Chez Basquiat, les couronnes étaient partout. Au cinéma, elles risquent désormais de se disputer. Le 21 octobre, Kid Cudi a annoncé qu’il incarnerait le peintre dans Jean, un biopic qu’il réalisera lui-même, avec un tournage prévu en 2027. Le rappeur, qui revendique l’influence de l’artiste sur sa carrière, a déjà dévoilé quelques premières images du projet.

Mais il n’est pas seul sur la ligne de départ. Avec Samo Lives, le réalisateur Julius Onah prépare lui aussi un film consacré au prodige du street art. Kelvin Harrison Jr. incarnera Basquiat, tandis qu’Antony Starr prêtera ses traits à Andy Warhol. Danny Ramirez, Dane DeHaan, Kathryn Newton et Jeffrey Wright complètent le casting. Ce dernier avait déjà joué le peintre dans Basquiat, le film de Julian Schnabel sorti en 1996.

Basquiat, toujours aussi bankable

Graffeur devenu star des galeries, Jean-Michel Basquiat a bouleversé les codes de l’art contemporain avec ses couleurs explosives, ses couronnes et ses figures tourmentées. Mais derrière l’icône se cache une histoire bien plus complexe, traversée par les questions de racisme, de reconnaissance et de pouvoir.

C’est précisément là que ces deux biopics seront attendus au tournant. Au-delà des tableaux célèbres et du New York underground des années 1980, sauront-ils raconter l’homme derrière la légende ?

Pour l’instant, Samo Lives et Jean n’ont pas de date de sortie annoncée. En tout cas, Basquiat continue de régner sur la pop culture. Même disparu à 27 ans, il trouve encore le moyen de faire courir Hollywood après sa couronne.

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À Paris, du 20 au 25 octobre, l’art ne se contente pas d’occuper le Grand Palais : il s’invite partout où il y a une vitrine, un logo et, idéalement, quelques collectionneurs fortunés. À l’occasion d’Art Basel Paris, les maisons de mode, de beauté et les concept-stores rivalisent d’imagination pour prouver qu’elles ont aussi une âme artistique. Au programme : des expositions, des performances, des livres, des parfums et beaucoup de concepts.

Dans le XVIe arrondissement, The ReSee Boutique joue la carte de la nostalgie chic avec des archives de Martin Margiela, dont les mythiques bottines Tabi, accompagnées de pièces vintage de Comme des Garçons et Yohji Yamamoto. Une plongée dans l’histoire de la mode où le vêtement ancien n’a rien de poussiéreux, surtout lorsqu’il est devenu introuvable.

Chez Dover Street Market Paris, le menu est plus copieux qu’un catalogue de musée. Verre thermoformé, mousse industrielle, néons, vases crochetés et créations artisanales composent un parcours où tout semble pouvoir devenir une œuvre. Le concept-store ajoute à cette joyeuse accumulation des publications artistiques, une collaboration entre Otto 958 et Asics, une performance autour de jupes fabriquées à partir de stocks dormants et des parfums présentés comme des expériences sensorielles. Acheter un livre ou essayer des baskets n’aura décidément jamais été aussi conceptuel.

Sur les Champs-Élysées, Guerlain transforme sa boutique du numéro 68 en espace d’exposition avec L’Heure des Possibles, du 21 octobre au 15 novembre. Trente-quatre artistes internationaux, parmi lesquels James Turrell, Ugo Rondinone et Laure Prouvost, explorent la lumière et les variations du crépuscule. Un hommage artistique à L’Heure Bleue, parfum créé en 1912 et réinterprété en 2026. Même le coucher du soleil a désormais droit à son lancement de produit.

Au Grand Palais, Louis Vuitton célèbre sept années de son projet Artycapucines. Du 23 au 25 octobre, quatorze artistes dévoilent leurs interprétations du sac Capucines, parmi lesquels Alex Israel, Urs Fischer et Tschabalala Self. Une nouvelle série consacrée à Keith Haring complète le parcours. Ici, le sac à main ne transporte plus seulement un téléphone et un portefeuille : il transporte une ambition artistique, soigneusement emballée dans une scénographie inspirée des caisses de transport d’œuvres.

Le programme prend une tournure plus engagée au Palais d’Iéna, où Miu Miu confie à la réalisatrice Alice Diop le projet Geste de Consolation. Photographies de Zanele Muholi, vidéos, lectures et performances de Nadia Beugré et Angel Bat Dawid composent un parcours consacré à la représentation des femmes noires. La mode laisse ici les podiums de côté pour ouvrir un espace de réflexion sur les images, les identités et la mémoire.

Enfin, chez Long Story Short, la peintre japonaise Tomona Matsukawa explore les silences du quotidien dans l’exposition What Slips By, tandis que The ReSee rappelle que les archives vestimentaires peuvent être aussi désirables que les nouveautés les plus coûteuses.

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La mode arabe a de nouveaux ambassadeurs, et ils ne comptent pas se contenter de faire de la figuration. Dans les murs de l’Institut du monde arabe, à Paris, la deuxième édition du Prix de la mode du monde arabe a célébré une génération de créateurs bien décidée à bousculer les codes. Lancée en 2025, la distinction entend mettre en lumière les talents qui réinventent les imaginaires du Maghreb et du Moyen-Orient, loin des clichés orientalistes.

Parmi les trente-quatre finalistes, Ayham Hassan a tiré son épingle du jeu en remportant le prix du Talent émergent. Un sacre qui tombe à point nommé pour ce diplômé de la prestigieuse Central Saint Martins de Londres, promotion 2025, déjà repéré par Vogue, i-D et Dazed. Son travail a également été présenté à Venise, au sein de la fondation du créateur Dries Van Noten. De quoi confirmer que le jeune designer n’a pas seulement de bonnes idées, mais aussi un vestiaire qui commence sérieusement à faire parler de lui.

Le passé n’a jamais été aussi bien habillé

Chez Ayham Hassan, l’artisanat n’est pas un argument marketing cousu à la dernière minute sur une étiquette. C’est le cœur même de sa démarche. Entre Londres et Ramallah, le créateur travaille avec des brodeuses et des artisans du Liban, notamment, dont il mobilise les savoir-faire pour imaginer des silhouettes contemporaines. Une manière de rappeler que les techniques anciennes n’ont rien de poussiéreux et que la tradition, contrairement à certaines idées reçues, sait parfaitement se renouveler.

Broderies, matières récupérées, gestes transmis de génération en génération : chaque détail participe à une réflexion sur ce que le vêtement peut raconter. Le designer ne se contente pas de préserver un patrimoine artisanal ; il le déplace, le transforme et lui offre de nouvelles perspectives. L’héritage devient ainsi une matière première à part entière, au même titre que la laine ou le fil.

Sa collection IM-Mortal Magenta : The Color That Doesn’t Exist, présentée au jury, illustre cette approche. Le vêtement y prend des allures d’armure, de refuge et d’affirmation de soi. Les silhouettes interrogent le rapport entre le corps et ses limites, tout en faisant dialoguer fragilité et puissance. Une garde-robe qui ne cherche pas simplement à séduire, mais à exprimer quelque chose – sans pour autant renoncer à l’ambition esthétique.

Une affaire de famille

Dans l’univers d’Ayham Hassan, la création se joue aussi loin des podiums. Sa mère, sa sœur, ses tantes et ses oncles participent à donner vie à ses idées, aux côtés des artisans avec lesquels il collabore. La transmission n’est donc pas un concept abstrait, mais une affaire de mains, de temps et de liens humains.

Un châle de sa collection en offre une illustration particulièrement personnelle. Réalisé à partir de laine issue de fins de stock récupérés localement, il a été en grande partie crocheté et brodé par sa mère. Plus qu’un accessoire, la pièce incarne une conception de la mode où la fabrication compte autant que le résultat, et où l’histoire du vêtement ne s’arrête pas au moment où il quitte l’atelier.

Cette attention portée aux ressources disponibles rejoint également les préoccupations contemporaines autour de la durabilité. Réutiliser, transmettre, faire avec l’existant : autant de principes qui donnent à son travail une dimension responsable sans transformer chaque création en manifeste écologique.

Le monde arabe, nouveau terrain de jeu créatif

Présidé par la princesse Noura bint Faisal Al Saud, fondatrice de la Riyadh Fashion Week, le jury de cette deuxième édition réunissait notamment Pascal Morand, président exécutif de la Fédération de la Haute Couture et de la Mode, Émilie Hammen, présidente du Palais Galliera, et la créatrice Yasmina Chellali. Cinq distinctions ont été attribuées pour saluer les talents les plus prometteurs de la région.

Après KML, récompensé en 2025, Ayham Hassan inscrit son nom au palmarès du prix dans un contexte où les scènes créatives arabes gagnent en visibilité. Du Maroc au Soudan, du Liban à la Syrie, les créateurs revendiquent des identités multiples et des pratiques qui échappent aux catégories trop étroites. L’enjeu n’est plus seulement d’être représenté dans le paysage international de la mode, mais de participer à en redéfinir les contours.

Pour Ayham Hassan, cette dynamique repose avant tout sur la collaboration. Son ambition dépasse sa propre marque. Il souhaite contribuer à l’émergence d’un écosystème où les créateurs de la région et de la diaspora pourraient échanger leurs savoir-faire, croiser leurs expériences et faire grandir une nouvelle génération. En somme, moins de chapelles, davantage de passerelles.

Sa vision revendique aussi une mode ouverte à tous les corps, sans distinction de genre ni d’origine, capable d’aborder des sujets parfois laissés dans l’ombre. Une approche qui considère le vêtement comme un espace d’expression autant que comme un objet de désir.

Avec ce prix, Ayham Hassan confirme qu’une autre idée du luxe est possible. Moins obsédée par le clinquant, plus attentive au geste, à la matière et aux personnes qui donnent forme aux vêtements. Et si l’avenir de la mode se jouait finalement dans ce savant mélange entre mémoire et mouvement, entre héritage et audace ?

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En 1962, Marilyn Monroe n’a besoin que de quelques secondes pour entrer définitivement dans la légende. Au Madison Square Garden, elle chante Happy Birthday, Mr. President à John Fitzgerald Kennedy. Sa voix est suave, son sourire ravageur et sa robe… disons qu’elle laisse peu de place à l’imagination.

Conçue par le costumier Jean Louis, la pièce est réalisée dans une mousseline de soie couleur chair et constellée de plus de 2 500 cristaux. Si elle est techniquement habillée, Marilyn donne surtout l’impression d’avoir enfilé quelques milliers de paillettes et oublié le reste. Le résultat est parfaitement calibré pour nourrir le mythe : une star au sommet, un président, des rumeurs de liaison et une robe qui joue avec la frontière entre glamour et nudité. Hollywood pouvait difficilement demander mieux.

De Marilyn à Kim, même robe, autre époque

Soixante ans plus tard, la robe ressort du placard pour le Met Gala 2022. Kim Kardashian l’emprunte au musée Ripley’s Believe It or Not! et la porte pour gravir les célèbres marches. Le coup médiatique est énorme. La polémique aussi. Bob Mackie, qui avait travaillé sur le croquis de la robe aux côtés de Jean Louis, dénonce l’utilisation de cette pièce historique. Pour lui, elle avait été conçue pour Marilyn et aurait dû rester intimement liée à son image.

Kim Kardashian prend pourtant mille précautions. Préparation minutieuse, entraînement pour monter les marches avec une robe aussi ajustée, puis changement pour une copie après son passage. Mais les photos feront apparaître des signes de détérioration.

Et c’est là que l’histoire devient délicieusement ironique : une robe imaginée en 1962 pour provoquer un scandale finit, soixante ans plus tard, par provoquer un débat sur la conservation du patrimoine.

Entre-temps, la « naked dress » est devenue un classique des tapis rouges. La mode l’a déclinée, amplifiée, démocratisée. Mais aucune n’a vraiment réussi à effacer l’originale. Parce que la robe de Marilyn Monroe ne se contente pas de montrer le corps. Elle raconte une époque, une star et un fantasme. Et surtout, elle rappelle une règle immuable de la célébrité : plus une robe semble ne rien cacher, plus elle a de choses à raconter.

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Pendant que les photographes traquent les silhouettes les plus improbables autour de Spring Studios et que la Fashion Week transforme chaque trottoir de Manhattan en défilé officieux, Moncler a choisi sa propre manière de faire sensation.

Direction la Cinquième Avenue, évidemment. Au numéro 767, dans le très chic General Motors Building, à deux pas de Central Park, la maison vient d’ouvrir le plus grand magasin phare de son histoire. Une adresse de 2 200 m² répartie sur deux niveaux, suffisamment vaste pour que l’on puisse presque y faire une randonnée – ce qui tombe plutôt bien puisque Moncler Grenoble y est également installé.

Et si l’on en croit la maison, il ne faudrait surtout pas appeler cela une simple boutique. « Lieu de rencontre, de découverte et d’échanges culturels », « expérience digne d’un musée », « espace vivant » : le vocabulaire est posé. Ici, le shopping entend visiblement faire concurrence aux institutions culturelles de Manhattan.

Quand la montagne rencontre les gratte-ciel

Remo Ruffini, président exécutif de Moncler, ne considère d’ailleurs pas cette inauguration comme une simple ouverture commerciale. Pour lui, le lieu doit « s’inscrire dans la vie des habitants de cette ville » et constituer une « puissante affirmation » de l’identité de Moncler à l’une des adresses les plus emblématiques du monde.

L’ambition est donc assez claire : créer un endroit qui ressemble autant à New York qu’à Moncler. Pour y parvenir, la maison a retrouvé son vieux complice : le studio de design français Gilles & Boissier, avec lequel elle collabore depuis plus de vingt ans. Ensemble, ils ont imaginé un espace aux allures de galerie, où l’architecture semble avoir décidé de prendre autant de place que les vêtements.

Dès l’entrée, les plafonds culminent à plus de huit mètres. Une manière de rappeler à la fois les sommets alpins chers à Moncler et les gratte-ciel qui ont fait la réputation de New York. Les colonnes monumentales structurent l’espace, tandis qu’un cabinet de curiosités indépendant accueille des installations saisonnières.

La façade, elle, ne risque pas de passer inaperçue. Du granit Saint Williams, de grandes surfaces vitrées et des bandes LED intégrées composent une signature lumineuse censée évoquer l’énergie de Times Square. À l’intérieur, la pierre se prolonge dans les colonnes, les arches et les murs. Même le sol a droit à son moment de gloire : le fameux damier Moncler alterne surfaces polies et textures brutes. Quant aux imposants présentoirs en verre texturé, ils sont censés évoquer de monumentales cascades de glace.

Moncler, Genius et quelques chaussures

Une fois passée cette démonstration architecturale, il reste tout de même quelques vêtements à acheter. Le rez-de-chaussée rassemble les collections homme, femme et enfant de Moncler Collection, mais aussi les co-créations de designers issues de la plateforme Genius et les dernières nouveautés de la maison en matière de chaussures.

L’étage supérieur change radicalement d’ambiance. Il est entièrement consacré à Moncler Grenoble, la ligne haute performance de la maison. On y trouve donc tout ce qu’il faut pour affronter la montagne : vêtements et masques de ski, pièces d’après-ski, systèmes de superposition légers pour la randonnée et le trekking. En résumé, une garde-robe suffisamment complète pour donner envie de prendre immédiatement un billet pour les Alpes, même si l’on était venu à New York pour assister à un défilé.

Moncler Grenoble accueille également une sélection de partenaires triés sur le volet. Au programme : skis Stöckli, casques POC revisités par la marque et snowboards Whitespace x Moncler Grenoble, conçus avec Shaun White, ambassadeur de Moncler et légende du snowboard. Ici, même le matériel technique a droit au tapis rouge.

Et si votre doudoune devenait une pièce de collection ?

L’autre grande attraction du flagship est moins spectaculaire à première vue, mais nettement plus redoutable pour le portefeuille : le sur-mesure. À l’occasion de l’ouverture, Moncler lance en exclusivité à New York Moncler to Measure, un atelier de confection à la demande qui doit ensuite arriver à Paris.

Quatre modèles sont proposés dans des matières particulièrement luxueuses : flanelle de cachemire, soie, cuir, daim, peau lainée ou encore fil coupé à l’aspect duveteux. Et parce qu’une doudoune classique serait décidément trop simple, les clients peuvent personnaliser leur pièce avec différents ornements. Clous métalliques en fines rayures, carreaux brodés à la main, cristaux, fleurs en relief découpées au laser ou broderies de perles : l’idée est moins « je vais acheter un manteau » que « je vais commander une œuvre portable ».

Produite en quantités limitées, la collection Moncler to Measure sera disponible dans la nouvelle boutique de la Cinquième Avenue dès son ouverture, avant son arrivée à Paris, à la boutique Moncler des Champs-Élysées, le 15 septembre.

Plus de renseignements sur moncler.com

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Il aura fallu patienter plusieurs mois, mais le suspense a finalement pris fin cet après-midi. Devant un parterre d’invités et un jury qui ressemble davantage à un casting de rêve de la mode qu’à un simple comité de sélection – Jonathan Anderson, Maria Grazia Chiuri, Marc Jacobs, Stella McCartney, Nigo, Michael Rider et Delphine Arnault en tête – les trois grands prix de cette édition 2026 du Prix LVMH ont livré leur verdict.

Parmi les neuf finalistes annoncés en avril, trois noms ont donc tiré leur épingle du jeu. Et la grande gagnante du Prix LVMH est belge, s’appelle Julie Kegels, et semble avoir trouvé une jolie manière de mettre un peu de désordre dans le vestiaire féminin.

Julie Kegels, la Belge qui habille toutes les femmes à la fois

Fondé en 2024, le label Julie Kegels ne s’embarrasse pas vraiment des cases. Son terrain de jeu ? Le vestiaire féminin, envisagé comme un territoire à géométrie variable où chaque silhouette raconte une identité différente.

La créatrice, formée à l’Académie royale des beaux-arts d’Anvers – passage presque incontournable lorsqu’on ambitionne de secouer sérieusement la mode belge – a notamment travaillé aux côtés de Pieter Mulier et Meryll Rogue. Une formation qui se retrouve dans des collections mêlant silhouettes sculpturales, techniques artisanales et matériaux durables.

Son inspiration, elle, ne vient pas uniquement des podiums. Julie Kegels puise dans les souvenirs personnels, les espaces domestiques et les petites bizarreries de la vie moderne. Autrement dit : la maison, la mémoire et le quotidien passent eux aussi à la machine à laver créative.

Le résultat séduit le jury. À la clé : 400 000 euros, ainsi qu’un mentorat personnalisé d’un an assuré par les équipes de LVMH. De quoi transformer une jeune maison prometteuse en entreprise beaucoup moins jeune – du moins financièrement.

Zane Li, le sport passe en haute couture

Le Prix Karl Lagerfeld revient quant à lui à Zane Li, créateur chinois installé à New York et fondateur du label LII.

Diplômé du Fashion Institute of Technology en 2023, il n’aura pas perdu beaucoup de temps entre les études et la création de sa propre marque : sa première collection, consacrée à l’automne-hiver 2024, était déjà sur les rails.

Son univers joue sur une rencontre particulièrement musclée : le sport et la haute couture. Zane Li réinterprète des formes audacieuses et des silhouettes affirmées en travaillant des matières aux textures riches et une palette de couleurs résolument contemporaine.

Le jury lui attribue 200 000 euros, accompagnés, là encore, d’un mentorat d’un an par le groupe LVMH. Une manière de rappeler qu’en mode, avoir du talent est une chose, mais savoir quoi en faire – et comment le financer – en est une autre.

Anil Padia remet le crochet au milieu du podium

Enfin, le Prix des Savoir-Faire récompense le designer indo-kenyan Anil Padia et son label Yoshita 1967.

Sa spécialité ? Le crochet. Oui, celui que l’on associe volontiers aux après-midi créatifs, aux napperons et aux pelotes de laine. Sauf qu’entre les mains d’Anil Padia, le crochet devient un véritable langage artistique.

Le créateur s’intéresse notamment à l’identité, à la mémoire et au tabou, tout en mettant en avant le savoir-faire manuel et les communautés qui perpétuent ces techniques au Kenya. Une façon de faire dialoguer le passé et le présent sans demander à l’artisanat de rester gentiment enfermé dans une vitrine.

Le prix lui offre 200 000 euros et un an de mentorat consacré à la transmission des compétences, à la préservation des savoir-faire et au développement éco-responsable de ses collections.

Trois prix, trois façons de faire bouger les lignes

Cette édition 2026 aura donc consacré trois visions très différentes de la mode : Julie Kegels et son vestiaire sculptural et intime, Zane Li et son dialogue entre sport et couture, Anil Padia et la réinvention d’un artisanat profondément ancré dans la mémoire collective.

Trois créateurs, trois univers et surtout une même idée : la mode de demain n’a visiblement aucune intention de demander la permission avant de pousser les murs.

Pour Julie Kegels, la prochaine étape s’annonce particulièrement intéressante. Avec 400 000 euros en poche et les équipes de LVMH à ses côtés pendant un an, la créatrice belge dispose désormais des moyens de donner davantage d’ampleur à une maison qui n’a même pas encore soufflé sa deuxième bougie.

Anvers peut donc commencer à sabrer le champagne. Et Julie Kegels, elle, peut retourner travailler. Avec 400 000 euros de plus dans le budget, évidemment.

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Et si, pour une fois, on pouvait boire son parfum ? Pas littéralement, heureusement. Mais presque. Le mercredi 9 septembre 2026, Chloé Parfums s’associe à Nocibé pour transformer, le temps d’une journée, La Patate Douce, dans le 3ᵉ arrondissement de Paris, en véritable terrain de jeu sensoriel.

De 10h à 17h, le coffee shop accueillera une expérience imaginée autour de l’univers délicat, lumineux et résolument féminin de Chloé. Ici, les accords gourmands croiseront les signatures olfactives de la Maison, dans un rendez-vous lifestyle où parfum et art de vivre se répondent joyeusement.

Du parfum… à siroter

Pour l’occasion, les 300 premiers visiteurs repartiront avec une attention plutôt séduisante : une boisson signature, à choisir parmi deux créations inédites inspirées des facettes olfactives de Chloé Eau de Parfum et de Chloé Le Nectar, la nouvelle interprétation de la franchise Signature.

Et parce qu’un parfum peut décidément avoir plusieurs vies, chaque bénéficiaire recevra également une miniature de 5 ml de Chloé Le Nectar. Tout au long de la journée, des échantillons de Chloé Le Nectar seront par ailleurs distribués aux visiteurs. De quoi découvrir progressivement cette nouvelle fragrance au sillage floral, généreux et addictif – sans avoir besoin de vider son flacon sur son poignet.

Chloé Le Nectar, le parfum qui prend son temps

Lancé dans la continuité des fragrances iconiques de la Maison, Chloé Le Nectar revendique une sensualité plus chaleureuse, tout en conservant cette liberté spontanée qui constitue l’ADN de Chloé.

La Maison, fondée en 1952 par Gaby Aghion, Parisienne d’origine égyptienne, avait dès ses débuts une ambition singulière : libérer les femmes des carcans de la mode formelle et leur permettre d’être elles-mêmes. Dans les années 1970, cet esprit de liberté devient l’une des signatures de Chloé. Aujourd’hui, sous la direction créative de Chemena Kamali, cette philosophie continue de s’exprimer avec une allure intuitive, naturelle et sans effort.

Avec Le Nectar, Chloé explore cette fois une féminité plus solaire et sensuelle, quelque part entre nostalgie seventies et modernité assumée.

Un gourmand néo-vintage, entre lumière et chaleur

Imaginé par le parfumeur Romain Almairac, Le Nectar joue sur un contraste : celui de la chaleur des parfums vintage confrontée à une féminité contemporaine, lumineuse et aérienne. La fragrance s’ouvre sur la fraîcheur pétillante de la bergamote, avant de dévoiler un cœur floral opulent où se mêlent huile essentielle de néroli, absolue de fleur d’oranger et absolue de rose. Le résultat se veut mielleux, lumineux et enveloppant.

En fond, l’absolue de tonka, l’accord ambré et l’essence de patchouli apportent profondeur et chaleur, tandis que l’ambroxan, le cashmeran et le bois de santal prolongent le sillage dans une douceur boisée. Un parfum construit sur les contrastes, donc : structuré mais libre, nostalgique mais contemporain, sensuel sans jamais perdre son côté aérien.

Et le flacon ? Toujours aussi Chloé

Impossible de parler de Chloé sans évoquer l’objet. Le Nectar reprend le célèbre flacon en verre plissé de la Maison, cette fois habillé d’une teinte ambrée chaleureuse et noué d’un ruban beige doré.

La fragrance est proposée en 30, 50 et 100 ml, dans des formats rechargeables. Une façon de faire durer le plaisir – et de revenir encore et encore à ce parfum qui entend accompagner les femmes à leur propre rythme.

Nocibé ajoute sa petite touche

Pour prolonger l’opération au-delà de cette journée parisienne, Nocibé réserve également une attention exclusive à ses clientes. Jusqu’à fin septembre, un porte-clés Chloé Parfums est offert dès 85 € d’achat de produits Chloé Parfums, dans les magasins participants ou sur le site de Nocibé.

Chloé Parfums x Nocibé – La Patate Douce
3 rue Borda, 75003 Paris
Mercredi 9 septembre 2026, de 10h à 17h
Événement ouvert au public – entrée libre

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Dior troque les temples japonais contre les pubs irlandais – ou presque. Pour son prochain grand voyage hivernal, la maison de l’avenue Montaigne met le cap sur Dublin. Le vendredi 4 décembre, la capitale irlandaise accueillera pour la première fois de son histoire un défilé Dior, à l’occasion de la présentation de la collection Automne – Hiver 2027.

Et pas question de faire les choses à moitié. La maison a choisi le chic Trinity College, plus ancienne université d’Irlande, et plus précisément son mythique Old Library. Avec ses boiseries, ses rayonnages monumentaux et son atmosphère de bibliothèque gothique pour sorciers distingués, l’édifice du XVIIIe siècle devrait offrir un décor à la hauteur des ambitions de la maison. Autrement dit, Jonathan Anderson a réservé l’Histoire.

Jonathan Anderson revient là où tout a commencé

Pour le directeur artistique de Dior, le choix de Dublin est loin d’être un simple coup de cœur architectural. La ville possède une résonance personnelle. C’est ici que Jonathan Anderson a commencé sa carrière dans la mode.

Défiler au Trinity College Dublin est un rêve devenu réalité

explique-t-il.

J’ai commencé ma carrière dans la mode à Dublin, donc y revenir revêt une signification très personnelle.

Le créateur, désormais aux commandes de Dior, aura donc l’occasion de revenir sur les lieux de ses débuts avec, au passage, une collection Automne – Hiver 2027 et probablement quelques milliers de regards rivés sur lui. Une manière particulièrement élégante de boucler la boucle : commencer à Dublin, puis y revenir à la tête de l’une des maisons les plus prestigieuses de la planète.

Dior, ou l’art de transformer un défilé en voyage

Depuis plusieurs années, les collections Fall de Dior ne se contentent plus de défiler entre quatre murs parisiens. La maison aime voyager, et surtout faire de ses destinations des personnages à part entière du spectacle.

En 2025, Dior avait ainsi investi le temple To-ji de Kyoto, au Japon. En 2024, direction New York et le Brooklyn Museum. En 2023, la maison avait posé ses silhouettes devant la Porte de l’Inde, à Mumbai. Un an plus tôt, c’était l’université pour femmes EWHA de Séoul qui servait d’ambiance.

Quand Dublin inventait déjà Dior avant Dior

Mais derrière le choix esthétique se cache un clin d’œil historique particulièrement savoureux.

Dublin est la ville natale de Carmel Snow, figure légendaire de la presse de mode et directrice de l’édition américaine de Harper’s Bazaar. C’est elle qui, en février 1947, aurait lancé l’expression « New Look » après avoir assisté au tout premier défilé de Christian Dior.

La scène est devenue mythique. Christian Dior vient de présenter sa première collection à Paris et Carmel Snow, frappée par la révolution esthétique proposée par le jeune couturier, baptise ce nouveau langage vestimentaire d’un nom appelé à entrer dans l’histoire. Près de huit décennies plus tard, Dior revient donc à Dublin.

Avec Jonathan Anderson aux commandes, cette escale irlandaise prend évidemment une dimension supplémentaire. Le créateur britannique, dont le parcours est intimement lié à l’Irlande, s’apprête à écrire un nouveau chapitre de l’histoire de Dior dans une ville qui en a déjà écrit un avant même que la maison n’existe sous sa forme actuelle. Pour la maison française, le prochain « New Look » aura un très léger accent irlandais.

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Les producteurs de Lux Vide, filiale du groupe Fremantle, ont confirmé le lancement de cette ambitieuse production consacrée à la vie et à l’œuvre du créateur italien, décédé le 4 septembre 2025 à l’âge de 91 ans. Une disparition qui avait marqué le monde de la mode après plus d’un demi-siècle de carrière au sommet.

Pour raconter cette épopée, la maison Giorgio Armani a accepté d’ouvrir ses portes comme rarement auparavant. Les équipes de tournage auront accès à des costumes emblématiques, des robes ayant marqué l’histoire de la haute couture, mais aussi aux archives de la maison. Plusieurs lieux intimement liés à la vie du couturier serviront également de décors, offrant une immersion inédite dans l’univers de celui qui a bâti un empire du luxe.

La date de diffusion n’a pas encore été annoncée, mais les ambitions sont déjà clairement affichées. Les producteurs promettent de retracer le destin de l’homme qui a « changé la notion d’élégance » et profondément influencé l’histoire de la couture à l’échelle mondiale. Plus qu’une simple biographie, la série entend explorer l’héritage artistique d’un créateur dont les lignes simples, les vestes déstructurées et le raffinement intemporel ont redéfini les codes du vêtement moderne.

« Une histoire de génie, de travail et d’amour qui a permis à Giorgio Armani de créer un univers de style admiré dans le monde entier », résume Lux Vide dans son communiqué. Une formule qui annonce un récit aussi intime qu’ambitieux, mêlant succès professionnels, parcours personnel et naissance d’une marque devenue synonyme d’élégance dans tous les continents.

Pour porter cette histoire à l’écran, les producteurs ont fait appel à Ferzan Ozpetek. Le réalisateur, connu pour des films comme Napoli velata et Nuovo Olimpo, apportera sa sensibilité visuelle et son goût pour les récits profondément humains. Il signe également le scénario aux côtés de Francesco Arlanch, avec la volonté de dépasser le simple biopic pour dresser le portrait d’un homme qui a fait de la sobriété une révolution esthétique.

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Ici, les pieds ne sont plus de simples extrémités oubliées au bout des jambes. Ils deviennent les véritables VIP de la boutique. Au programme, un espace de co-création où les clients peuvent faire bichonner leurs Birkenstock grâce aux produits d’entretien de la marque, mais aussi personnaliser leurs chaussures avec un service de gravure. Parce qu’après tout, pourquoi une sandale n’aurait-elle pas droit à son monogramme ?

Et si cela ne suffit pas à convaincre les adeptes du confort ultime, Birkenstock pousse le concept encore plus loin avec un véritable espace de soins des pieds. Sur rendez-vous, les visiteurs peuvent profiter de soins utilisant la gamme Care Essentials de la marque. Une pédicure avant d’enfiler une paire de Boston ? Voilà une montée en gamme que peu de fabricants de chaussures avaient osé imaginer.

Le cadre, lui aussi, joue la carte de l’immersion. Les codes du bien-être oriental rencontrent l’univers de la santé du pied. Dès l’entrée, une monumentale installation reproduisant la célèbre semelle anatomique accueille les visiteurs comme une œuvre d’art contemporain dédiée au liège et au latex. Plus loin, un mur d’archives raconte plus de 250 ans d’histoire de la maison allemande, preuve que la sandale ergonomique possède désormais son propre patrimoine culturel.

Le clou du spectacle reste sans doute l’espace d’essayage des semelles anatomiques. Inspiré des meubles d’apothicaires de la médecine traditionnelle chinoise, il invite les clients à tester différentes pointures de semelles avant de choisir leur chaussure. Une expérience qui ressemble davantage à une consultation de médecine douce qu’à une séance de shopping.

Les collections ? Birkenstock ne fait pas les choses à moitié. Les incontournables Arizona, Boston et Madrid côtoient les collections saisonnières, les chaussures fermées ainsi que les modèles professionnels et pour enfants. De quoi chausser toute la famille, du bébé jusqu’au médecin de garde.

Cette ouverture confirme surtout les ambitions de Birkenstock en Chine. Après une boutique éphémère lancée l’an dernier à Shanghai, puis transformée en concept store permanent à Zhangyuan, la marque accélère son implantation sur l’un des marchés les plus stratégiques du luxe et du lifestyle.

Pendant ce temps, l’expansion continue aussi en Europe, où Birkenstock a récemment inauguré son trentième magasin exploité en propre à prix plein.

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