 2021 du Château Marie-Plaisance rappelle qu’un vin de caractère n’a pas forcément besoin d’un prix spectaculaire pour se faire remarquer. Derrière cette bouteille se trouve une histoire familiale bien ancrée dans le paysage bergeracois.

Le domaine, qui s’étend sur 55 hectares, appartient à la même famille depuis cinq générations. Depuis 2007, Thomas, François et Anne ont repris les rênes de l’exploitation familiale. Béryl, l’épouse de François, a rejoint l’aventure en 2017. Le nom du château associe celui de leur mère, Marie, aux coteaux de Plaisance où poussent les vignes. Une histoire de famille, donc, mais pas une histoire figée dans le passé.

La nouvelle génération a modernisé les installations et fait évoluer les pratiques culturales. Le domaine s’est engagé dans l’agriculture biologique dès 2010 et revendique le label AB. Une orientation qui accompagne une volonté de produire des vins de terroir tout en accordant davantage de place au respect des sols et du vivant.

La cuvée Prestige est élaborée à partir de 90 % de Sauvignon blanc et de 10 % de Sémillon, sur un terroir argilo-calcaire. Les raisins touchés par la pourriture noble sont sélectionnés manuellement, puis triés avec soin lorsque leur concentration est jugée optimale. Après pressurage pneumatique, le moût fermente en fûts de chêne. Le vin est ensuite élevé pendant 12 mois sur lies fines.

Le résultat promet un liquoreux où la richesse naturelle des raisins rencontre la fraîcheur aromatique du Sauvignon. Le Sémillon apporte de son côté la matière nécessaire pour donner du relief à l’ensemble. Sans chercher à rivaliser avec les cuvées les plus démonstratives, cette bouteille mise sur l’équilibre et l’expression du terroir. À table, elle trouve sa place auprès d’une volaille rôtie ou d’un fromage persillé. Elle pourra également accompagner un dessert aux fruits, à condition de ne pas choisir une préparation trop sucrée, qui risquerait de faire perdre au vin une partie de sa finesse.

Château Poulvère – « Cuvée Picata » – AOC Monbazillac (2018)

Bergeracois, Dordogne – 29 € au domaine

Picata 2018. Ce Monbazillac sort sa panoplie de grand séducteur, mais sans en faire des tonnes. Sa recette repose sur un assemblage de 50 % de Sémillon, 25 % de Muscadelle et 25 % de Sauvignon, cultivés sur des terres argilo-calcaires où l’ensoleillement généreux se conjugue à un drainage efficace. La fraîcheur de la Dordogne vient compléter le tableau et tempérer les ardeurs du soleil.

La cuvée provient d’une sélection de deux hectares au sein d’un vignoble de 50 hectares. Le rendement est limité à 15 hectolitres par hectare, avec des vignes plantées à raison de 4 000 pieds par hectare. Le travail est minutieux toute l’année, de la taille hivernale à l’entretien du feuillage en été, en passant par le travail mécanique des sols et une protection phytosanitaire raisonnée.

La récolte, réalisée manuellement, concerne des grappes atteintes à 80 à 90 % par la pourriture noble. Derrière cette expression un peu inquiétante pour les non-initiés se cache un phénomène précieux, le développement du champignon Botrytis cinerea dans des conditions particulières, qui favorise la concentration des raisins et donne naissance à des vins liquoreux riches en arômes.

La dégustation dévoile une robe dorée classique, un nez généreux de citron, de fruits confits et de boisé discret. En bouche, l’attaque est fraîche et nette, avant de laisser place à une matière ample et séveuse. Les agrumes apportent une tension bienvenue, jusqu’à une finale savoureuse qui conjugue finesse et longueur.

Picata n’est pas seulement un vin de dessert. Il peut accompagner des fromages de caractère ou une cuisine sucrée-salée. Et pour ceux qui aiment les distinctions, la cuvée a été mise à l’honneur par une étoile au Guide Hachette des vins 2021 ainsi que par des médailles d’or au Concours Général Agricole de Paris et au Concours des Vignerons Indépendants en 2020. Un joli palmarès pour un vin qui préfère visiblement les actes aux grands discours.

Château Monbazillac – « Château Monbazillac » AOC Monbazillac (2014)

Monbazillac, Dordogne – 33,50 € au domaine

Il y a les associations qui fonctionnent par habitude et celles qui méritent vraiment qu’on s’y attarde. Avec cette cuvée, le programme est annoncé dès le départ, un tajine d’agneau aux fruits secs, des abricots, des figues, des pruneaux et une pincée de cannelle ou de vanille. Voilà une bouteille qui ne semble pas avoir peur de se frotter à une cuisine généreuse.

Les vignes sont situées autour du château, sur la côte nord et le plateau. L’encépagement associe 75 % de Sémillon, 13 % de Sauvignon et 12 % de Muscadelle.

Les vendanges sont réalisées manuellement, par tries successives, afin de sélectionner les raisins à maturité et de favoriser la concentration nécessaire à l’élaboration d’un vin liquoreux. La fermentation et l’élevage se déroulent ensuite pendant 17 mois en fûts de chêne.

Le Sémillon constitue l’ossature de l’assemblage, tandis que le Sauvignon et la Muscadelle apportent leurs nuances aromatiques. Le passage en barrique complète le profil du vin et lui donne les moyens de tenir tête à des plats riches en épices et en fruits secs.

Cette cuvée s’adresse aux amateurs qui veulent sortir des accords convenus. Le tajine d’agneau semble tout indiqué, puisque ses notes fruitées et épicées peuvent dialoguer avec la richesse du Monbazillac. Une volaille aux épices douces ou un fromage persillé offriront également de belles pistes.

Domaine Château Vari, « Château Vari Gold » AOC Monbazillac (2010)

Bergeracois, Dordogne – 62 € (bouteille de 50 cl) au domaine

À 16 ans, certains millésimes ont déjà pris leur retraite. Le Château Vari Gold 2010, lui, semble avoir trouvé le secret de la longévité. Produit à seulement 800 bouteilles, ce Monbazillac 100 % Sémillon joue dans la catégorie des vins rares, ceux que l’on ne débouche pas à la va-vite.

Sur ses sols argilo-calcaires reposant sur un calcaire profond, le vignoble profite d’une exposition sud à sud-ouest. Les vignes, âgées en moyenne de 25 ans, affichent des rendements particulièrement faibles, à seulement cinq hectolitres par hectare. Autant dire que la quantité n’est pas franchement la priorité de la maison.

Ici, les raisins sont vendangés à la main, au fil de tries successives, avant d’être sélectionnés grain par grain. Le jus est ensuite extrait très lentement au pressoir pneumatique. La fermentation se déroule en barriques de 225 litres, avec les seules levures indigènes, avant un élevage de 24 mois. Pas de raccourci, pas de précipitation, le temps fait la recette.

La robe jaune paille brille avec l’assurance d’un bijou entretenu. Le nez, délicat et complexe, mêle des notes exotiques à des nuances de tabac, de fleurs blanches et d’épices. En bouche, le vin déploie une matière ample, concentrée et puissante, sans jamais sacrifier sa finesse. L’acidité, particulièrement vive, vient remettre les pendules à l’heure et prolonge la dégustation sur une longueur remarquable.

Ce Gold assume sa richesse sans tomber dans la lourdeur. C’est un vin de patience, annoncé pour évoluer sur plusieurs décennies. À table, il accompagne volontiers les volailles rôties, les plats épicés et les fromages à pâte persillée. Servi frais, il pourrait même convertir les sceptiques qui pensent que les vins liquoreux ne savent faire qu’une seule chose.

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La mode arabe a de nouveaux ambassadeurs, et ils ne comptent pas se contenter de faire de la figuration. Dans les murs de l’Institut du monde arabe, à Paris, la deuxième édition du Prix de la mode du monde arabe a célébré une génération de créateurs bien décidée à bousculer les codes. Lancée en 2025, la distinction entend mettre en lumière les talents qui réinventent les imaginaires du Maghreb et du Moyen-Orient, loin des clichés orientalistes.

Parmi les trente-quatre finalistes, Ayham Hassan a tiré son épingle du jeu en remportant le prix du Talent émergent. Un sacre qui tombe à point nommé pour ce diplômé de la prestigieuse Central Saint Martins de Londres, promotion 2025, déjà repéré par Vogue, i-D et Dazed. Son travail a également été présenté à Venise, au sein de la fondation du créateur Dries Van Noten. De quoi confirmer que le jeune designer n’a pas seulement de bonnes idées, mais aussi un vestiaire qui commence sérieusement à faire parler de lui.

Le passé n’a jamais été aussi bien habillé

Chez Ayham Hassan, l’artisanat n’est pas un argument marketing cousu à la dernière minute sur une étiquette. C’est le cœur même de sa démarche. Entre Londres et Ramallah, le créateur travaille avec des brodeuses et des artisans du Liban, notamment, dont il mobilise les savoir-faire pour imaginer des silhouettes contemporaines. Une manière de rappeler que les techniques anciennes n’ont rien de poussiéreux et que la tradition, contrairement à certaines idées reçues, sait parfaitement se renouveler.

Broderies, matières récupérées, gestes transmis de génération en génération : chaque détail participe à une réflexion sur ce que le vêtement peut raconter. Le designer ne se contente pas de préserver un patrimoine artisanal ; il le déplace, le transforme et lui offre de nouvelles perspectives. L’héritage devient ainsi une matière première à part entière, au même titre que la laine ou le fil.

Sa collection IM-Mortal Magenta : The Color That Doesn’t Exist, présentée au jury, illustre cette approche. Le vêtement y prend des allures d’armure, de refuge et d’affirmation de soi. Les silhouettes interrogent le rapport entre le corps et ses limites, tout en faisant dialoguer fragilité et puissance. Une garde-robe qui ne cherche pas simplement à séduire, mais à exprimer quelque chose – sans pour autant renoncer à l’ambition esthétique.

Une affaire de famille

Dans l’univers d’Ayham Hassan, la création se joue aussi loin des podiums. Sa mère, sa sœur, ses tantes et ses oncles participent à donner vie à ses idées, aux côtés des artisans avec lesquels il collabore. La transmission n’est donc pas un concept abstrait, mais une affaire de mains, de temps et de liens humains.

Un châle de sa collection en offre une illustration particulièrement personnelle. Réalisé à partir de laine issue de fins de stock récupérés localement, il a été en grande partie crocheté et brodé par sa mère. Plus qu’un accessoire, la pièce incarne une conception de la mode où la fabrication compte autant que le résultat, et où l’histoire du vêtement ne s’arrête pas au moment où il quitte l’atelier.

Cette attention portée aux ressources disponibles rejoint également les préoccupations contemporaines autour de la durabilité. Réutiliser, transmettre, faire avec l’existant : autant de principes qui donnent à son travail une dimension responsable sans transformer chaque création en manifeste écologique.

Le monde arabe, nouveau terrain de jeu créatif

Présidé par la princesse Noura bint Faisal Al Saud, fondatrice de la Riyadh Fashion Week, le jury de cette deuxième édition réunissait notamment Pascal Morand, président exécutif de la Fédération de la Haute Couture et de la Mode, Émilie Hammen, présidente du Palais Galliera, et la créatrice Yasmina Chellali. Cinq distinctions ont été attribuées pour saluer les talents les plus prometteurs de la région.

Après KML, récompensé en 2025, Ayham Hassan inscrit son nom au palmarès du prix dans un contexte où les scènes créatives arabes gagnent en visibilité. Du Maroc au Soudan, du Liban à la Syrie, les créateurs revendiquent des identités multiples et des pratiques qui échappent aux catégories trop étroites. L’enjeu n’est plus seulement d’être représenté dans le paysage international de la mode, mais de participer à en redéfinir les contours.

Pour Ayham Hassan, cette dynamique repose avant tout sur la collaboration. Son ambition dépasse sa propre marque. Il souhaite contribuer à l’émergence d’un écosystème où les créateurs de la région et de la diaspora pourraient échanger leurs savoir-faire, croiser leurs expériences et faire grandir une nouvelle génération. En somme, moins de chapelles, davantage de passerelles.

Sa vision revendique aussi une mode ouverte à tous les corps, sans distinction de genre ni d’origine, capable d’aborder des sujets parfois laissés dans l’ombre. Une approche qui considère le vêtement comme un espace d’expression autant que comme un objet de désir.

Avec ce prix, Ayham Hassan confirme qu’une autre idée du luxe est possible. Moins obsédée par le clinquant, plus attentive au geste, à la matière et aux personnes qui donnent forme aux vêtements. Et si l’avenir de la mode se jouait finalement dans ce savant mélange entre mémoire et mouvement, entre héritage et audace ?

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Fini, pendant quelques heures, les tubes pop qui vous poursuivent jusqu’au rayon des mascaras, les écrans qui clignotent comme des sapins de Noël et l’éclairage capable de révéler des imperfections que même votre dermatologue n’avait jamais soupçonnées. Place aux « Heures Calmes », une initiative destinée à rendre les magasins plus paisibles et accessibles à tous.

Le concept ? Réduire le volume de la musique, tamiser les lumières et limiter les stimulations visuelles. L’objectif est simple, permettre à chacun de choisir son fond de teint sans avoir l’impression de passer un entretien d’embauche dans une boîte de nuit.

Le shopping, ce sport extrême dont personne ne parle

Entre les parfums qui se disputent nos narines, les écrans qui captent notre attention et les playlists qui semblent vouloir nous faire acheter un gloss avant le prochain refrain, une virée chez Sephora peut parfois ressembler à un parcours du combattant.

Pour les personnes neurodivergentes, notamment celles présentant une sensibilité sensorielle accrue, cette accumulation de stimuli peut rendre l’expérience particulièrement éprouvante. Avec les « Heures Calmes », l’enseigne entend donc offrir un environnement plus confortable, sans renoncer au plaisir de découvrir les produits de beauté.

Le dispositif sera proposé dans les magasins participants lors de créneaux réguliers. À l’échelle internationale, Sephora annonce des plages le mardi et le jeudi matin, de l’ouverture jusqu’à midi. En France, le programme prévoit des créneaux de deux heures les jeudis et samedis, de 10 heures à midi.

Le silence est le nouveau luxe

Dans un secteur où chaque lancement promet une expérience toujours plus immersive, Sephora prend le contre-pied de la surstimulation permanente. Ici, pas de technologie futuriste ni de gadget révolutionnaire. L’innovation consiste surtout à retirer ce qui encombre.

Moins de bruit, une lumière plus douce et une atmosphère plus sereine. Bref, le luxe ultime pourrait bien être de comparer deux rouges à lèvres sans devoir lutter contre une chanson dont on connaît déjà le refrain.

« Chez Sephora, accueillir chaque client avec attention est un engagement », souligne Catherine Spindler, présidente de Sephora Europe et Moyen-Orient. Deborah Yeh, Global Chief Marketing Officer, rappelle également que cette démarche s’inscrit dans la volonté de créer des environnements où chacun peut profiter de la beauté à son propre rythme.

En d’autres termes, la beauté n’a pas besoin de hurler pour se faire remarquer.

90 % des clients disent oui au calme

L’initiative fait suite à une phase pilote menée dans 32 magasins répartis sur huit marchés. Selon les résultats communiqués par Sephora, la majorité des clients neurodivergents interrogés estime que le dispositif améliore significativement leur expérience. Plus frappant encore, 90 % de la clientèle considère que les « Heures Calmes » rendent les magasins plus inclusifs et accueillants.

Les équipes aussi semblent apprécier cette parenthèse apaisée. Une conseillère beauté du magasin Westfield London White City explique qu’elle lui permet de mieux se concentrer et de créer des liens plus forts avec les clients. En France, une collègue d’Issy-les-Moulineaux souligne que la réduction du bruit et l’éclairage tamisé profitent à toutes les personnes qui recherchent une atmosphère plus calme.

Pour construire cette initiative, Sephora a collaboré avec des spécialistes de l’inclusion, notamment Open Inclusion et Purposeful Futures, tout en recueillant les retours de personnes neurodivergentes dans plusieurs pays.

L’enjeu dépasse donc largement une simple modification de playlist : il s’agit de reconnaître que l’accessibilité passe aussi par les sons, la lumière et la possibilité de prendre son temps.

TikTok va-t-il apprendre à chuchoter ?

Pour faire connaître son programme, Sephora mise également sur les réseaux sociaux. Sur TikTok, des vidéos spontanées présenteront cette nouvelle expérience, tandis qu’Instagram proposera des formats « POV » pour montrer concrètement les changements en magasin.

Le défi est savoureux. Promouvoir le calme sur des plateformes où tout défile à vitesse grand V. Avec une communauté mondiale de 80 millions d’adeptes de la beauté, la marque espère néanmoins faire connaître cette autre façon de vivre le shopping.

Au-delà de la communication, les « Heures Calmes » posent une question essentielle. Pourquoi faudrait-il que chaque expérience commerciale soit intense, immersive et spectaculaire pour être réussie ? Attention, il ne s’agit pas de transformer Sephora en bibliothèque silencieuse, mais simplement de permettre à chacun de profiter des rayons dans de meilleures conditions. Entre le dernier sérum à la vitamine C et le mascara révolutionnaire, Sephora semble vouloir remettre un produit essentiel au centre de l’expérience client. Un produit sans packaging, sans parfum et sans code promotionnel : la tranquillité.

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C’est officiel. Chez Saint Laurent, le couple créatif le plus sombre de la mode française vient de se séparer. Il y a peu, la maison parisienne a confirmé le départ d’Anthony Vaccarello, son directeur artistique depuis 2016. Dix ans de silhouettes sculpturales, de robes qui tiennent davantage de la déclaration d’indépendance que du vêtement de bureau, de défilés monumentaux et de mannequins capables de marcher sur du verre sans froisser leur tailleur. Et maintenant ? Rideau. Ou plutôt, grand drapé noir, lumière rasante et communiqué de presse soigneusement repassé.

La nouvelle ne surprend personne ou presque. Après le dernier défilé spectaculaire de la maison, baigné d’or et de lumière, les rumeurs avaient déjà pris leur envol. Il ne manquait plus que le tampon officiel pour transformer le secret de polichinelle en événement mode de la semaine. Le voici.

Au cours de la dernière décennie, Anthony Vaccarello a joué un rôle déterminant dans le développement de Saint Laurent

indique la maison.

En somme, le monsieur a fait le travail, les chiffres sont là, les vêtements aussi, mais il est désormais temps de changer de tête pensante. Dans la mode, les histoires d’amour durent parfois dix ans. Les contrats, eux, ont leurs propres saisons.

De 974 millions à 2,64 milliards d’euros : le cuir, ça rapporte

Pour comprendre l’importance du départ, il faut quitter quelques instants les podiums et regarder les chiffres. En 2016, lorsque le styliste et producteur belge prend les commandes, Saint Laurent réalise 974 millions d’euros de chiffre d’affaires et possède 142 magasins dans le monde. En 2025, la marque affiche 2,64 milliards d’euros de revenus et environ 312 boutiques. Entre les deux, le chiffre d’affaires a presque triplé. Oui, les robes très courtes peuvent avoir de grandes ambitions.

La réalité est toutefois un peu moins scintillante que les projecteurs du défilé. En 2025, les ventes ont reculé de 8 % en données publiées et de 6 % à données comparables. La marge opérationnelle courante s’établit à 20 %. Saint Laurent reste néanmoins l’un des poids lourds de Kering, deuxième contributeur au chiffre d’affaires du groupe derrière Gucci, avec une activité réalisée à 80 % en direct auprès des consommateurs.

Autrement dit, la maison française vend du rêve, mais elle doit aussi composer avec une réalité très concrète. C’est-à-dire des clients à convaincre, des boutiques à faire tourner et des résultats qui ne se redressent pas uniquement en ajoutant trois mètres de soie à une robe.

Luca de Meo, directeur général de Kering, a tenu à saluer le travail du créateur :

Par sa vision créative et son exigence, il a contribué à renforcer durablement le rayonnement de l’une des plus grandes maisons de couture françaises

Cédric Charbit, président-directeur général de la maison, a lui aussi salué une décennie durant laquelle Anthony Vaccarello a hissé la marque au sommet de la désirabilité et de l’influence culturelle. Deux hommages, un départ et probablement beaucoup de conversations en costume sombre. Dans le luxe, même les ruptures ont de l’allure.

2006, 2016, 2026 : Anthony Vaccarello et sa passion des années en six

Chez Anthony Vaccarello, les années terminées par un six semblent avoir un petit quelque chose de mystique. En 2006, le créateur belge, alors diplômé de La Cambre à Bruxelles, remporte le Grand Prix du Festival international de mode et de photographie de Hyères. Il a 26 ans et déjà une idée assez précise de ce qu’il veut faire aux vêtements. Il veut les couper, les tordre, les asymétriser et laisser apparaître juste assez de peau pour que l’imagination fasse le reste.

Il passe ensuite par Karl Lagerfeld et Fendi, avant de lancer sa propre marque. Son territoire est rapidement identifiable. Le cuir, les découpes géométriques, les drapés asymétriques et une sensualité qui ne demande pas la permission. En 2011, il décroche le prix de l’Andam. En 2015, il prend la direction artistique de Versus, la ligne bis de Versace.

Puis arrive… Saint Laurent !

À la recherche d’un successeur moins « torturé » qu’Hedi Slimane, parti après quatre années de rock, de silhouettes androgynes et de pantalons si étroits qu’ils semblaient négocier directement avec l’anatomie, Kering recrute Anthony Vaccarello. Sa nomination est officialisée en avril 2016. En septembre, il présente son premier défilé.

Le décor est à la hauteur du symbole. L’ancienne abbaye de Penthemont, bâtiment historique alors en travaux, destiné à accueillir le futur siège de la marque. Une maison en chantier, un nouveau créateur et une entreprise sur le point de changer d’échelle. Il y a des débuts moins romanesques.

La femme Saint Laurent ? Une nuit blanche avec un compte en banque

Anthony Vaccarello n’a pas cherché à prolonger indéfiniment le règne de son prédécesseur. Il a préféré imposer sa propre grammaire. Exit, ou presque, la silhouette rock et androgyne qui avait marqué les années Slimane, place à une féminité plus affirmée, plus sensuelle, plus architecturale.

Décolletés asymétriques, robes en cuir, minijupes vertigineuses, épaules structurées… La femme Saint Laurent version Vaccarello semble avoir trois rendez-vous importants, une exposition à voir, un verre à prendre à minuit et absolument aucune intention de rentrer avant le lever du soleil.

Elle est intellectuelle, indépendante, dangereusement séduisante. Elle pourrait disserter sur l’art contemporain tout en portant une robe dont la principale caractéristique technique consiste à défier les lois de la gravité.

Anthony Vaccarello comprend aussi très vite qu’une maison de couture ne vit pas uniquement de ses vêtements. Il réintroduit le logo YSL, le fameux Cassandre, et s’appuie sur ce symbole historique pour installer sa propre époque. Un geste stratégique. Dans le luxe, la nostalgie est un outil puissant, surtout lorsqu’elle est vendue dans un sac parfaitement reconnaissable.

Au fil des saisons, le créateur alterne les défilés spectaculaires et les expérimentations visuelles. En 2019, il plonge le public dans le noir, sous des lampes ultraviolettes, et fait surgir des pièces fluorescentes. En 2024, sa « Naked Collection » joue avec la transparence et les vêtements qui montrent autant qu’ils dissimulent. Quelques saisons plus tard, l’industrie semble encore digérer la leçon. Dans la mode, l’inspiration circule vite ; la discrétion, beaucoup moins.

Saint Laurent, ou comment transformer un défilé en événement culturel

Le bilan du créateur dépasse largement la question de savoir combien de centimètres de tissu peuvent être retirés d’une jupe sans déclencher une réunion juridique.

Sous son impulsion, Saint Laurent est devenue une marque qui raconte autant qu’elle habille. Les défilés au pied de la tour Eiffel ont installé une esthétique immédiatement identifiable, entre monumentalité, cinéma et puissance de l’image. Le vêtement est au centre, bien sûr, mais il n’est plus seul sur scène. L’architecture, la musique, les artistes et les célébrités participent au spectacle.

Même logique dans les boutiques. Le flagship de l’avenue Montaigne, à Paris, évoque davantage l’intérieur d’un collectionneur d’art que le temple classique du shopping. On y vient acheter une pièce, certes, mais aussi consommer un univers, une atmosphère et une certaine idée du goût – idéalement sans regarder l’étiquette trop longtemps.

Les espaces Saint Laurent Rive Droite prolongent cette stratégie. De Paris à Los Angeles, en passant par New York et Pékin, ils accueillent des expositions, des événements et des rencontres artistiques. La maison ne se contente plus de fournir des tenues aux artistes, elle leur ouvre ses murs, leur consacre des espaces et les intègre à son récit culturel.

Le travail de Jacques Villeglé, actuellement mis en lumière par la maison, illustre cette ambition. En 2023, Saint Laurent a même créé sa propre société de production cinématographique. Une évolution logique pour une marque qui a compris qu’à l’ère des réseaux sociaux, le défilé ne s’arrête pas lorsque le dernier mannequin quitte le podium. Il continue sur les écrans, dans les conversations et dans les dossiers de presse.

Anthony Vaccarello aura ainsi contribué à faire de Saint Laurent bien davantage qu’une griffe de vêtements. Une machine à produire des images, des références et du désir. Avec, au passage, une croissance commerciale qui donne à cette ambition culturelle un argument de poids.

Qui pour reprendre le trône ?

Reste désormais la question qui agite les conversations des premiers rangs : qui prendra la suite ?

Saint Laurent annonce que le nom de son prochain directeur ou de sa prochaine directrice de la création sera communiqué ultérieurement. Parmi les personnalités régulièrement citées figure Chemena Kamali, actuelle directrice de la création de Chloé, qui a travaillé chez Saint Laurent aux côtés d’Anthony Vaccarello.

Le profil a de quoi alimenter les spéculations. Mais, à ce stade, aucune nomination n’est confirmée. Il faudra donc patienter avant de savoir si la maison choisira de poursuivre dans la veine sensuelle et spectaculaire de ces dix dernières années ou d’ouvrir un nouveau chapitre esthétique.

Car succéder à Vaccarello ne consiste pas simplement à trouver quelqu’un qui maîtrise les découpes, le cuir et les robes transparentes. Il faudra préserver une identité désormais solidement installée, entre héritage couture, culture populaire et performance commerciale. Le tout sans donner l’impression de rejouer le même défilé avec une nouvelle bande-son.

Une mission délicate, même pour quelqu’un qui a déjà survécu à plusieurs Fashion Weeks parisiennes.

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Il y a les semaines du goût, les semaines de la mode et, désormais, celles où l’on assume pleinement son amour de l’Italie. Du 12 au 17 octobre 2026, la Pizza Week revient à Paris et en Île-de-France pour une seconde édition qui entend bien mettre tout le monde d’accord autour d’une même table. Les puristes de la Margherita spont prêts à tester des associations capables de faire rougir une nonna napolitaine.

Organisé par 50 Top Pizza, guide international de référence consacré aux meilleures pizzerias, en partenariat avec Mammafiore, distributeur de produits italiens, l’événement réunira 15 enseignes, soit 19 établissements participants. Le principe ? Transformer les pizzerias distinguées par le guide en véritables scènes gastronomiques, où les pizzaiolos invités viennent jouer de la pelle à enfourner et leur imagination. La première édition parisienne, organisée en 2025, avait déjà mis la capitale en appétit. Cette année, le programme promet.

Six jours, des pizzaiolos stars et zéro raison de compter les calories

Oubliez la pizza avalée sur un coin de table entre deux rendez-vous. Durant la Pizza Week, la spécialité italienne prend ses quartiers dans les cuisines des chefs, se décline en recettes exclusives et s’invite à des dîners où les savoir-vivre se croisent avec gourmandise.

Au programme, des collaborations entre chefs et maîtres pizzaiolos, des repas à quatre mains, des menus spéciaux, des dégustations et des créations disponibles en édition limitée. Plusieurs invités venus d’Italie, mais aussi d’autres pays européens et des États-Unis, feront le déplacement pour partager leur vision de la pizza. Une belle occasion de découvrir combien ce monument de la cuisine populaire sait se réinventer sans perdre son âme.

Car la pizza a beau être ronde, son univers est loin de tourner en rond. Entre la tradition napolitaine, les interprétations romaines, le travail des pâtes et les garnitures de saison, chaque adresse apporte sa petite musique. Et si l’on peut évidemment débattre pendant des heures de l’épaisseur idéale d’un cornicione – cette bordure gonflée qui fait le bonheur des amateurs -, une chose est certaine, la meilleure façon de trancher reste encore de goûter.

Peppe Cutraro : cinq soirées, cinq rendez-vous, une seule obsession

S’il y a une adresse à surveiller de très très près pendant cette semaine de festivités, c’est évidemment le Gruppo Peppe. Portée par Giuseppe Cutraro, alias Peppe, et Jordan Rosner, la maison s’est imposée comme un nom incontournable de la scène pizza parisienne.

Du 12 au 16 octobre, ses établissements accueilleront cinq rendez-vous exceptionnels, avec des chefs et des artisans invités. Une tournée gourmande à travers Paris, qui fera voyager les convives de Charonne au quartier Étienne-Marcel, en passant par le 15e arrondissement et le Quartier latin.

L’idée est aussi simple qu’alléchante. Faire dialoguer la pizza avec d’autres univers culinaires, confronter les gestes, partager les idées et imaginer des assiettes spécialement pensées pour l’occasion. Le tout dans l’esprit italien du repas qui s’éternise, des conversations animées et de la dernière bouchée que l’on prétend ne plus pouvoir avaler… avant de changer d’avis.

Ainsi :

Lundi 12 octobre : Roberto Di Pinto chez Peppe Charonne

Coup d’envoi rue Faidherbe, dans le 11e arrondissement, avec Roberto Di Pinto, chef du restaurant Sine by Di Pinto. Pour cette première soirée, les deux univers se retrouveront autour d’un menu en quatre temps imaginé spécialement pour l’occasion.

Quatre étapes pour explorer la rencontre entre cuisine de chef et culture pizza : voilà une entrée en matière qui devrait faire oublier le sempiternel débat entre ceux qui mangent la croûte et ceux qui l’abandonnent lâchement sur le bord de l’assiette.

Rendez-vous : Peppe Charonne, 11 rue Faidherbe, 75011 Paris

Mardi 13 octobre : Sasà Martucci et Antonella Amodio chez Peppe Paris 15

Nous serons dans le 15e arrondissement pour une soirée qui sent bon la Campanie. Sasà Martucci, maître pizzaiolo installé à Caserte, retrouvera les équipes de Peppe, accompagné d’Antonella Amodio, sommelière.

Une rencontre qui promet de faire la part belle aux subtilités de la pizza et à l’art des accords. Car oui, derrière une belle pâte et une garniture bien pensée, il y a aussi toute une histoire de produits, d’équilibre et de boissons capables de leur donner la réplique. La mozzarella n’a qu’à bien se tenir : la soirée s’annonce sérieuse sur le fond, joyeuse sur la forme.

Rendez-vous : Peppe Paris 15, 120 rue Saint-Charles, 75015 Paris

Mercredi 14 octobre : Giuseppe Scicchitano reprend le four chez Peppe Charonne

Retour dans le 11e pour une nouvelle soirée de collaboration, cette fois avec Giuseppe Scicchitano, chef du restaurant Scicchitano Napoli.

Au programme, des recettes exclusives imaginées pour l’événement et une nouvelle occasion de découvrir la créativité de la scène gastronomique napolitaine. La Pizza Week joue ici son meilleur rôle : réunir des talents qui partagent la même passion du produit, mais qui n’ont pas forcément la même façon de le raconter.

Et si la pizza est un langage universel, les meilleures conversations se déroulent souvent avec les mains… surtout lorsqu’il s’agit d’attraper la dernière part.

Rendez-vous : Peppe Charonne, 11 rue Faidherbe, 75011 Paris

Jeudi 15 octobre : Diego Accettulli chez Casa di Peppe

Cap sur le Quartier latin, où Diego Accettulli sera accueilli chez Casa di Peppe, rue Saint-Jacques. Cette soirée fera dialoguer le salé et le sucré avec des créations exclusives imaginées avec les chefs pâtissiers Diego Accettulli et Gaëlle Le Bellu.

De quoi rappeler qu’un repas italien ne s’arrête pas nécessairement au dernier morceau de pizza. Quand les artisans de la pâtisserie entrent dans la danse, les frontières entre les catégories deviennent plus floues et la gourmandise prend quelques libertés. Une perspective qui devrait réjouir tous ceux pour qui le dessert n’est pas une option, mais une question de principe.

Rendez-vous : Casa di Peppe, 222 rue Saint-Jacques, 75005 Paris

Vendredi 16 octobre : Vincent Salur chez Peppe Étienne-Marcel

Pour terminer cette série de rencontres, direction le 1er arrondissement avec Vincent Salur, maître pâtissier invité chez Peppe Étienne-Marcel.

La soirée mettra notamment à l’honneur sa création signature : un arancini revisité en version sucrée. L’arancini, cette spécialité sicilienne traditionnellement préparée à base de riz, se prête ici à un exercice de style qui promet de surprendre les amateurs de douceurs.

Une façon malicieusement italienne de conclure cette semaine de collaborations : après la pâte, le fromage et les garnitures, place à la créativité pâtissière. Et tant pis pour ceux qui avaient juré de ne prendre qu’un café.

Rendez-vous : Peppe Étienne-Marcel, 11 rue Étienne-Marcel, 75001 Paris

Peppe n’aura pas le monopole des festivités. Quoique ! Aux quatre coins de Paris et jusqu’aux portes de la capitale, les autres établissements participants préparent eux aussi leurs petites surprises. De quoi composer un itinéraire gourmand sans avoir besoin de réserver un biglietto per Napoli.

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