Il n’aura pas fallu longtemps pour que la mode pousse les portes d’un nouveau temple culturel. Star incontestée des musées depuis quelques saisons déjà, elle trouve aujourd’hui refuge à la Fondation Cartier, fraîchement installée dans son nouvel écrin imaginé par Jean Nouvel. Un lieu qui, hasard heureux ou clin d’œil de l’histoire, occupait autrefois un grand magasin de nouveautés – là même où frémissaient les premières idées du prêt-à-porter. Autant dire que les murs étaient déjà prêts à accueillir robes, souvenirs et fantômes de tissus.

Pour orchestrer cette première rencontre officielle entre art contemporain et mode, la Fondation a fait appel au séduisant Olivier Saillard. Historien, conservateur, performeur – et surtout infatigable agitateur du vêtement – il débarque avec son Musée vivant de la mode, un programme à tiroirs mêlant exposition, installations, performances, conférences et rencontres. Le tout calé sur le rythme effréné de la Fashion Week féminine de mars, et prolongé jusqu’à la fin du mois, histoire de laisser respirer les étoffes.

Voir cette publication sur Instagram

Une publication partagée par Fondation Cartier (@fondationcartier)

Un musée qui respire (encore)

Avec ce Musée vivant, Saillard interroge la mode au moment précis où elle cesse de bouger : quand le vêtement, porté, vécu, abandonné, devient patrimoine. Pour cela, il s’entoure de corps bien réels. Les 6 et 7 mars, plusieurs modèles se prêteront à des performances simultanées, rappelant que la mode n’existe jamais mieux que lorsqu’elle marche, se froisse ou fatigue un peu.

Les 13 et 14 mars, changement de décor et retour vers une collection restée célèbre pour avoir fait grincer bien des dents : celle d’Yves Saint Laurent en 1971. Paloma Picasso, muse de l’époque, ravivera le souvenir de ce défilé scandaleux qui avait osé convoquer l’esthétique de la Seconde Guerre mondiale. Une mémoire sensible, remise en mouvement par un nouveau défilé, entre hommage et résurgence.

Enfin, les 20 et 21 mars, place au silence – ou presque. Avec Mannequins du Silence, Olivier Saillard retrouve sa complice de longue date, Tilda Swinton, pour un habillage performé où le vêtement parle sans dire un mot. Un triptyque complété par deux expositions : l’une au cœur de la Fondation, l’autre à la Galerie Valois, à quelques pas de là, comme un prolongement discret dans la ville.

Premier pas de la Fondation Cartier sur le terrain de la mode, ce cycle pourrait bien être un coup d’essai qui se transforme en coup de maître. Preuve, s’il en fallait encore une, que la mode n’a pas fini de faire sa place… même quand elle enlève ses chaussures.

Olivier Saillard, Le Musée vivant de la mode – Fondation Cartier pour l’art contemporain, du 6 au 21 mars. Expositions jusqu’en mai à la Galerie Valois. Plus de renseignements sur

The post La Fondation Cartier habille la Fashion Week autrement appeared first on picolino • actualités lifestyle beauté tendances et culture.

Nous sommes alors dans une Grande-Bretagne en pleine mue : sortie de récession, post-guerre froide, portée par un optimisme nouveau et un certain goût pour le chaos créatif. Une génération d’artistes et de créateurs décide que les frontières sont faites pour être traversées – voire piétinées. L’art contemporain flirte avec la pop culture, la mode s’inspire de la rue, et la musique infiltre tout, jusqu’aux cimaises des musées.

En toile de fond, le mouvement Cool Britannia accompagne l’arrivée au pouvoir de Tony Blair et transforme le Royaume-Uni en épicentre d’une effervescence culturelle exportable. Sous le commissariat du styliste Edward Enninful, The 90s entend restituer cette énergie brute à travers œuvres, archives et images qui racontent le moment précis où les règles ont commencé à sérieusement vaciller.

Le parcours convoque les photographies volontairement bancales de Juergen Teller et les expérimentations visuelles de Nick Knight, témoins d’un langage de la mode en pleine réinvention. Ces images dialoguent avec les œuvres de Damien Hirst, Gillian Wearing ou Yinka Shonibare – figures emblématiques des Young British Artists – dont les travaux dissèquent le corps, l’identité et les rapports de pouvoir avec un mélange d’audace et d’irrévérence qui continue d’influencer la création contemporaine.

La mode, elle, n’est pas reléguée au rang de simple décor. Vivienne Westwood, Alexander McQueen et Hussein Chalayan occupent le devant de la scène, rappelant combien le vêtement fut dans les années 1990 un véritable manifeste. Entre héritage punk, expérimentations radicales et provocations assumées, ces créateurs ont transformé le podium en terrain de résistance esthétique.

De Kate Moss, éternelle icône capturée par Juergen Teller, aux silhouettes incendiaires de l’« impératrice du punk », The 90s promet une relecture vibrante d’une décennie qui n’a jamais vraiment cessé de hanter notre imaginaire collectif.

The 90s, du 1er octobre 2026 au 14 février 2027, Tate Modern, Londres. Plus de renseignements sur tate.org.uk

The post La Tate Modern ressort l’insolence des années 1990 appeared first on picolino • actualités lifestyle beauté tendances et culture.

Louis Vuitton Art Déco n’est pas une exposition comme les autres. Huit salles thématiques, plus de 300 pièces, des créations inédites et des reconstitutions à couper le souffle vous attendent. L’objectif ? Montrer comment Gaston-Louis Vuitton, petit-fils du fondateur, a transformé la maroquinerie en véritable art de vivre. Et le tout avec une élégance qui ferait passer le métro parisien pour un simple bus scolaire.

La visite commence dans la salle Historique, plongée totale dans l’univers familial d’Asnières. Ici, on comprend que Gaston-Louis n’était pas juste un héritier : c’était un explorateur du design, un touche-à-tout obsédé par le détail et la perfection. Les ateliers, les malles, les croquis… chaque élément raconte une histoire où savoir-faire rime avec audace.

Puis vient 1925 : La consécration. Le stand original de l’exposition internationale est reconstitué dans les moindres détails. Imaginez un diorama grandeur nature, des photographies d’archives, et une ambiance digne d’un film muet où le glamour est roi. Louis Vuitton, chef de file de la « classe 9 » dédiée à la maroquinerie, est acclamé sur la scène internationale, et chaque pièce exposée témoigne de l’ingéniosité de la Maison.

Manifeste Art Déco est ensuite un festival pour les yeux : malles automobiles, secrétaires à chaussures, sacs du soir géométriques… tout est pensé pour être pratique, beau et résolument moderne. Ici, le luxe ne se contente pas de briller : il se plie à la vie quotidienne avec style.

L’exposition ne s’arrête pas là. Élégance et Beauté at Louis Vuitton révèle le côté un peu fou de l’art de vivre à la française : porte-habit Milano, nécessaire de la cantatrice Marthe Chenal… des pièces qui ressemblent à des objets d’art autant qu’à des accessoires du quotidien. Et si vous pensiez que les vitrines étaient juste des vitrines, détrompez-vous. Dans L’Art des vitrines, Gaston-Louis les transforme en scènes poétiques, jouant avec lumière, perspective et imagination. Le sac Champs-Élysées n’a jamais été aussi photogénique.

Couleurs, formes et matériaux explore ensuite le langage visuel de l’Art Déco, entre audaces chromatiques, matériaux nobles et silhouettes architecturées. Puis Du dessin à la publicité démontre que chaque création Vuitton est pensée dans sa globalité : motifs octogonaux, nuages emblématiques et dessins stylisés montrent que la communication est aussi un art.

Enfin, La Beauté en voyage conclut le parcours en beauté. Ici, passé et présent se rencontrent : archives des années 1920, silhouettes contemporaines de Nicolas Ghesquière, visions jazz de Pharrell Williams, souvenirs de Marc Jacobs et Kim Jones… l’histoire s’écrit.

Plus de renseignements sur louisvuitton.com

The post Louis Vuitton fête 100 ans d’Art Déco appeared first on picolino • actualités lifestyle beauté tendances et culture.

Disons-le franchement : ce n’est pas un musée poussiéreux où l’on chuchote en chaussettes molletonnées. Ici, on ne contemple pas Bowie, on explore David, presque comme on fouillerait dans son placard ou son cerveau. On tombe tour à tour sur la combinaison asymétrique de Kansai Yamamoto, la veste zébrée d’Aladdin Sane ou encore le smoking de mariage signé Thierry Mugler. C’est un peu comme si les alter ego du Thin White Duke s’étaient donné rendez-vous dans la même pièce, prêts à repartir en tournée.

Mais la vraie surprise, c’est que le centre propose un programme baptisé Order an Object. En clair : vous pouvez réserver un tête-à-tête avec une pièce d’archive. Imaginez : vous, un carnet de Bowie, une table, et ce silence un peu électrique des secrets qui s’ouvrent. Ça change des audioguides monocordes.

En fait, ce lieu fonctionne comme David Bowie lui-même : impossible à enfermer dans une case. À la fois laboratoire, sanctuaire et aire de jeux interstellaire, il brouille les genres, mélange les codes et refuse la nostalgie facile. Parce que David Bowie n’était pas qu’un chanteur — il était une machine à métamorphoses, un perturbateur en chef, un Starman qui a pris Londres pour rampe de lancement.

Le David Bowie Centre est une archive vivante, une invitation à se perdre dans l’inattendu. Comme si, en franchissant ses portes, on entrait nous aussi dans une nouvelle orbite. Ziggy n’est peut-être pas mort, après tout.

Plus de renseignements sur vam.ac.uk

The post Ziggy est de retour : Londres inaugure le David Bowie Centre appeared first on picolino • actualités lifestyle beauté tendances et culture.

Mais d’abord, qui sont ces fameux “Crows” ? Le terme remonte aux années 1970 et 80, lorsque Rei Kawakubo, fondatrice de Comme des Garçons, posait les bases d’un vestiaire radical et volontairement désaccordé. Ses adeptes – vêtus de noir, drapés dans des silhouettes asymétriques et impénétrables – arpentaient les rues comme des volatiles d’un autre monde. Ils n’étaient pas là pour séduire, mais pour signifier. Un look sombre, anti-commercial, souvent perçu comme une énigme visuelle : le corbeau comme manifeste.

Depuis le 1er août et jusqu’au 17 prochain, Aro Archive transforme son espace en volière de haute volée. Plus d’une cinquantaine de pièces rares sont exposées, retraçant cinq décennies de créations signées Kawakubo. L’exposition suit un fil narratif en deux temps : la première semaine met en scène les silhouettes sombres des fans de la première heure, tandis que la deuxième semaine explore la face plus ludique de la marque – avec en point d’orgue une plongée dans la célèbre collection “Body Meets Dress, Dress Meets Body” de 1997, surnommée “Lumps and Bumps”.

Voir cette publication sur Instagram

Une publication partagée par Aro Archive (@aroarchive)

Avec ses excroissances molles cousues à même le tissu, ses bosses irrégulières et ses volumes mutants, cette collection reste l’un des actes les plus déroutants et visionnaires de la mode contemporaine. Elle a influencé de nombreux créateurs – de Marc Jacobs à Duran Lantink – qui continuent d’y puiser un imaginaire déformé, absurde, profondément humain.

Aro Archive, spécialiste reconnu des pièces d’archives introuvables, ne se contente pas d’exposer : la plupart des vêtements seront disponibles à la vente. Un rêve éveillé pour les collectionneurs, ou les amateurs d’anomalies vestimentaires prêtes à intégrer un dressing.

Entrée libre, regards aiguisés recommandés. Plus d’informations (et quelques aperçus) à retrouver sur le compte Instagram Aro Archive

The post Les “Crows” Comme des Garçons envahissent Londres appeared first on picolino • actualités lifestyle beauté tendances et culture.

Quand Louis Vuitton part en voyage, ce n’est jamais léger. Pour marquer l’Exposition universelle de 2025, la griffe au Monogram s’offre un passage en fanfare au Nakanoshima Museum of Art, à Osaka, avec une exposition aussi dense qu’un coffre ancien fermé à double tour. Visionary Journeys retrace 170 ans de maison, 150 ans d’amour (assumé) pour le Japon, et près de 1000 objets déballés pour l’occasion, dont 200 pièces exclusivement japonaises. Ce n’est plus une expo, c’est un périple à travers l’histoire du goût, du style et du dialogue interculturel.

L’exposition s’organise en douze salles comme autant de chapitres d’un carnet de voyage. L’une des plus frappantes : “Louis Vuitton in Japan”. On y découvre entre autres un nécessaire de toilette inspiré des tsubas, ces gardes de sabres samouraï devenues objets de design pour globe-trotteurs chics. Le choc des époques, l’élégance des formes.

À deux pas, une estampe de Hokusai datant de 1833 (la cascade de Kirifuri) voisine avec un puzzle ancien commandé par Sacha Guitry — même motif, même vague d’esthétisme. Mention spéciale à une vitrine de 1921, en forme de jardin japonais, conçue pour célébrer la venue du futur empereur Hirohito à Paris. Oui, Gaston-Louis Vuitton savait recevoir.

Japon, mon amour

Contrairement à ce que l’on pourrait croire, cette fascination ne date pas de la dernière collab’ avec un artiste tokyoïte. Elle remonte à 1874, quand un certain Sameshima Naonobu, diplomate japonais, devient le tout premier client japonais connu de la maison. Portrait et registre de comptes à l’appui, l’exposition sort les preuves. Plus tôt encore, dès l’Exposition universelle de 1867, la famille Vuitton commence à collectionner des œuvres japonaises. Coup de foudre confirmé.

Le Monogram, ce motif qui cache un kimono

Le mythique Monogram de 1896 n’échappe pas au regard historien. Et si ses fleurs stylisées, souvent attribuées à la tradition européenne, avaient en fait un petit parfum d’estampe japonaise ? C’est ce que l’exposition explore en comparant notamment un coffre ayant appartenu au shogun Tokugawa (prêté par le musée Guimet) et les motifs emblématiques de Vuitton. Le clou : l’échantillon original du dépôt de modèle Monogram, exposé pour la première fois, dans une salle circulaire constellée de sacs tournant autour de lui comme des planètes autour du soleil. Oui, il y a du cosmos dans la maroquinerie.

Voir cette publication sur Instagram

Une publication partagée par Louis Vuitton (@louisvuitton)

Murakami, Abloh, Ghesquière : la suite d’un manga mode

Impossible de parler Japon sans évoquer les créateurs et artistes contemporains qui ont prolongé la romance. De Takashi Murakami, premier invité à “vandaliser” la toile Monogram en 2002, à Virgil Abloh et ses sacs inspirés des carpes Koi, en passant par Kim Jones et ses silhouettes kimonoïdes, ou Nicolas Ghesquière et ses robes aux allures de guerrières nippones, tous ont injecté un peu de Tokyo dans le vestiaire de la maison.

On croise aussi dans l’exposition des pièces nées de collaborations cultes avec Comme des Garçons, Hiroshi Fujiwara, Kansaï Yamamoto, ou Nigo. Plus qu’un simple clin d’œil, une conversation culturelle au long cours — où l’art du voyage se mêle à celui de la rencontre.

“Visionary Journeys” — jusqu’au 17 septembre 2025 au Nakanoshima Museum of Art, Osaka. Plus de renseignements sur louisvuitton.com

The post Louis Vuitton, samouraï du style à Osaka appeared first on picolino • actualités lifestyle beauté tendances et culture.

Swarovski annonce l’installation de son exposition Masters of Light à Los Angeles, à partir du 29 octobre 2025. Après avoir été présentée à Vienne, Milan, Shanghai et Séoul, cette rétrospective marquera une nouvelle étape dans le cadre des célébrations du 130e anniversaire de la marque. L’exposition prendra ses quartiers en Californie, dans la capitale mondiale du cinéma, un choix stratégique pour une maison dont les créations ont accompagné de nombreuses productions hollywoodiennes depuis des décennies.

La scénographie de l’exposition mettra en lumière les liens historiques entre Swarovski et Hollywood. De Marilyn Monroe à Beyoncé, les cristaux de la maison ont paré les costumes de scène, les tenues de gala et les plateaux de tournage. Ce lien sera au cœur du parcours proposé aux visiteurs. Conçue par Giovanna Engelbert, directrice artistique de Swarovski, et imaginée en collaboration avec le journaliste de mode Alexander Fury, l’exposition se veut immersive et multisensorielle.

Parmi les pièces phares : des robes haute couture ornées de cristaux, des objets d’archives rares et un espace dédié aux Swarovski Created Diamonds, ces diamants de laboratoire qui symbolisent la volonté de la marque d’investir dans l’innovation technologique et le luxe durable.

Une stratégie de marque assumée

En choisissant Los Angeles comme prochaine étape, Swarovski confirme son ambition de renforcer sa visibilité culturelle et commerciale à l’international. « Masters of Light est notre façon de célébrer 130 ans de joie partagée avec le monde », déclare Alexis Nasard, PDG de la maison. « C’est un hommage à l’art, au savoir-faire et à la joie qui caractérisent Swarovski. »

L’exposition s’inscrit dans une tendance plus large observée chez plusieurs grandes maisons de luxe, qui investissent dans des formats culturels pour toucher de nouveaux publics. Giorgio Armani a ainsi organisé une exposition à Milan pour les 20 ans de sa ligne couture, tandis que Buccellati présentait récemment une rétrospective à Venise.

Voir cette publication sur Instagram

Une publication partagée par SWAROVSKI (@swarovski)

Un nouveau visage pour une nouvelle génération

Parallèlement à ses initiatives culturelles, Swarovski a récemment opéré un tournant en matière de communication. En 2024, la maison a nommé la chanteuse Ariana Grande ambassadrice mondiale. Cette collaboration, accompagnée d’une collection capsule, vise à rajeunir l’image de la marque et à renforcer son impact sur les réseaux sociaux et auprès des consommateurs plus jeunes.

Plus de renseignements sur swarovski.com

The post 130 ans de glamour : Swarovski s’expose à Los Angeles cet automne appeared first on picolino • actualités lifestyle beauté tendances et culture.

Depuis plusieurs décennies, Georg Baselitz peint ses œuvres au sol, dans son atelier sur les rives du lac Ammer, en Bavière. Confronté au poids des années, il a récemment adapté ses méthodes. Après avoir utilisé son déambulateur comme instrument de création, il fait désormais rouler son fauteuil directement sur la toile. Résultat ? De longues lignes continues sillonnent ou enserrent les silhouettes peintes, leur conférant un aspect spectral et fragmenté.

Les toiles monumentales — certaines atteignent près de quatre mètres de haut — représentent toujours le couple formé par l’artiste et sa femme Elke, souvent renversé, parfois presque effacé. Les couleurs pâles et les fonds gris profonds renforcent cette impression de disparition progressive, soulignée par les traces laissées par les roues. Deux œuvres se distinguent néanmoins par un fond bleu ciel et un vert d’eau plus lumineux.

Voir cette publication sur Instagram

Une publication partagée par Thaddaeus Ropac (@thaddaeusropac)

Outre la peinture, l’exposition marque aussi le retour de Baselitz à la sculpture, qu’il n’avait plus pratiquée depuis une décennie. À l’entrée de la galerie, une imposante figure noire en bronze accueille le visiteur : un corps totémique, sans visage, aux membres démultipliés, rappelant les premières sculptures exposées à Pantin en 2012.

Le parcours s’achève avec un ensemble de dessins à l’encre noire ou rouge, réalisés récemment. Plus bruts, plus spontanés, ces croquis révèlent un trait tremblant mais habité, dans la lignée de figures telles que Tracey Emin, que Baselitz admire ouvertement.

Loin d’un adieu ou d’un repli, Ein Bein von Manet aus Paris témoigne d’un artiste qui, malgré les limites physiques, refuse de ralentir. En intégrant son propre corps et ses outils de mobilité dans l’acte de création, Georg Baselitz signe une œuvre à la fois intime, radicale et intensément présente.

Galerie Thaddaeus Ropac – Paris Pantin – 69, avenue du Général Leclerc 93500 Pantin. t/ +33 (0)1 55 89 01 10. paris.pantin@ropac.net. Plus d’informations sur ropac.net

The post Georg Baselitz chez Thaddaeus Ropac : le fauteuil (roulant) comme pinceau appeared first on picolino • actualités lifestyle beauté tendances et culture.

Des/astres est le dernier volet d’une trilogie consacrée aux relations entre les êtres humains et le cosmos, initiée en 2019 avec Mamelles Ancestrales, puis poursuivie avec Orbit Diapason. Si les deux premiers volets s’attardaient sur les mégalithes d’Afrique de l’Ouest et du Sud et sur leurs dimensions funéraires ou extraterrestres, Des/astres s’ancre dans la terre amazonienne de Guyane, où Tabita Rezaire réside depuis 2018. Tourné sur plusieurs années, ce film s’élabore comme un tissage sensible entre cosmogonies autochtones, spiritualités vivantes, mémoire ancestrale et enjeux politiques contemporains.

L’artiste donne à voir et entendre une pluralité de voix : chefs coutumiers, astronomes, guérisseurs, conteurs, villageois… Tous prennent part à cette cartographie céleste qui entremêle récits traditionnels, pratiques rituelles et observation scientifique du ciel. Ces témoignages, recueillis au fil des voyages de Rezaire à travers la Guyane et le Suriname, révèlent l’épaisseur invisible du territoire et les manières singulières qu’ont ses habitants de dialoguer avec l’au-delà.

Installé sous un dôme végétal, le spectateur est invité à s’allonger dans des hamacs pour contempler les images projetées sur un écran ovoïde suspendu. Le dispositif, inspiré des soirées Carbet Planétarium organisées par Rezaire et son collectif Amakaba dans les villages guyanais, renverse le rapport traditionnel au cinéma : ici, on regarde le ciel, au sens propre comme au figuré. Le film devient cérémonie.

Derrière la caméra, Tabita Rezaire s’efface. Contrairement à ses œuvres précédentes, où son corps occupait une place centrale, Des/astres témoigne d’une volonté de retrait. L’artiste s’impose davantage comme passeuse, médiatrice d’un savoir collectif et pluriel, nourri autant par la science que par le sacré. Le langage numérique et les avatars en 3D cèdent la place à des images documentaires tournées sur le terrain, ancrées dans la matière du monde : forêts, rivières, feuillages, gestes et voix humaines.

Cette métamorphose artistique trouve son origine dans un bouleversement de vie. En 2020, Tabita Rezaire fonde Amakaba, un centre implanté en pleine forêt amazonienne, où elle enseigne le yoga, cultive des plantes médicinales, fabrique du cacao, accompagne des naissances. Une démarche holistique, tournée vers la reconnexion à la terre, au corps et au divin. De cette immersion dans la nature jaillit un art nouveau, moins technologique mais tout aussi sophistiqué, fait de poterie, de teinture végétale, de savoirs oraux et de présence silencieuse.

Voir cette publication sur Instagram

Une publication partagée par Fondation Louis Vuitton (@fondationlv)

Des/astres n’est pas un film sur la Guyane. C’est un chant adressé aux étoiles depuis la forêt. C’est une tentative de réenchanter notre relation au cosmos, loin des logiques extractivistes ou coloniales qui planent, ironiquement, au-dessus du centre spatial de Kourou. À la Fondation Louis Vuitton, Tabita Rezaire ne propose pas une œuvre à regarder, mais une expérience à vivre, un moment suspendu entre ciel et terre. Une invitation à repenser la technologie comme énergie spirituelle, et l’art comme rituel de guérison.

Open Space #16 – Tabita Rezaire, Des/astres. Jusqu’au 31 août 2025. Fondation Louis Vuitton, Paris (XVIe). Plus de renseignements sur fondationlouisvuitton.fr

The post Tabita Rezaire : chamane cosmique en immersion à la Fondation Louis Vuitton appeared first on picolino • actualités lifestyle beauté tendances et culture.

Connue pour ses DJ sets hybrides et ses productions électroniques expérimentales, Christelle Oyiri développe depuis plusieurs années une pratique pluridisciplinaire ancrée dans la culture club, les esthétiques post-Internet et les récits diasporiques. Avec cette exposition, elle pousse plus loin encore sa réflexion sur l’identité, la représentation de soi et les mécanismes de transformation sociale et esthétique.

L’installation se déploie en trois volets : une série de sculptures, une vidéo monumentale et un light show pensé comme une performance sans performeur. Le spectateur est invité à déambuler dans un espace qui oscille entre salle d’opération et dancefloor, entre introspection clinique et vertige sensoriel. En toile de fond, une question centrale : que devient le “je” dans une société saturée de sons, d’images et de modèles à reproduire ?

Le projet est nourri d’influences multiples, de la littérature expérimentale de William Burroughs à la démarche transgressive de Genesis P-Orridge. Christelle Oyiri y mêle références musicales, autobiographie et observation sociale. C’est à Los Angeles, notamment, qu’elle dit avoir saisi les parallèles entre les logiques de remix musical et celles de la chirurgie plastique : “retoucher” le corps comme on retravaille un sample.

Cette réflexion sur la malléabilité de l’identité, déjà présente dans ses textes ou dans ses soirées à la croisée des genres, prend ici une dimension plus formelle. L’artiste évoque également la manière dont les femmes – et plus largement les minorités – sont contraintes à une hyper-visibilité dans les milieux créatifs contemporains, une exposition permanente qui les pousse à se “programmer” elles-mêmes selon les attentes du public ou de l’industrie.

Voir cette publication sur Instagram

Une publication partagée par Christelle Oyiri (@crystallmess)

Ancienne chroniqueuse et DJ dans les soirées underground parisiennes, Crystallmess s’est fait connaître pour sa capacité à brouiller les frontières entre les styles et les scènes. Inspirée par les clubs de New York, d’Abidjan ou de Détroit, elle a contribué à ouvrir des espaces de fête plus inclusifs et plus métissés. Son approche musicale — mêlant techno, rap, gospel, noise ou reggaeton — traduit un refus de la norme et une volonté de recomposition constante.

À travers In a perpetual remix…, elle transpose cette même logique au champ visuel et plastique. Le résultat : une œuvre résolument contemporaine, où les questions de genre, de race, d’apparence et de création s’entrelacent dans un langage sensoriel puissant.

Exposition « In a perpetual remix where is my own song? » by Christelle Oyiri (Crystallmess). Tate Modern, Londres — Tanks jusqu’au 25 août 2025. Plus de renseignements sur tate.org.uk

The post Crystallmess fait gronder la Tate Modern appeared first on picolino • actualités lifestyle beauté tendances et culture.