Au programme : 120 silhouettes, des centaines d’archives, des accessoires à faire pâlir une boule à facettes et suffisamment d’imprimés baroques pour donner des complexes à un palais vénitien.

Du soleil calabrais aux podiums parisiens

L’exposition retrace le parcours de l’enfant de Reggio de Calabre devenu l’un des noms les plus influents de l’histoire de la mode. Des rivages méditerranéens de son enfance aux défilés les plus courus de Paris, le visiteur suit le fil d’une carrière météorique, où la discrétion n’a jamais été invitée.

Cette rétrospective est l’adaptation d’un projet déjà présenté à Málaga, Londres et Berlin. Mais à Paris, pas question de recycler simplement la formule. Selon son producteur, Vincent Barreneche, chaque étape est repensée pour mettre en valeur les liens particuliers entre Versace et la ville qui l’accueille.

Et Paris avait de quoi raconter. Ici, l’accent est mis sur les décors spectaculaires imaginés par le créateur et sur sa relation privilégiée avec la capitale de la mode. L’exposition propose notamment une reconstitution de son atelier ainsi qu’une sélection de robes dévoilées pour la première fois sur les podiums parisiens.

Bienvenue dans la sphère Versace

Le parcours se déploie en douze sections thématiques, comme autant de chapitres d’un roman où les dorures tiennent souvent le premier rôle.

Dans « Magna Grecia », le créateur puise dans l’héritage antique de la Méditerranée. Colonnes grecques, motifs mythologiques et références classiques se retrouvent transposés sur des tissus luxueux, transformant les mannequins en déesses contemporaines. Plus loin, « Barocco » plonge le visiteur dans l’esthétique qui est devenue la signature de la maison : abondance, opulence, éclat. Ici, le minimalisme est prié de rester à la porte.

Les sections « Vanitas », « Supermodel » ou encore « Rock & Royalty » rappellent quant à elles que Versace n’était pas seulement un couturier. Il était aussi un chef d’orchestre de la culture populaire, capable de réunir sous une même bannière princesses, rock stars, mannequins et rappeurs.

La princesse, le rappeur et le couturier

Dans l’univers Versace, les frontières sociales semblaient relever du détail administratif. D’un côté, Diana, princesse de Galles, incarnation de l’élégance aristocratique. De l’autre, Tupac Shakur, figure majeure du hip-hop américain. Entre les deux : Gianni Versace, qui trouvait naturel de les habiller avec la même passion.

Cette capacité à naviguer entre les mondes constitue sans doute l’une des clés de son succès. Le créateur italien cultivait autant le raffinement des salons que l’énergie brute des cultures urbaines. Une vision qui lui a permis de séduire des personnalités aussi diverses qu’Elton John, Prince, Madonna ou Sylvester Stallone.

Bien avant que les questions de fluidité vestimentaire ne deviennent un sujet de société, Versace expérimentait déjà les silhouettes unisexes et brouillait les frontières traditionnelles du vêtement.

Armani pour l’épouse, Versace pour la maîtresse

Pour résumer son style, une vieille formule italienne des années 1980 continue de circuler dans les milieux de la mode :

Giorgio Armani habillait l’épouse, Gianni Versace habillait la maîtresse.

Cruelle, caricaturale, mais redoutablement efficace.

Là où Armani incarnait l’élégance discrète et le luxe maîtrisé, Versace revendiquait le glamour assumé, la séduction spectaculaire et une forme de provocation permanente. Chez lui, les couleurs criaient, les imprimés s’affichaient et les célébrités devenaient des icônes.

À une époque où la haute couture conservait encore certaines réserves, il comprit avant beaucoup d’autres que la mode allait devenir un phénomène médiatique mondial.

Une étoile fauchée en plein éclat

L’exposition rappelle aussi la fin tragique du créateur. En juillet 1997, au sommet de sa gloire, Gianni Versace est assassiné devant sa résidence de Miami. Il n’a que 50 ans.

Sa disparition met brutalement fin à une ascension exceptionnelle, mais son héritage continue d’influencer la mode contemporaine. Les logos ostentatoires, les collaborations avec les célébrités, la fusion entre luxe et culture populaire : autant de tendances aujourd’hui omniprésentes dont il fut l’un des précurseurs.

Près de trente ans après sa mort, le créateur semble plus actuel que jamais.

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À New York, le Comité Colbert présente jusqu’au 31 mai 2026 l’exposition Hidden Treasures, 250 Years of Franco-American Luxury Stories à The Shed, au cœur du quartier ultra-lustré de Hudson Yards. Une célébration aussi diplomatique qu’esthétique des relations franco-américaines, à l’occasion des 250 ans de l’amitié entre les deux pays. Comprendre : deux siècles et demi de fascination réciproque, de champagne servi trop frais et de clients américains capables de prononcer “Haussmann” avec un accent texan.

Derrière cette opération de séduction patrimoniale, le Comité Colbert mobilise plus de 60 Maisons et institutions culturelles françaises. L’idée ? Montrer comment le luxe français a accompagné – et parfois influencé – les grandes heures du rêve américain. Car avant les influenceuses TikTok et les “quiet luxury aesthetics”, il y avait déjà des malles Vuitton traversant l’océan en paquebot et des salons new-yorkais parfumés au Guerlain.

Une exposition comme un cabinet de curiosités

Le parcours se déploie en cinq chapitres chronologiques retraçant les échanges artistiques, culturels et commerciaux entre la France et les États-Unis. Chaque Maison participante dispose d’une malle d’expédition transformée en mini cabinet de curiosités. Une manière élégante de dire : “regardez comme notre patrimoine voyage bien”.

Parmi les participants, les mastodontes habituels du luxe tricolore : Hermès, Cartier, Louis Vuitton ou encore Chanel. Chacun expose objets rares, correspondances historiques, pièces d’archives ou créations emblématiques illustrant leur relation avec l’Amérique.

Le grand roman américain du luxe français

L’ensemble oscille entre musée diplomatique et démonstration de puissance feutrée. Car dans le luxe, même les souvenirs ont un service presse.

Fondé en 1954, le Comité Colbert rassemble aujourd’hui près d’une centaine de Maisons de luxe françaises ainsi que plusieurs institutions culturelles. Son credo, défendre le savoir-faire national à travers le monde avec une subtilité toute française, c’est-à-dire en transformant chaque opération de communication en geste civilisationnel.

Et le marché américain reste une priorité absolue. Les États-Unis demeurent l’un des terrains de jeu les plus stratégiques pour les marques européennes, malgré les fluctuations économiques et les tensions commerciales récentes.

Le Comité Colbert cite d’ailleurs une étude du cabinet The Heart Monitors menée auprès de consommateurs américains ayant acheté des produits français au cours des douze derniers mois. Verdict : le luxe français conserve une image quasi intacte outre-Atlantique. Selon l’enquête, 61 % des personnes interrogées considèrent encore les produits français comme ceux qui “valent le plus l’achat”, devant les produits italiens – ce qui, à Milan, pourrait provoquer plusieurs malaises diplomatiques.

Plus révélateur encore : près d’un consommateur sur deux affirme que les tensions économiques ou les hausses de prix liées aux droits de douane n’ont pas altéré sa perception des produits français. Traduction : même hors de prix, un carré Hermès reste un carré Hermès.

Quand le patrimoine devient stratégie commerciale

Sous ses airs de promenade historique raffinée, Hidden Treasures fonctionne aussi comme un puissant outil de soft power. Le luxe français ne se contente plus de vendre des objets : il vend une continuité historique, un récit culturel, une idée du goût. Et dans ce domaine, les États-Unis restent un public particulièrement réceptif.

À Hudson Yards, entre les tours de verre et les boutiques futuristes, les Maisons françaises rappellent ainsi qu’elles ne commercialisent pas seulement des sacs, des bijoux ou du cognac, mais une certaine vision du prestige. Une vision où l’histoire, le savoir-faire et l’élégance servent autant à nourrir l’imaginaire qu’à justifier les étiquettes.

En somme, une exposition où l’on célèbre 250 ans d’amitié franco-américaine… avec suffisamment de cuir, d’or et de storytelling pour faire rougir la Statue de la Liberté elle-même.

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Il n’aura pas fallu longtemps pour que la mode pousse les portes d’un nouveau temple culturel. Star incontestée des musées depuis quelques saisons déjà, elle trouve aujourd’hui refuge à la Fondation Cartier, fraîchement installée dans son nouvel écrin imaginé par Jean Nouvel. Un lieu qui, hasard heureux ou clin d’œil de l’histoire, occupait autrefois un grand magasin de nouveautés – là même où frémissaient les premières idées du prêt-à-porter. Autant dire que les murs étaient déjà prêts à accueillir robes, souvenirs et fantômes de tissus.

Pour orchestrer cette première rencontre officielle entre art contemporain et mode, la Fondation a fait appel au séduisant Olivier Saillard. Historien, conservateur, performeur – et surtout infatigable agitateur du vêtement – il débarque avec son Musée vivant de la mode, un programme à tiroirs mêlant exposition, installations, performances, conférences et rencontres. Le tout calé sur le rythme effréné de la Fashion Week féminine de mars, et prolongé jusqu’à la fin du mois, histoire de laisser respirer les étoffes.

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Un musée qui respire (encore)

Avec ce Musée vivant, Saillard interroge la mode au moment précis où elle cesse de bouger : quand le vêtement, porté, vécu, abandonné, devient patrimoine. Pour cela, il s’entoure de corps bien réels. Les 6 et 7 mars, plusieurs modèles se prêteront à des performances simultanées, rappelant que la mode n’existe jamais mieux que lorsqu’elle marche, se froisse ou fatigue un peu.

Les 13 et 14 mars, changement de décor et retour vers une collection restée célèbre pour avoir fait grincer bien des dents : celle d’Yves Saint Laurent en 1971. Paloma Picasso, muse de l’époque, ravivera le souvenir de ce défilé scandaleux qui avait osé convoquer l’esthétique de la Seconde Guerre mondiale. Une mémoire sensible, remise en mouvement par un nouveau défilé, entre hommage et résurgence.

Enfin, les 20 et 21 mars, place au silence – ou presque. Avec Mannequins du Silence, Olivier Saillard retrouve sa complice de longue date, Tilda Swinton, pour un habillage performé où le vêtement parle sans dire un mot. Un triptyque complété par deux expositions : l’une au cœur de la Fondation, l’autre à la Galerie Valois, à quelques pas de là, comme un prolongement discret dans la ville.

Premier pas de la Fondation Cartier sur le terrain de la mode, ce cycle pourrait bien être un coup d’essai qui se transforme en coup de maître. Preuve, s’il en fallait encore une, que la mode n’a pas fini de faire sa place… même quand elle enlève ses chaussures.

Olivier Saillard, Le Musée vivant de la mode – Fondation Cartier pour l’art contemporain, du 6 au 21 mars. Expositions jusqu’en mai à la Galerie Valois. Plus de renseignements sur

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Nous sommes alors dans une Grande-Bretagne en pleine mue : sortie de récession, post-guerre froide, portée par un optimisme nouveau et un certain goût pour le chaos créatif. Une génération d’artistes et de créateurs décide que les frontières sont faites pour être traversées – voire piétinées. L’art contemporain flirte avec la pop culture, la mode s’inspire de la rue, et la musique infiltre tout, jusqu’aux cimaises des musées.

En toile de fond, le mouvement Cool Britannia accompagne l’arrivée au pouvoir de Tony Blair et transforme le Royaume-Uni en épicentre d’une effervescence culturelle exportable. Sous le commissariat du styliste Edward Enninful, The 90s entend restituer cette énergie brute à travers œuvres, archives et images qui racontent le moment précis où les règles ont commencé à sérieusement vaciller.

Le parcours convoque les photographies volontairement bancales de Juergen Teller et les expérimentations visuelles de Nick Knight, témoins d’un langage de la mode en pleine réinvention. Ces images dialoguent avec les œuvres de Damien Hirst, Gillian Wearing ou Yinka Shonibare – figures emblématiques des Young British Artists – dont les travaux dissèquent le corps, l’identité et les rapports de pouvoir avec un mélange d’audace et d’irrévérence qui continue d’influencer la création contemporaine.

La mode, elle, n’est pas reléguée au rang de simple décor. Vivienne Westwood, Alexander McQueen et Hussein Chalayan occupent le devant de la scène, rappelant combien le vêtement fut dans les années 1990 un véritable manifeste. Entre héritage punk, expérimentations radicales et provocations assumées, ces créateurs ont transformé le podium en terrain de résistance esthétique.

De Kate Moss, éternelle icône capturée par Juergen Teller, aux silhouettes incendiaires de l’« impératrice du punk », The 90s promet une relecture vibrante d’une décennie qui n’a jamais vraiment cessé de hanter notre imaginaire collectif.

The 90s, du 1er octobre 2026 au 14 février 2027, Tate Modern, Londres. Plus de renseignements sur tate.org.uk

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Louis Vuitton Art Déco n’est pas une exposition comme les autres. Huit salles thématiques, plus de 300 pièces, des créations inédites et des reconstitutions à couper le souffle vous attendent. L’objectif ? Montrer comment Gaston-Louis Vuitton, petit-fils du fondateur, a transformé la maroquinerie en véritable art de vivre. Et le tout avec une élégance qui ferait passer le métro parisien pour un simple bus scolaire.

La visite commence dans la salle Historique, plongée totale dans l’univers familial d’Asnières. Ici, on comprend que Gaston-Louis n’était pas juste un héritier : c’était un explorateur du design, un touche-à-tout obsédé par le détail et la perfection. Les ateliers, les malles, les croquis… chaque élément raconte une histoire où savoir-faire rime avec audace.

Puis vient 1925 : La consécration. Le stand original de l’exposition internationale est reconstitué dans les moindres détails. Imaginez un diorama grandeur nature, des photographies d’archives, et une ambiance digne d’un film muet où le glamour est roi. Louis Vuitton, chef de file de la « classe 9 » dédiée à la maroquinerie, est acclamé sur la scène internationale, et chaque pièce exposée témoigne de l’ingéniosité de la Maison.

Manifeste Art Déco est ensuite un festival pour les yeux : malles automobiles, secrétaires à chaussures, sacs du soir géométriques… tout est pensé pour être pratique, beau et résolument moderne. Ici, le luxe ne se contente pas de briller : il se plie à la vie quotidienne avec style.

L’exposition ne s’arrête pas là. Élégance et Beauté at Louis Vuitton révèle le côté un peu fou de l’art de vivre à la française : porte-habit Milano, nécessaire de la cantatrice Marthe Chenal… des pièces qui ressemblent à des objets d’art autant qu’à des accessoires du quotidien. Et si vous pensiez que les vitrines étaient juste des vitrines, détrompez-vous. Dans L’Art des vitrines, Gaston-Louis les transforme en scènes poétiques, jouant avec lumière, perspective et imagination. Le sac Champs-Élysées n’a jamais été aussi photogénique.

Couleurs, formes et matériaux explore ensuite le langage visuel de l’Art Déco, entre audaces chromatiques, matériaux nobles et silhouettes architecturées. Puis Du dessin à la publicité démontre que chaque création Vuitton est pensée dans sa globalité : motifs octogonaux, nuages emblématiques et dessins stylisés montrent que la communication est aussi un art.

Enfin, La Beauté en voyage conclut le parcours en beauté. Ici, passé et présent se rencontrent : archives des années 1920, silhouettes contemporaines de Nicolas Ghesquière, visions jazz de Pharrell Williams, souvenirs de Marc Jacobs et Kim Jones… l’histoire s’écrit.

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Disons-le franchement : ce n’est pas un musée poussiéreux où l’on chuchote en chaussettes molletonnées. Ici, on ne contemple pas Bowie, on explore David, presque comme on fouillerait dans son placard ou son cerveau. On tombe tour à tour sur la combinaison asymétrique de Kansai Yamamoto, la veste zébrée d’Aladdin Sane ou encore le smoking de mariage signé Thierry Mugler. C’est un peu comme si les alter ego du Thin White Duke s’étaient donné rendez-vous dans la même pièce, prêts à repartir en tournée.

Mais la vraie surprise, c’est que le centre propose un programme baptisé Order an Object. En clair : vous pouvez réserver un tête-à-tête avec une pièce d’archive. Imaginez : vous, un carnet de Bowie, une table, et ce silence un peu électrique des secrets qui s’ouvrent. Ça change des audioguides monocordes.

En fait, ce lieu fonctionne comme David Bowie lui-même : impossible à enfermer dans une case. À la fois laboratoire, sanctuaire et aire de jeux interstellaire, il brouille les genres, mélange les codes et refuse la nostalgie facile. Parce que David Bowie n’était pas qu’un chanteur — il était une machine à métamorphoses, un perturbateur en chef, un Starman qui a pris Londres pour rampe de lancement.

Le David Bowie Centre est une archive vivante, une invitation à se perdre dans l’inattendu. Comme si, en franchissant ses portes, on entrait nous aussi dans une nouvelle orbite. Ziggy n’est peut-être pas mort, après tout.

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Mais d’abord, qui sont ces fameux “Crows” ? Le terme remonte aux années 1970 et 80, lorsque Rei Kawakubo, fondatrice de Comme des Garçons, posait les bases d’un vestiaire radical et volontairement désaccordé. Ses adeptes – vêtus de noir, drapés dans des silhouettes asymétriques et impénétrables – arpentaient les rues comme des volatiles d’un autre monde. Ils n’étaient pas là pour séduire, mais pour signifier. Un look sombre, anti-commercial, souvent perçu comme une énigme visuelle : le corbeau comme manifeste.

Depuis le 1er août et jusqu’au 17 prochain, Aro Archive transforme son espace en volière de haute volée. Plus d’une cinquantaine de pièces rares sont exposées, retraçant cinq décennies de créations signées Kawakubo. L’exposition suit un fil narratif en deux temps : la première semaine met en scène les silhouettes sombres des fans de la première heure, tandis que la deuxième semaine explore la face plus ludique de la marque – avec en point d’orgue une plongée dans la célèbre collection “Body Meets Dress, Dress Meets Body” de 1997, surnommée “Lumps and Bumps”.

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Avec ses excroissances molles cousues à même le tissu, ses bosses irrégulières et ses volumes mutants, cette collection reste l’un des actes les plus déroutants et visionnaires de la mode contemporaine. Elle a influencé de nombreux créateurs – de Marc Jacobs à Duran Lantink – qui continuent d’y puiser un imaginaire déformé, absurde, profondément humain.

Aro Archive, spécialiste reconnu des pièces d’archives introuvables, ne se contente pas d’exposer : la plupart des vêtements seront disponibles à la vente. Un rêve éveillé pour les collectionneurs, ou les amateurs d’anomalies vestimentaires prêtes à intégrer un dressing.

Entrée libre, regards aiguisés recommandés. Plus d’informations (et quelques aperçus) à retrouver sur le compte Instagram Aro Archive

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Quand Louis Vuitton part en voyage, ce n’est jamais léger. Pour marquer l’Exposition universelle de 2025, la griffe au Monogram s’offre un passage en fanfare au Nakanoshima Museum of Art, à Osaka, avec une exposition aussi dense qu’un coffre ancien fermé à double tour. Visionary Journeys retrace 170 ans de maison, 150 ans d’amour (assumé) pour le Japon, et près de 1000 objets déballés pour l’occasion, dont 200 pièces exclusivement japonaises. Ce n’est plus une expo, c’est un périple à travers l’histoire du goût, du style et du dialogue interculturel.

L’exposition s’organise en douze salles comme autant de chapitres d’un carnet de voyage. L’une des plus frappantes : “Louis Vuitton in Japan”. On y découvre entre autres un nécessaire de toilette inspiré des tsubas, ces gardes de sabres samouraï devenues objets de design pour globe-trotteurs chics. Le choc des époques, l’élégance des formes.

À deux pas, une estampe de Hokusai datant de 1833 (la cascade de Kirifuri) voisine avec un puzzle ancien commandé par Sacha Guitry — même motif, même vague d’esthétisme. Mention spéciale à une vitrine de 1921, en forme de jardin japonais, conçue pour célébrer la venue du futur empereur Hirohito à Paris. Oui, Gaston-Louis Vuitton savait recevoir.

Japon, mon amour

Contrairement à ce que l’on pourrait croire, cette fascination ne date pas de la dernière collab’ avec un artiste tokyoïte. Elle remonte à 1874, quand un certain Sameshima Naonobu, diplomate japonais, devient le tout premier client japonais connu de la maison. Portrait et registre de comptes à l’appui, l’exposition sort les preuves. Plus tôt encore, dès l’Exposition universelle de 1867, la famille Vuitton commence à collectionner des œuvres japonaises. Coup de foudre confirmé.

Le Monogram, ce motif qui cache un kimono

Le mythique Monogram de 1896 n’échappe pas au regard historien. Et si ses fleurs stylisées, souvent attribuées à la tradition européenne, avaient en fait un petit parfum d’estampe japonaise ? C’est ce que l’exposition explore en comparant notamment un coffre ayant appartenu au shogun Tokugawa (prêté par le musée Guimet) et les motifs emblématiques de Vuitton. Le clou : l’échantillon original du dépôt de modèle Monogram, exposé pour la première fois, dans une salle circulaire constellée de sacs tournant autour de lui comme des planètes autour du soleil. Oui, il y a du cosmos dans la maroquinerie.

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Murakami, Abloh, Ghesquière : la suite d’un manga mode

Impossible de parler Japon sans évoquer les créateurs et artistes contemporains qui ont prolongé la romance. De Takashi Murakami, premier invité à “vandaliser” la toile Monogram en 2002, à Virgil Abloh et ses sacs inspirés des carpes Koi, en passant par Kim Jones et ses silhouettes kimonoïdes, ou Nicolas Ghesquière et ses robes aux allures de guerrières nippones, tous ont injecté un peu de Tokyo dans le vestiaire de la maison.

On croise aussi dans l’exposition des pièces nées de collaborations cultes avec Comme des Garçons, Hiroshi Fujiwara, Kansaï Yamamoto, ou Nigo. Plus qu’un simple clin d’œil, une conversation culturelle au long cours — où l’art du voyage se mêle à celui de la rencontre.

“Visionary Journeys” — jusqu’au 17 septembre 2025 au Nakanoshima Museum of Art, Osaka. Plus de renseignements sur louisvuitton.com

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Swarovski annonce l’installation de son exposition Masters of Light à Los Angeles, à partir du 29 octobre 2025. Après avoir été présentée à Vienne, Milan, Shanghai et Séoul, cette rétrospective marquera une nouvelle étape dans le cadre des célébrations du 130e anniversaire de la marque. L’exposition prendra ses quartiers en Californie, dans la capitale mondiale du cinéma, un choix stratégique pour une maison dont les créations ont accompagné de nombreuses productions hollywoodiennes depuis des décennies.

La scénographie de l’exposition mettra en lumière les liens historiques entre Swarovski et Hollywood. De Marilyn Monroe à Beyoncé, les cristaux de la maison ont paré les costumes de scène, les tenues de gala et les plateaux de tournage. Ce lien sera au cœur du parcours proposé aux visiteurs. Conçue par Giovanna Engelbert, directrice artistique de Swarovski, et imaginée en collaboration avec le journaliste de mode Alexander Fury, l’exposition se veut immersive et multisensorielle.

Parmi les pièces phares : des robes haute couture ornées de cristaux, des objets d’archives rares et un espace dédié aux Swarovski Created Diamonds, ces diamants de laboratoire qui symbolisent la volonté de la marque d’investir dans l’innovation technologique et le luxe durable.

Une stratégie de marque assumée

En choisissant Los Angeles comme prochaine étape, Swarovski confirme son ambition de renforcer sa visibilité culturelle et commerciale à l’international. « Masters of Light est notre façon de célébrer 130 ans de joie partagée avec le monde », déclare Alexis Nasard, PDG de la maison. « C’est un hommage à l’art, au savoir-faire et à la joie qui caractérisent Swarovski. »

L’exposition s’inscrit dans une tendance plus large observée chez plusieurs grandes maisons de luxe, qui investissent dans des formats culturels pour toucher de nouveaux publics. Giorgio Armani a ainsi organisé une exposition à Milan pour les 20 ans de sa ligne couture, tandis que Buccellati présentait récemment une rétrospective à Venise.

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Un nouveau visage pour une nouvelle génération

Parallèlement à ses initiatives culturelles, Swarovski a récemment opéré un tournant en matière de communication. En 2024, la maison a nommé la chanteuse Ariana Grande ambassadrice mondiale. Cette collaboration, accompagnée d’une collection capsule, vise à rajeunir l’image de la marque et à renforcer son impact sur les réseaux sociaux et auprès des consommateurs plus jeunes.

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Depuis plusieurs décennies, Georg Baselitz peint ses œuvres au sol, dans son atelier sur les rives du lac Ammer, en Bavière. Confronté au poids des années, il a récemment adapté ses méthodes. Après avoir utilisé son déambulateur comme instrument de création, il fait désormais rouler son fauteuil directement sur la toile. Résultat ? De longues lignes continues sillonnent ou enserrent les silhouettes peintes, leur conférant un aspect spectral et fragmenté.

Les toiles monumentales — certaines atteignent près de quatre mètres de haut — représentent toujours le couple formé par l’artiste et sa femme Elke, souvent renversé, parfois presque effacé. Les couleurs pâles et les fonds gris profonds renforcent cette impression de disparition progressive, soulignée par les traces laissées par les roues. Deux œuvres se distinguent néanmoins par un fond bleu ciel et un vert d’eau plus lumineux.

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Outre la peinture, l’exposition marque aussi le retour de Baselitz à la sculpture, qu’il n’avait plus pratiquée depuis une décennie. À l’entrée de la galerie, une imposante figure noire en bronze accueille le visiteur : un corps totémique, sans visage, aux membres démultipliés, rappelant les premières sculptures exposées à Pantin en 2012.

Le parcours s’achève avec un ensemble de dessins à l’encre noire ou rouge, réalisés récemment. Plus bruts, plus spontanés, ces croquis révèlent un trait tremblant mais habité, dans la lignée de figures telles que Tracey Emin, que Baselitz admire ouvertement.

Loin d’un adieu ou d’un repli, Ein Bein von Manet aus Paris témoigne d’un artiste qui, malgré les limites physiques, refuse de ralentir. En intégrant son propre corps et ses outils de mobilité dans l’acte de création, Georg Baselitz signe une œuvre à la fois intime, radicale et intensément présente.

Galerie Thaddaeus Ropac – Paris Pantin – 69, avenue du Général Leclerc 93500 Pantin. t/ +33 (0)1 55 89 01 10. paris.pantin@ropac.net. Plus d’informations sur ropac.net

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