Il y a les marchandises fraîchement pillées, proposées en ligne à des prix qui feraient rougir les commerçants. Dans la grande braderie numérique, certains semblent avoir confondu économie circulaire et circuit court entre le magasin dévalisé et le portefeuille du receleur.

Face à la multiplication d’annonces suspectes sur les sites de commerce en ligne après les pillages survenus dans plusieurs villes françaises, Macron et ses sujets ont décidé de sortir de leur réserve. Serge Papin, ministre des PME et du Commerce, et Anne Le Hénanff, ministre déléguée chargée du Numérique, ont convoqué les principaux acteurs du secteur. À l’ordre de la semaine : empêcher que les plateformes de revente ne se transforment en comptoirs de liquidation pour marchandises volées.

Autour de la table, du « gratin » : Vinted, Amazon, eBay, Leboncoin, Meta, maison mère de Facebook/Instagram, et TikTok Shop. La Fédération du e-commerce et de la vente à distance (Fevad) ainsi que l’Alliance française des places de marché, qui réunit notamment Back Market, Etsy, ManoMano et Vinted, étaient également présentes.

Bref, les poids lourds du commerce numérique ont été invités à une petite séance de rappel à l’ordre. Une réunion qui pose une question embarrassante. Comment des entreprises capables de traquer les goûts, les habitudes et les moindres inclinations commerciales de leurs utilisateurs peuvent-elles se montrer moins perspicaces lorsqu’il s’agit de repérer un produit dont l’origine sent manifestement le roussi ?

Des antivols en guise de certificat d’authenticité

L’exécutif a obtenu deux engagements immédiats. Le premier porte sur le renforcement de la coopération avec les autorités. Les plateformes devront identifier et signaler les contenus potentiellement illicites, puis transmettre aux enquêteurs les informations utiles pour retrouver les receleurs.

Le deuxième concerne la surveillance des annonces. Les équipes de modération devront notamment s’intéresser aux prix anormalement bas, aux lots de produits neufs, aux antivols encore visibles sur les photographies et aux descriptions évoquant explicitement des marchandises volées. Les demandes d’achat suspectes feront l’objet d’une vigilance accrue.

Encore faut-il que ces indices soient effectivement exploités. Car la modération des plateformes ressemble parfois à une loterie. Une annonce parfaitement anodine peut être bloquée, tandis qu’une autre, nettement plus douteuse, traverse les contrôles avec la sérénité d’un colis prioritaire. La prévention est généralement plus efficace que les excuses, même si elle est moins photogénique.

Le miracle de l’algorithme qui ne voit rien

C’est là que le sujet devient particulièrement savoureux. Les plateformes ont bâti leur puissance sur leur capacité à analyser des volumes considérables de données, à repérer les comportements des utilisateurs et à optimiser chaque étape de la transaction. Elles savent suggérer le bon produit au bon moment, détecter certaines activités inhabituelles et transformer une simple visite en achat compulsif.

Mais lorsqu’il s’agit de marchandises issues de pillages, la mécanique paraît soudain moins infaillible. Le produit neuf bradé, les quantités inhabituelles et les antivols visibles sont pourtant des indices autrement moins subtils que les habitudes d’achat d’un consommateur.

L’algorithme, si performant pour vous convaincre d’acheter une paire de chaussures dont vous ignoriez l’existence cinq minutes plus tôt, devrait pouvoir se montrer un peu moins naïf face à une annonce douteuse. À moins que la détection des bonnes affaires ne soit plus rentable que celle des mauvaises pratiques.

Il ne s’agit évidemment pas de considérer chaque vendeur de seconde main comme un suspect, ni de demander aux plateformes de mener elles-mêmes des enquêtes judiciaires. Le marché de l’occasion répond à une demande légitime et participe à des habitudes de consommation bien installées. Mais entre la vente d’un pull usagé et l’écoulement précipité d’un stock flambant neuf, il existe des différences que des outils de contrôle sérieux devraient pouvoir prendre en compte.

Des consommateurs avertis, des plateformes surveillées

Troisième engagement : mieux informer les acheteurs des risques juridiques et des sanctions encourues en cas de recel. Une manière de rappeler que le prix le plus bas n’est pas toujours la meilleure affaire et que l’origine d’un produit ne devient pas miraculeusement irréprochable parce que le paiement passe par une application.

Reste une difficulté : comment distinguer l’acheteur de bonne foi de celui qui préfère ne pas poser trop de questions ? Une annonce suspecte ne suffit pas, à elle seule, à établir qu’un délit a été commis. Les contrôles devront donc être suffisamment précis pour cibler les situations à risque sans transformer le marché de l’occasion en parcours d’obstacles pour les utilisateurs honnêtes.

Quatrième mesure, enfin : les plateformes devront fournir aux autorités un suivi chiffré et régulier des annonces retirées, des dispositifs de contrôle déployés et des signalements transmis. Un premier bilan est attendu sous 48 heures.

Cette fois, il ne suffira donc plus d’affirmer que les équipes de modération sont mobilisées. Il faudra présenter des chiffres. Une perspective qui devrait permettre de vérifier si la mobilisation annoncée se traduit par des résultats concrets ou si elle se résume à quelques suppressions d’annonces suivies d’un communiqué rassurant.

VigE-commerce : le gendarme entre dans la boutique virtuelle

Pour coordonner les opérations, les ministres ont également décidé d’activer la cellule VigE-commerce. Celle-ci devra rassembler les services ministériels compétents et surveiller les flux de ventes opérés sur les plateformes afin de contribuer à la sécurisation du commerce physique.

Cette décision intervient alors que Vinted avait elle-même alerté, lundi, sur un afflux d’annonces soupçonnées de proposer des biens issus des pillages commis samedi et dimanche dans plusieurs villes de France.

L’alerte de la plateforme lituanienne souligne l’ampleur du problème, mais aussi son paradoxe : les acteurs de la revente sont à la fois les lieux où peuvent apparaître les marchandises suspectes et des outils potentiels pour les repérer. Encore faut-il qu’ils disposent des moyens nécessaires et qu’ils les utilisent sans attendre que l’affaire devienne suffisamment embarrassante pour attirer l’attention des pouvoirs publics.

L’activation de VigE-commerce doit permettre de mieux articuler la surveillance des ventes, les signalements et le travail des enquêteurs. Elle ne réglera pas tout, mais elle devrait compliquer la tâche de ceux qui comptent sur l’anonymat relatif et la vitesse des transactions pour transformer un butin en argent liquide.

3 000 commerces touchés : la vraie facture n’est pas sur Internet

Pendant que l’État s’emploie à nettoyer les vitrines numériques, les victimes des pillages doivent, elles, gérer les conséquences très concrètes des dégradations et des vols. Le gouvernement estime à environ 3 000 le nombre de commerces touchés à ce stade.

L’exécutif a annoncé plusieurs mesures de soutien, dont le déblocage d’un fonds d’urgence destiné à reconstituer les stocks et la prise en charge à 100 % des salaires des équipes commerciales dans l’attente de la reprise de l’activité.

Pour les commerçants concernés, le problème n’a rien d’une simple anomalie informatique. Il faut réparer les locaux, remplacer les marchandises, continuer à payer les salariés et retrouver des clients après une interruption forcée. Pendant ce temps, voir réapparaître sur Internet des produits susceptibles de provenir des pillages constitue une double peine : non seulement le stock a disparu, mais il risque de nourrir un marché qui encourage la revente des biens dérobés.

La réponse publique devra donc aller au-delà des annonces supprimées. Le soutien aux commerces, l’identification des auteurs et des receleurs, ainsi que la coopération des plateformes sont les pièces d’un même dispositif. Sans cela, les mesures d’urgence risquent de réparer les dégâts sans s’attaquer suffisamment aux mécanismes qui permettent de les rentabiliser.

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Amandine vient de dépenser près de 400 euros dans une boutique éphémère consacrée à Céline Dion aux Galeries Lafayette. Elle le dit avec le calme de celle qui vient d’acheter une baguette tradition et deux croissants, et non l’équivalent d’un week-end à Lisbonne.

Le panier est pourtant conséquent : un vinyle Live à Paris en édition exclusive, des macarons, un carnet, un foulard, des chaussettes, un sweat. Et comme la fidélité a ses limites mais pas forcément celles de la carte bancaire, il possède également son billet pour le concert.

C’est un plan d’épargne en Céline

Porter le visage de Céline

Depuis le 3 septembre, les fans se pressent dans une boutique installée aux Galeries Lafayette, décorée dans des tons rose et gris façon loge de maquillage. Il fallait bien un lieu attrape-nigaud.

Parce qu’après tout, vendre un sweat à l’effigie d’une chanteuse dans un simple magasin serait trop banal. Il faut désormais une expérience immersive, une ambiance, une scénographie, un storytelling. On n’achète pas un vêtement, on communie avec une marque.

Céline Dion n’est donc plus seulement une chanteuse. Elle est un concept marketing susceptible d’être décliné en coton, papier, vinyle et pâte d’amande. Le capitalisme culturel a cette délicatesse. Il vous laisse pleurer sur une chanson, puis vous présente immédiatement le terminal de paiement.

25 euros les quatre macarons : l’émotion, parfum pistache

Pierre Hermé est entré dans la danse avec un coffret de macarons aux allures de lingot d’or. Caramel, pistache, fruit de la passion : huit bouchées pour 38 euros. À ce prix-là, le macaron n’est plus vraiment une pâtisserie. C’est un placement affectif à rendement nul. On imagine déjà le collectionneur prudent :

Celui-ci, je ne vais pas le manger. C’est l’édition Céline

Le produit est pourtant parfaitement cohérent avec l’époque. Pourquoi vendre simplement un souvenir quand on peut le rendre périssable ? Le fan peut ainsi dépenser 38 euros dans huit macarons, les regarder avec émotion, prendre trois photos, publier une story sur Insta(gram) et découvrir le lendemain que son patrimoine gastronomique est devenu une boîte vide.

La nostalgie, elle, reste.

Céline sur le torse, découvert bancaire en poche

Maje propose pour sa part un T-shirt à 125 euros, estampillé « Celine Dion Paris tickets for sale ? », clin d’œil à la folie autour de la billetterie. 125 euros. Pour un T-shirt. Mais attention : un T-shirt qui parle de Céline Dion. C’est toute la magie du merchandising. Une pièce de coton devient soudain un objet culturel dès lors qu’on imprime dessus le nom d’une personne célèbre.

À 20 euros, c’est un T-shirt. À 125 euros, c’est une « capsule ». À 200 euros, ce sera probablement une « expérience textile ». Et à 500 euros, on pourra sans doute appeler cela du patrimoine.

Le fan n’achète pas, il « célèbre »

Le vocabulaire compte énormément dans cette affaire. On ne vend pas des objets dérivés. On propose une « collection ». On ne vend pas un sweat. On prolonge « l’univers de l’artiste ». On ne vend pas quatre macarons hors de prix. On offre « une expérience gustative ».

Le consommateur exprime sa passion…

Le marketing moderne a découvert qu’il suffisait de transformer une dépense en déclaration d’amour pour faire disparaître presque entièrement la notion de prix. Un fan qui achète une paire de chaussettes à 30 euros n’est donc pas nécessairement quelqu’un qui a perdu le sens des proportions. Il est simplement très attaché à ses pieds et à Céline Dion.

Même Pimkie s’y met !

Le phénomène est suffisamment sérieux pour atteindre Pimkie, qui propose quatre articles Céline Dion exclusivement en ligne. En stock : un peu moins de 10.000 pièces. Plus de la moitié vendue en quelques jours. Le responsable style et collection de l’enseigne évoque le « buzz ». Il n’a pas tort.

Il y a des modes qui naissent dans les bureaux de marketing. Et puis il y a celles qui surgissent lorsqu’une star réapparaît et que des milliers de personnes se disent simultanément :

Il me faut absolument ce sweat

Pourquoi ? Personne ne sait vraiment. Mais il le faut.

Céline chez Leclerc : la consécration ultime

La véritable consécration n’est peut-être finalement ni le concert ni les Galeries Lafayette. C’est le saint-supermarché. Des produits dérivés sont proposés dans certaines enseignes U, Leclerc ou Auchan. Après avoir conquis Las Vegas, les grandes scènes internationales et les charts, Céline Dion arrive donc dans l’environnement naturel du consommateur français : entre le saucisson et les promotions sur le papier toilette.

La célébrité accomplit ici son parcours ultime. De star internationale à produit de rayon. Une consécration.

Et bientôt quoi ? Le grille-pain Céline ?

La question mérite d’être posée. Si l’on peut vendre un T-shirt Céline Dion, un carnet Céline Dion, un foulard Céline Dion, et des macarons, où s’arrête la logique ? Le grille-pain Céline Dion ? La gourde Céline Dion ? Le papier peint Céline Dion ? Le coussin lombaire My Heart Will Go On ? Une bougie parfum « Vegas » d’un goût presque exquis ? Un aspirateur édition I’m Alive ?

Le potentiel est infini. L’industrie musicale l’a compris depuis longtemps : un fan qui aime vraiment son artiste est un consommateur qui s’ignore encore. Il suffit de lui donner le bon packaging.

Le groupe « Kiss » avait déjà vendu son cercueil

À ce jeu-là, certains ont toutefois une longueur d’avance. Le groupe « Kiss », dès les années 1970, avait déjà transformé son image en véritable empire commercial : figurines, produits dérivés et même un cercueil officiel. À côté, les chaussettes Céline Dion semblent presque d’une sobriété monastique.

Taylor Swift a depuis industrialisé le principe à une échelle impressionnante. BTS possède son bâton lumineux officiel, objet que l’on agite dans une salle obscure après l’avoir consciencieusement payé. La musique est devenue un étrange système où l’on vous fait d’abord payer pour entrer dans la salle, puis pour acheter le disque, puis pour porter le logo de celui qui chante, puis pour manger la pâtisserie associée à celle ou celui qui chante.

C’est ce qu’on appelle une rencontre avec l’artiste.

Selon MIDiA Research, le marché mondial des produits dérivés musicaux pourrait atteindre 16,3 milliards de dollars d’ici 2030. À ce rythme, il ne restera bientôt plus qu’une chose à ne pas vendre : Céline Dion elle-même. Encore que. La licence est probablement déjà en négociation.

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Près de 1.700 exposants répondront présents, répartis dans sept univers immersifs allant de la décoration à la beauté, en passant par les métiers d’art, les cadeaux, les accessoires ou encore l’art de partager un repas. Au milieu de cette joyeuse effervescence, 167 marques de mode et d’accessoires viendront rappeler qu’un intérieur soigné mérite aussi un propriétaire bien habillé.

Le Hall 7 prendra ainsi des airs de show permanent. Les visiteurs retrouveront Ilyoucha, fidèle au rendez-vous avec ses vestes kimonos, manteaux, robes et chemisiers inspirés des savoir-faire artisanaux africains, confectionnés au sein de petites structures locales. Direction ensuite la Grèce avec Sorbet Island, dont les bracelets, pochettes et maillots de bain en taille unique comptent bien faire voyager les visiteurs avant même les vacances.

Le Danemark, le Népal et l’Inde se donneront également rendez-vous grâce à Care By Me, qui mêle design nordique, coton indien et artisanat népalais. Non loin de là, Atelier St Eustache rappellera que même les pieds ont droit à leur moment de gloire avec ses surprenants « bijoux de pied ».

Les amateurs de silhouettes décontractées feront un détour par Pan Producto et ses créations féminines fabriquées au Portugal, tandis que Kiplay Vintage défendra son savoir-faire normand autour du workwear. Les passionnés de chaussettes techniques, eux, pourront compter sur Klue, dont la production est assurée à Istanbul. Comme quoi, même un accessoire que l’on cache la moitié du temps peut devenir une véritable star.

Les accessoires resteront d’ailleurs les grands vedettes du segment mode. Foulards en soie signés Maison Fanli, créations de My Bob, collections de Bazar Atelier Sablon ou encore une belle sélection de joailliers internationaux, d’Iskin Sisters à Trovelore, en passant par Joidart Jewelry, Nebo V Kvitah et Tronc & Co, composeront un véritable tour du monde sans quitter le Hall 7.

Plus de renseignements sur maison-objet.com

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Le reste ? Les enquêteurs s’en occupent. Internet, lui, a déjà rendu son verdict, identifié le mobile, les commanditaires, le mode opératoire et probablement réservé les droits de la série Netflix. Ironie du calendrier, Daniel Siad affirmait vouloir être entendu par les policiers afin de livrer sa version des faits. La convocation n’aura jamais lieu. En matière judiciaire, difficile de faire plus mauvais timing.

Son nom était revenu sur le devant de la scène après la publication des archives liées à Jeffrey Epstein, où il apparaît à de nombreuses reprises. De quoi convaincre plusieurs plaignantes de le reconnaître des décennies après les faits qu’elles dénoncent. Lui contestait l’ensemble des accusations.

La première plainte, déposée en février dernier par l’ancien mannequin suédoise Ebba P. Karlsson, l’accusait notamment de viol et d’exploitation sexuelle. Dans le même dossier, Gérald Marie est également mis en cause par plusieurs femmes pour des faits qu’il conteste lui aussi. Chacun bénéficie, en droit, de la présomption d’innocence tant qu’aucune condamnation définitive n’est intervenue.

Pour les plaignantes, la disparition de Daniel Siad referme brutalement une porte. Un procès est l’occasion d’entendre les victimes, les mis en cause, les témoins, les experts, et parfois de démêler un peu le chaos. Sans procès, il reste les procédures interrompues, les archives et les interrogations.

Ce décès rappelle un précédent qui continue d’alimenter bien des commentaires. En effet, Jean-Luc Brunel, proche de Jeffrey Epstein, avait été retrouvé mort en détention en 2022 alors qu’il était mis en examen. Trois ans plus tôt, Jeffrey Epstein lui-même était mort dans sa cellule aux États-Unis avant d’être jugé. Trois dossiers, trois fins sans audience au fond.

Les magistrats, eux, n’ont pas pour habitude de commenter les coïncidences. Ils préfèrent les preuves. Les réseaux sociaux, à l’inverse, considèrent souvent les preuves comme un simple spoiler.

Une autopsie devra désormais établir les causes du décès de Daniel Siad. En attendant, chacun y va de son explication favorite : les uns voient une tragique succession de destins, les autres un scénario hollywoodien. Entre les deux, il reste ce détail parfois négligé : une enquête est justement faite pour éviter que les conclusions précèdent les faits.

À défaut de procès, ce dossier risque surtout d’engraisser les marchands de certitudes. Eux n’ont jamais besoin d’autopsie. Ils connaissent toujours le résultat avant même l’ouverture du dossier.

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Car aujourd’hui, les stars du ballon rond débarquent avec un autre type de trophée sous le bras : des sacs Hermès, Chanel, Louis Vuitton ou Gucci, parfois plus chers qu’une voiture neuve. Et même lorsqu’ils quittent une compétition par la petite porte, ils repartent au moins avec un look irréprochable.

C’est notamment le cas d’Erling Haaland. Éliminé de la Coupe du monde avec la Norvège après une défaite face à l’Angleterre le week-end dernier, l’attaquant de 25 ans pourra toujours se consoler en ouvrant son dressing. On y trouverait près d’un million de livres sterling de sacs de luxe, dont plusieurs modèles Hermès devenus quasiment introuvables.

Parmi ses trésors figure notamment un Birkin Haut à Courroies (HAC) multi-poches en édition limitée ainsi qu’une version rarissime représentant un paysage montagneux. Chacun de ces sacs se revendrait autour de 50 000 dollars sur le marché de l’occasion… à condition d’avoir la chance d’en trouver un.

Le ballon est rond, le Birkin aussi

Haaland n’est plus une exception. Virgil van Dijk s’affiche avec un Chanel signé Matthieu Blazy, Jude Bellingham collectionne les modèles Louis Vuitton dont il est ambassadeur, Jannik Sinner voyage avec ses sacs Gucci, tandis que Tyler Kolek a popularisé le très convoité « Margaux » de The Row.

Autrement dit, le tunnel menant aux vestiaires est devenu le nouveau podium de la Fashion Week. À tel point que les réseaux sociaux analysent désormais autant les sacs des joueurs que leurs statistiques sur le terrain. Pour certaines marques, un passage devant les photographes vaut parfois davantage qu’une campagne publicitaire mondiale.

Hermès en sait quelque chose : selon les données de Launchmetrics, Erling Haaland aurait généré près de 8,8 millions de dollars de valeur médiatique pour la maison française pendant le tournoi.

Quand le luxe cherche un nouveau souffle

Cette passion masculine pour la maroquinerie arrive à point nommé. Le marché mondial des biens personnels de luxe, estimé à près de 400 milliards de dollars, traverse une période moins flamboyante. Depuis trois ans, les ventes de sacs stagnent, malgré des marges qui dépassent parfois 80 % pour les grandes maisons.

Le problème est simple : les clientes hésitent davantage. Depuis 2019, le prix moyen d’un sac de luxe a bondi de près de 60 %. Dans le même temps, les bijoux séduisent de plus en plus, tandis que le marché de la seconde main explose. Résultat : les fameux « It-bags » qui faisaient rêver toute une génération – du Baguette de Fendi au Saddle de Dior, en passant par le City de Balenciaga – ne créent plus le même phénomène.

Les hommes pourraient donc devenir les nouveaux sauveurs de la maroquinerie. Aujourd’hui, ils ne représentent qu’environ un quart du marché mondial des sacs de luxe. Une marge de progression immense, notamment en Europe et en Amérique du Nord où porter un sac à main masculin reste encore parfois perçu comme une curiosité.

Plus c’est grand, plus ça plaît

Autre changement de tendance : le retour des grands formats. Après plusieurs années dominées par les micro-sacs – parfois si petits qu’ils ne permettaient guère de transporter plus qu’une carte bancaire et un chewing-gum – les marques reviennent à des modèles larges.

Un ordinateur portable, une tenue de sport, des affaires pour une nuit d’hôtel… les nouveaux sacs veulent redevenir utiles. Et c’est précisément ce que montrent les footballeurs.

Leurs imposants cabas Hermès ressemblent davantage à des sacs de voyage très haut de gamme qu’à des accessoires de mode traditionnels. Une évolution qui pourrait rassurer une clientèle masculine encore hésitante. Même Hermès semble devoir revoir sa stratégie. Les recherches concernant les grands Birkin ont fortement progressé depuis le début de la compétition sur plusieurs plateformes spécialisées, preuve que les envies des consommateurs évoluent plus vite que les chaînes de production.

Le nouveau mercato se joue chez Hermès

Les clubs continuent bien sûr de s’arracher les meilleurs attaquants. Mais, en coulisses, une autre compétition fait rage : celle des maisons de luxe. Louis Vuitton, Dior, Chanel, Gucci ou Hermès rivalisent désormais pour habiller les plus grandes stars du sport mondial. Les contrats d’ambassadeurs se multiplient et les arrivées aux stades sont devenues de véritables opérations de communication.

Le couloir menant aux vestiaires ressemble désormais à un tapis rouge permanent où l’on scrute autant les coutures d’un Birkin que les performances du week-end. Finalement, Erling Haaland n’a peut-être pas remporté la Coupe du monde. Mais dans le championnat très fermé du luxe, le Norvégien joue clairement la Ligue des champions.

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Pendant que les vitrines rivalisent de robes en lin, de chemises légères et de collections « Summer Escape », à plusieurs milliers de kilomètres de là, dans l’est de l’Inde, l’été n’a rien d’une tendance. Dans la ville de Khordha, dans l’État de l’Odisha, la chaleur est devenue un véritable paramètre industriel.

À première vue, l’usine Trimetro d’Epic Group ressemble à n’importe quel géant de la confection. Huit cents machines à coudre tournent à plein régime, des centaines d’ouvriers assemblent des vêtements destinés à certaines des plus grandes enseignes mondiales, tandis que les fers à repasser dégagent d’épais nuages de vapeur. Dehors, le thermomètre affiche déjà 34 °C en cette matinée de juillet, mais l’humidité venue du golfe du Bengale donne l’impression que l’air lui-même refuse de circuler.

À l’intérieur pourtant, l’ambiance change radicalement. Des conduits suspendus diffusent de l’air frais, d’immenses ventilateurs brassent une légère brise et la température reste stabilisée autour de 28 °C. Une différence qui change tout.

Quand la chaleur coûte plus cher qu’un défaut de couture

Longtemps, les usines textiles ont été pensées pour préserver les équipements de production. Les ouvriers, eux, s’adaptaient tant bien que mal. Aujourd’hui, cette logique atteint ses limites.

Selon une étude du NYU Stern Center for Business and Human Rights, les vagues de chaleur entraînent désormais jusqu’à 10 % de pertes de productivité chez les fabricants indiens durant les mois les plus chauds. L’absentéisme augmente, la fatigue s’accumule et les risques sanitaires explosent.

Dans l’industrie mondiale de l’habillement, qui emploie près de 90 millions de personnes, principalement en Asie, les épisodes de chaleur extrême deviennent une menace économique autant qu’humaine. Les chercheurs de l’université Cornell estiment que près des trois quarts des grands bassins mondiaux de production connaissent désormais une augmentation significative des journées dépassant les 35 °C. Autrement dit, le changement climatique ne se contente plus de modifier les saisons des collections ; il redessine aussi les conditions dans lesquelles elles sont fabriquées.

Une usine pensée comme une glacière géante

Chez Epic Group, le constat a conduit à revoir entièrement la conception du bâtiment. Ici, pas question de compter uniquement sur la climatisation. Les murs sont fabriqués avec un matériau à base d’argile offrant une excellente inertie thermique, le toit bénéficie d’une isolation renforcée et les ouvertures les plus exposées au soleil ont tout simplement disparu.

Même les installations techniques ont été optimisées. Les conduits de climatisation utilisent des angles limitant les pertes d’énergie, tandis que les anciennes chaudières à biomasse ont laissé place à des pompes à chaleur industrielles capables de sécher les vêtements tout en produisant de l’eau glacée réutilisée ailleurs dans l’usine. L’objectif est double : protéger les salariés tout en limitant la consommation énergétique.

Une équation que l’industrie devra apprendre à résoudre beaucoup plus souvent.

Les vêtements aussi souffrent de la canicule

La chaleur ne malmène pas uniquement les travailleurs. Les tissus eux-mêmes deviennent plus difficiles à manipuler lorsque température et humidité grimpent. Les fibres se déforment, les opérations de découpe ou d’assemblage perdent en précision et certains équipements voient également leurs performances diminuer.

Nous devons prendre soin des tissus comme nous prenons soin des aliments

résume le directeur général d’Epic Group.

Une comparaison qui rappelle que, dans une usine textile, la météo influence désormais autant la production qu’une rupture d’approvisionnement.

Des ouvrières qui sentent enfin… qu’il ne fait pas chaud

Pour Mamata Sahani, 23 ans, le changement est spectaculaire. Dans son précédent emploi, quelques ventilateurs tentaient de refroidir un atelier coiffé d’un toit métallique chauffé à blanc. Aujourd’hui, elle travaille dans une atmosphère tempérée qui lui permet de rester concentrée tout au long de la journée.

Même constat pour sa collègue Madhusmita Das. Pourtant, une fois sa journée terminée, elle retrouve un village où les coupures d’électricité sont fréquentes et où les ventilateurs constituent souvent le seul rempart contre la chaleur nocturne. Le contraste rappelle que l’adaptation ne peut pas s’arrêter aux portes de l’usine.

Les marques sommées de sortir le portefeuille

Reste une question essentielle : qui paiera cette transformation ? Car construire des bâtiments plus intelligents, installer des systèmes de refroidissement performants ou rénover des sites vieillissants représente un investissement colossal que peu de fabricants peuvent assumer seuls.

Les experts estiment désormais que les grandes marques devront accepter de partager une partie de cet effort financier. Les contrats de long terme, les investissements conjoints et une meilleure répartition des marges apparaissent comme des conditions indispensables pour rendre ces adaptations possibles.

Le message commence à être entendu. American Apparel and Footwear Association, qui représente plus de 1 100 entreprises, a récemment publié de nouvelles recommandations invitant les donneurs d’ordre à prendre leur part de responsabilité dans la prévention du stress thermique.

La nouvelle tendance n’est plus une couleur

L’industrie de la mode a longtemps considéré le climat comme une donnée fixe. Désormais, il devient un facteur de production à part entière. Face aux canicules, aux inondations et aux cyclones plus fréquents, les usines devront être capables de résister autant qu’elles produisent.

La prochaine révolution du textile ne viendra peut-être ni d’une nouvelle fibre ni d’un tissu intelligent, mais d’un toit mieux isolé, d’un ventilateur bien placé ou d’un bâtiment pensé pour garder les ouvriers au frais autant que les machines. Finalement, dans la mode aussi, il semble que la véritable tendance soit… de ne plus finir en surchauffe.

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On ignore encore ce que le hamster a bien pu faire. Dévorer un rouleau de pellicule ? Saboter une séance photo ? Une chose est certaine : à partir du 21 novembre prochain, il sera officiellement « le problème ». C’est en tout cas ce que promet « The Hamster Becomes The Problem », la nouvelle exposition consacrée au photographe britannique David Sims, à la Fondation Marta Ortega Pérez (MOP), à La Corogne.

Avec un titre aussi énigmatique qu’un message laissé par un artiste contemporain sur un post-it, cette rétrospective s’annonce comme une plongée XXL dans l’univers d’un homme qui a passé les trente-cinq dernières années à bousculer les codes de la photographie de mode… sans demander la permission.

Né à Sheffield en 1966, David Sims n’a jamais vraiment aimé suivre les lignes blanches. Là où d’autres photographiaient la mode, lui préférait raconter une histoire. Là où certains cherchaient la perfection, lui s’intéressait davantage à l’accident, au mouvement, à l’imperfection qui rend une image vivante.

Résultat ? Des campagnes devenues cultes, des couvertures de magazines qui ont marqué leur époque et des collaborations avec les plus grandes maisons de mode. Son travail a également trouvé sa place dans les collections du Victoria and Albert Museum à Londres, du LACMA à Los Angeles ou encore de la Tate, preuve qu’un cliché de mode peut parfois finir au musée plutôt que sur un panneau publicitaire.

Mais réduire David Sims à un photographe de mode serait un peu comme qualifier un couteau suisse de simple ouvre-bouteille.

Édition, publicité, projets personnels… l’artiste britannique navigue entre les disciplines avec une aisance désarmante, toujours animé par une même obsession : questionner notre manière de regarder les images. Et autant dire qu’à l’heure des réseaux sociaux, des filtres et de l’intelligence artificielle, cette question n’a jamais semblé aussi actuelle.

C’est justement cette intuition précoce que met en avant la Fondation MOP. Dès la fin des années 1990, alors que le numérique balbutiait encore, David Sims avait déjà compris que la révolution des images dépasserait largement les appareils photo. Il avait flairé le bouleversement avant tout le monde, comme certains sentent arriver la pluie ou un mauvais algorithme.

L’exposition prend ainsi la forme d’une exploration de ses propres archives. Plus qu’une simple rétrospective, « The Hamster Becomes The Problem » invite les visiteurs à naviguer dans un immense puzzle visuel où les époques dialoguent, où les personnages se répondent et où les frontières entre documentaire, mode, performance et intimité deviennent volontairement floues.

Chaque salle dévoile un morceau de cet univers où la jeunesse occupe une place centrale. Son énergie, sa fragilité, son irrévérence, sa capacité infinie à se réinventer. Autant de thèmes qui traversent l’œuvre du photographe depuis ses débuts.

Pour Marta Ortega, présidente de la Fondation MOP, David Sims n’a jamais photographié uniquement des vêtements. Il a surtout capturé des attitudes, des générations, des mouvements culturels et une certaine manière d’habiter son époque. Ses images, explique-t-elle, continuent aujourd’hui encore d’influencer le langage visuel contemporain avec une étonnante modernité.

Le parcours imaginé pour l’exposition se compose d’une succession d’espaces interconnectés, chacun mettant en lumière une facette de son travail. Avec David Sims, il n’y a jamais vraiment de bonne manière de regarder une photographie. Seulement de bonnes raisons de s’y perdre.

« The Hamster Becomes The Problem » sera présentée à la Fondation Marta Ortega Pérez (MOP), au Muelle de Batería de La Corogne, du 21 novembre 2026 au 1er mai 2027. Plus de renseignements sur themopfoundation.org

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Avant les tournées mondiales, les records de ventes et les looks qui ont fait trembler les conservatismes, il y a eu un taxi, 35 dollars et une question devenue presque mythique : « Emmenez-moi là où ça bouge. » À seulement 19 ans, Madonna Louise Ciccone quitte le Michigan pour New York avec un portefeuille presque vide, mais une ambition démesurée.

Lorsque Madonna pose le pied à New York en 1978, elle ne possède presque rien. Selon la légende, elle monte dans son premier taxi et demande au chauffeur de la conduire « là où ça bouge ». Quelques minutes plus tard, la voilà déposée au cœur de Times Square, engloutie par les néons, les klaxons et l’énergie chaotique de la ville qui ne dort jamais.

L’argent fond rapidement. Pour survivre, elle enchaîne les petits boulots, dont un poste de serveuse dans un café de Manhattan. Une aventure de courte durée. Après avoir envoyé de la gelée au visage d’un client, son employeur la remercie… définitivement.

Qu’à cela ne tienne. Madonna multiplie les contrats comme danseuse, pose pour des séances photo afin de payer son loyer et poursuit sa formation à la prestigieuse école de danse Alvin Ailey, où elle perfectionne sa technique en s’inspirant notamment de l’héritage de Martha Graham.

La journée, danseuse. La nuit, enfant terrible de l’underground

Une fois les répétitions terminées, direction les nuits new-yorkaises. Madonna découvre le Studio 54, véritable laboratoire culturel où artistes, musiciens, créateurs et marginaux réinventent les règles de la pop culture. Elle y croise Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat ou encore Keith Haring. Un carnet d’adresses que beaucoup rêveraient d’avoir… mais qui, à l’époque, ressemble surtout à une bande d’habitués partageant les mêmes pistes de danse.

Le contraste est pourtant saisissant. Lorsque les lumières du club s’éteignent, Madonna retrouve son appartement du Lower East Side, un quartier alors marqué par la criminalité, les trafics et la pauvreté. Bien loin de l’image glamour que New York véhicule aujourd’hui.

Une ville aussi brutale qu’inspirante

New York ne lui offre pas seulement des opportunités. La ville la confronte également à une violence extrême. Madonna racontera plus tard avoir été agressée à main armée puis violée peu après son arrivée. Son appartement est cambriolé à plusieurs reprises, au point qu’elle finit par ne plus prendre la peine de verrouiller sa porte.

Cette réalité difficile forge son caractère autant que sa carrière. La jeune artiste comprend rapidement que, dans cette ville, personne ne lui fera de cadeau.

Quand la culture ballroom change la pop

Les années 1980 voient éclore la culture ballroom, véritable refuge créatif pour les communautés gays, noires et latinos. Madonna fréquente cette scène underground au moment où l’épidémie de VIH frappe durement ses proches. À une époque où les préjugés sont omniprésents, elle observe les ravages de la maladie et la disparition de nombreux amis, dont Keith Haring, emporté en 1990.

Cette proximité avec les communautés marginalisées influencera durablement son œuvre et ses engagements. Bien avant que les grandes causes deviennent des arguments marketing, Madonna utilise déjà sa notoriété pour sensibiliser le public au sida et défendre la communauté gay.

Les rues de New York comme premier studio d’enregistrement

À New York, Madonna absorbe tout. La salsa résonne dans les quartiers latinos, le merengue s’échappe des commerces, le hip-hop naît dans le Bronx tandis que les clubs inventent chaque semaine une nouvelle façon de danser.

Toutes ces influences se retrouvent ensuite dans ses chansons. La Isla Bonita emprunte aux sonorités latines qui berçaient ses journées. Vogue immortalise la culture ballroom en la propulsant sur toutes les radios du monde. Quant à Like a Virgin ou Like a Prayer, elles portent cette insolence typiquement new-yorkaise qui deviendra sa signature.

Une déclaration d’amour en rythme

En 2005, la boucle est bouclée. Avec I Love New York, extrait de Confessions on a Dance Floor, la superstar déclare sa flamme à la ville qui l’a façonnée. Derrière l’humour et les piques adressées à Los Angeles, le morceau sonne comme une lettre d’amour à cette métropole qui lui a tout donné… après lui avoir tout fait traverser.

Car si Madonna est arrivée avec seulement 35 dollars en poche, elle est repartie avec quelque chose de beaucoup plus précieux : une identité artistique, une liberté créative et la conviction que New York récompense parfois les rêveurs les plus téméraires. Et près d’un demi-siècle plus tard, l’histoire continue. Alors que Confessions II est attendu le 3 juillet 2026, le clin d’œil au disque qui contenait I Love New York rappelle une évidence. Certaines histoires d’amour ne prennent jamais vraiment fin.

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Alors que la plupart des artistes rêveraient d’un seul stade complet, Abel Tesfaye, lui, semble jouer dans une autre dimension. En 2026 seulement, la tournée monumentale After Hours Til Dawn a déjà dépassé les 3 millions de billets vendus et généré plus de 440 millions de dollars de recettes, confirmant un peu plus son statut d’empereur absolu des tournées mondiales.

Et ce n’est que le début. A Manchester, The Weeknd a officiellement lancé la très attendue étape Royaume-Uni / Europe de sa tournée événement avec un concert à guichets fermés à l’Etihad Stadium devant près de 43 000 spectateurs. Une ouverture XXL pour une tournée qui ne connaît visiblement plus aucune limite. Dans une ambiance quasi dystopique, The Weeknd est apparu sur scène sur les premières notes de « Baptized in Fear », entouré de trente danseurs vêtus de longues capes rouges. Quelques secondes plus tard, « Open Hearts » faisait exploser l’Etihad Stadium dans un déluge de lasers, d’anneaux suspendus, de flammes et de décors dorés monumentaux.

Au centre de ce spectacle pharaonique : une gigantesque sculpture créée par le légendaire artiste japonais Hajime Sorayama. Haute de plus de 12 mètres, recouverte d’or et équipée d’effets lumineux intégrés, l’œuvre semble littéralement prendre vie au milieu des ruines futuristes imaginées pour cette nouvelle version du show. Oui, on parle bien d’une tournée pop. Pas du prochain blockbuster de Denis Villeneuve.

Le patron du streaming continue de régner

Avec près de 115 millions d’auditeurs mensuels sur Spotify, sept certifications diamant et un catalogue devenu incontournable, The Weeknd continue d’accumuler des statistiques qui ressemblent désormais à des bugs informatiques.Premier artiste de l’histoire à posséder 31 chansons dépassant chacune le milliard d’écoutes, il domine autant les plateformes que les stades. Son album After Hours est devenu l’album R&B le plus streamé de tous les temps, tandis que « Blinding Lights » reste officiellement la chanson certifiée diamant la plus performante de l’histoire du Billboard Hot 100.

Et pourtant, l’artiste canadien continue d’avancer comme s’il avait encore quelque chose à prouver.

En janvier 2025, il dévoilait Hurry Up Tomorrow, dernier chapitre de la trilogie débutée avec After Hours (2020) puis Dawn FM (2022). Un projet plus intime, plus sombre, mais toujours pensé pour résonner à l’échelle des stades.

Une tournée devenue historique

La tournée After Hours Til Dawn est désormais un phénomène historique. Déjà sacrée tournée la plus lucrative de l’histoire pour un artiste masculin solo en 2025, elle a depuis dépassé le milliard de dollars de recettes mondiales. Avec plus de 7,5 millions de billets vendus sur 153 concerts, elle redéfinit totalement les standards du live contemporain. Depuis 2022, The Weeknd a parcouru l’Amérique du Nord, l’Europe, l’Amérique latine et l’Australie, revenant même une seconde fois dans la plupart des territoires face à une demande délirante. Et la machine continue.

Une ultime étape asiatique a récemment été annoncée pour l’automne avec des concerts prévus à Tokyo, Jakarta, Singapour, Séoul, Bangkok, Hong Kong et Kuala Lumpur. Initialement limitée à 11 dates, la série a été étendue à 17 concerts après une explosion des ventes.

Même les stades commencent à manquer de place !

Paris se prépare à quatre nuits de folie

Après Manchester, la tournée traversera notamment Copenhague, Munich, Lille, Amsterdam, Milan et Londres avant un passage monumental en France. Quatre dates sont prévues au Stade de France : mercredi 8, vendredi 10, samedi 11 et dimanche 12 juillet. Quatre soirs. Quatre stades pleins. Et probablement plusieurs centaines de milliers de téléphones levés au moment de « Blinding Lights ».

À Londres, The Weeknd enchaînera même cinq concerts au Wembley Stadium, confirmant l’ampleur totalement hors normes de cette tournée.

Une tournée géante… avec une vraie portée humanitaire

Derrière les chiffres vertigineux et les shows titanesques, The Weeknd poursuit également ses engagements humanitaires. Pour cette tournée 2026, l’artiste s’associe à Global Citizen afin de soutenir l’accès à l’éducation via le FIFA Global Citizen Education Fund. Son partenariat avec le Programme alimentaire mondial des Nations Unies se poursuit également à travers le XO Humanitarian Fund, destiné à lutter contre la crise mondiale de la faim.

Concrètement, 1 € par billet vendu en Europe et 1 £ par billet au Royaume-Uni seront reversés à ces initiatives. Même dans l’ultra-spectacle, The Weeknd garde un pied dans le réel.

Plus qu’une tournée : un moment de pop culture

À ce stade, parler d’une simple tournée serait presque réducteur. After Hours Til Dawn ressemble davantage à une expérience globale : entre opéra futuriste, rave cyberpunk et blockbuster post-apocalyptique. Une gigantesque machine artistique pensée dans les moindres détails, où chaque lumière, chaque morceau et chaque mouvement participent à construire le mythe The Weeknd.

Et le plus fou dans tout ça ? C’est que 2026 n’est même pas terminée.

Plus de renseignements sur theweeknd.com

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Et si votre prochain parfum ne naissait pas d’un questionnaire interminable ou d’une liste de notes olfactives incompréhensibles, mais simplement de vos envies visuelles ? C’est le pari de Jo Malone London, qui s’associe à Pinterest pour lancer « Scent Scanner », une expérience immersive dopée à l’intelligence artificielle, déployée dans un premier temps en France et aux États-Unis.

Après avoir demandé aux consommateurs de mettre des mots sur leurs envies grâce à son AI Scent Advisor lancé l’an dernier, la marque britannique change de registre. Cette fois, place aux images. Car après tout, il est souvent plus facile d’épingler une plage au coucher du soleil, un intérieur minimaliste ou un bouquet de pivoines que d’expliquer précisément ce qu’on souhaite sentir.

Avec Scent Scanner, les utilisateurs peuvent connecter l’un de leurs tableaux Pinterest à l’outil. L’algorithme analyse alors les éléments visuels enregistrés – palettes de couleurs, textures, paysages, destinations, rituels ou univers esthétiques – pour établir un profil sensoriel et recommander une sélection de fragrances Jo Malone London.

L’idée s’inscrit dans une évolution plus large des usages numériques. À l’heure où la recherche devient toujours plus intuitive, l’image prend progressivement le pas sur le mot-clé. Dans cet écosystème où l’inspiration précède souvent l’intention d’achat, Pinterest apparaît comme un terrain de jeu idéal pour une marque de parfums.

Mais au-delà de la démonstration technologique, Jo Malone London cherche surtout à injecter une dose d’émotion dans le parcours d’achat. Là où de nombreuses initiatives d’intelligence artificielle peinent encore à dépasser le stade du gadget, Scent Scanner tente de rapprocher deux univers profondément subjectifs : l’esthétique et l’olfaction.

Pendant des années, la personnalisation dans le domaine de la beauté consistait à demander aux gens ce qu’ils voulaient. La plus grande opportunité réside dans la compréhension de ce qu’ils aiment déjà – et dans la capacité à les rejoindre là où leurs goûts s’expriment déjà

nous explique Aude Gandon, directrice du numérique et du marketing chez The Estée Lauder Companies.

Selon elle, cette innovation illustre une nouvelle manière de penser le commerce digital, à la croisée de la créativité, de l’émotion et de la découverte produit. Une vision qui s’inscrit dans la stratégie « Beauty Reimagined » du groupe, visant à repenser la relation entre les marques de beauté et leurs consommateurs.

Cette initiative marque également une nouvelle étape dans la collaboration entre The Estée Lauder Companies et Pinterest. Ensemble, les deux partenaires explorent depuis plusieurs années de nouveaux formats de commerce numérique capables de transformer l’inspiration en expérience personnalisée.

Reste désormais à savoir si une collection d’images de vacances en Méditerranée conduira systématiquement à des notes d’agrumes ou si les amateurs de décoration scandinave se découvriront une passion soudaine pour les senteurs boisées. Une chose est sûre : après avoir appris à lire nos clics, l’intelligence artificielle tente désormais de sentir nos goûts.

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