Pendant que les photographes traquent les silhouettes les plus improbables autour de Spring Studios et que la Fashion Week transforme chaque trottoir de Manhattan en défilé officieux, Moncler a choisi sa propre manière de faire sensation.

Direction la Cinquième Avenue, évidemment. Au numéro 767, dans le très chic General Motors Building, à deux pas de Central Park, la maison vient d’ouvrir le plus grand magasin phare de son histoire. Une adresse de 2 200 m² répartie sur deux niveaux, suffisamment vaste pour que l’on puisse presque y faire une randonnée – ce qui tombe plutôt bien puisque Moncler Grenoble y est également installé.

Et si l’on en croit la maison, il ne faudrait surtout pas appeler cela une simple boutique. « Lieu de rencontre, de découverte et d’échanges culturels », « expérience digne d’un musée », « espace vivant » : le vocabulaire est posé. Ici, le shopping entend visiblement faire concurrence aux institutions culturelles de Manhattan.

Quand la montagne rencontre les gratte-ciel

Remo Ruffini, président exécutif de Moncler, ne considère d’ailleurs pas cette inauguration comme une simple ouverture commerciale. Pour lui, le lieu doit « s’inscrire dans la vie des habitants de cette ville » et constituer une « puissante affirmation » de l’identité de Moncler à l’une des adresses les plus emblématiques du monde.

L’ambition est donc assez claire : créer un endroit qui ressemble autant à New York qu’à Moncler. Pour y parvenir, la maison a retrouvé son vieux complice : le studio de design français Gilles & Boissier, avec lequel elle collabore depuis plus de vingt ans. Ensemble, ils ont imaginé un espace aux allures de galerie, où l’architecture semble avoir décidé de prendre autant de place que les vêtements.

Dès l’entrée, les plafonds culminent à plus de huit mètres. Une manière de rappeler à la fois les sommets alpins chers à Moncler et les gratte-ciel qui ont fait la réputation de New York. Les colonnes monumentales structurent l’espace, tandis qu’un cabinet de curiosités indépendant accueille des installations saisonnières.

La façade, elle, ne risque pas de passer inaperçue. Du granit Saint Williams, de grandes surfaces vitrées et des bandes LED intégrées composent une signature lumineuse censée évoquer l’énergie de Times Square. À l’intérieur, la pierre se prolonge dans les colonnes, les arches et les murs. Même le sol a droit à son moment de gloire : le fameux damier Moncler alterne surfaces polies et textures brutes. Quant aux imposants présentoirs en verre texturé, ils sont censés évoquer de monumentales cascades de glace.

Moncler, Genius et quelques chaussures

Une fois passée cette démonstration architecturale, il reste tout de même quelques vêtements à acheter. Le rez-de-chaussée rassemble les collections homme, femme et enfant de Moncler Collection, mais aussi les co-créations de designers issues de la plateforme Genius et les dernières nouveautés de la maison en matière de chaussures.

L’étage supérieur change radicalement d’ambiance. Il est entièrement consacré à Moncler Grenoble, la ligne haute performance de la maison. On y trouve donc tout ce qu’il faut pour affronter la montagne : vêtements et masques de ski, pièces d’après-ski, systèmes de superposition légers pour la randonnée et le trekking. En résumé, une garde-robe suffisamment complète pour donner envie de prendre immédiatement un billet pour les Alpes, même si l’on était venu à New York pour assister à un défilé.

Moncler Grenoble accueille également une sélection de partenaires triés sur le volet. Au programme : skis Stöckli, casques POC revisités par la marque et snowboards Whitespace x Moncler Grenoble, conçus avec Shaun White, ambassadeur de Moncler et légende du snowboard. Ici, même le matériel technique a droit au tapis rouge.

Et si votre doudoune devenait une pièce de collection ?

L’autre grande attraction du flagship est moins spectaculaire à première vue, mais nettement plus redoutable pour le portefeuille : le sur-mesure. À l’occasion de l’ouverture, Moncler lance en exclusivité à New York Moncler to Measure, un atelier de confection à la demande qui doit ensuite arriver à Paris.

Quatre modèles sont proposés dans des matières particulièrement luxueuses : flanelle de cachemire, soie, cuir, daim, peau lainée ou encore fil coupé à l’aspect duveteux. Et parce qu’une doudoune classique serait décidément trop simple, les clients peuvent personnaliser leur pièce avec différents ornements. Clous métalliques en fines rayures, carreaux brodés à la main, cristaux, fleurs en relief découpées au laser ou broderies de perles : l’idée est moins « je vais acheter un manteau » que « je vais commander une œuvre portable ».

Produite en quantités limitées, la collection Moncler to Measure sera disponible dans la nouvelle boutique de la Cinquième Avenue dès son ouverture, avant son arrivée à Paris, à la boutique Moncler des Champs-Élysées, le 15 septembre.

Plus de renseignements sur moncler.com

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Le genre de parfum qui vous fait penser : « Je vais juste mettre une goutte. » Puis une deuxième. Puis, soudain, vous voilà à renifler votre poignet toutes les quatre minutes.

Sugar Addict comprend parfaitement l’attrait du sucré : cet instant suspendu avant la première bouchée, lorsque l’on sait pertinemment qu’on devrait résister, mais que l’on n’en a absolument aucune intention. Anne-Sophie Behaghel transforme cette pulsion en une véritable composition olfactive. Ici, le sucre n’est pas une simple note décorative : il devient le fil conducteur d’une gourmandise travaillée, nuancée et surtout jamais écœurante.

À l’ouverture, c’est une véritable décharge cristalline de sucre pur. Une explosion lumineuse et addictive qui réveille immédiatement les sens. Mais à peine le cerveau a-t-il eu le temps de crier « dessert ! » que le parfum révèle une personnalité nettement plus complexe.

Le trio qui fait perdre toute dignité

Le cacao apporte sa richesse profonde. La vanille, sa texture crémeuse. La cannelle vient réchauffer l’ensemble d’un petit coup d’épaule épicé. Et puis arrive le rhum. Pas le rhum façon soirée étudiante à 3 heures du mat’. Plutôt une facette liquoreuse, généreuse, chaleureuse, qui donne au parfum une profondeur presque charnelle.

En arrière-plan, le bois de cachemire enveloppe la composition d’une douceur luxueuse. Le café et le labdanum, eux, jouent les trouble-fêtes avec une pointe d’amertume bienvenue. Et c’est précisément là que Sugar Addict évite le piège du parfum « dessert ». Car derrière la gourmandise, il y a du contraste. Du relief. Une petite morsure.

Le sucre a son côté obscur. Et il lui va très bien.

À porter comme une arme secrète

Sugar Addict peut évidemment se porter seul, directement sur la peau, pour laisser derrière soi un sillage doux, enveloppant et délicieusement obsessionnel. Mais sa véritable botte secrète réside peut-être ailleurs : le layering.

Quelques gouttes suffisent pour transformer une autre fragrance en quelque chose de plus chaleureux, plus sensuel, plus gourmand. En clair, Sugar Addict n’est pas seulement un parfum, c’est le condiment olfactif dont votre collection ne savait pas qu’elle avait besoin.

Un peu comme ajouter du beurre demi-sel dans une recette déjà excellente. Techniquement, ce n’était pas nécessaire. Émotionnellement, cela devient très difficile de revenir en arrière.

Une gourmandise pour adultes consentants

Sugar Addict s’adresse à celles et ceux qui aiment jouer avec leur parfum, qui refusent de choisir entre sophistication et plaisir, et qui considèrent qu’un peu de sucre dans la vie n’a jamais fait de mal à personne. Ici, pas de gourmandise infantile ni de nostalgie sucrée premier degré. Le parfum assume pleinement son côté ludique, mais le traite avec une vraie sophistication.

Résultat ? une signature olfactive généreuse, addictive et suffisamment nuancée pour accompagner aussi bien une soirée qu’un simple mardi matin – même si, après quelques vaporisations, ce mercredi matin risque soudain de prendre des airs de pâtisserie cinq étoiles.

Sugar addict – Notes olfactives : sucre cristallin, cacao, vanille, cannelle, rhum, bois de cachemire, café et labdanum. Formats : 15 / 50 / 100 ml. Prix : 80 / 190 / 270 €. Plus de renseignements sur borntostandout.com

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Dix-sept ans après avoir ressuscité son nom au 21 rue Cambon, Fauré Le Page s’offre désormais un écrin de près de 500 mètres carrés au cœur du très convoité 1er arrondissement. Baptisé Maison Saint-Honoré, ce nouveau flagship s’installe dans un hôtel particulier construit en 1708. Autrement dit, un bâtiment qui avait déjà une belle carrière avant même que le mot « flagship » n’entre dans le vocabulaire du luxe.

Avec cette ouverture, la maison porte à douze le nombre de ses boutiques dans le monde, entre la France, l’Asie et le Moyen-Orient. Une expansion soigneusement orchestrée qui permet au malletier-maroquinier de renforcer sa présence sur la carte du luxe parisien, à quelques enjambées de la place Vendôme.

Pour transformer cette demeure historique en nouvelle adresse phare, Fauré Le Page a renouvelé sa confiance à l’architecte français Jean de Gastines, déjà aux commandes des boutiques de la maison à travers le monde.

Pas question, toutefois, de faire table rase du passé. Les volumes ont été restaurés dans le respect de l’architecture classique française du XVIIIe siècle, avec parquets de Versailles, moulures et cheminées d’époque. Le tout enrichi d’interventions contemporaines signées par plusieurs maîtres d’art.

Le ferronnier Romain Barré a ainsi imaginé une sculpture monumentale et le garde-corps du Grand Escalier. Les peintres décorateurs Dominique et Noé Bouillon ont, eux, créé une fresque inspirée du bocage normand ainsi qu’un plafond aérien baptisé « nuage de poudre ». Une poésie bucolique qui contraste assez délicieusement avec l’agitation de la rue Saint-Honoré.

Une boutique qui se visite comme une maison de famille

Fauré Le Page revendique ici le concept de « maison pour la maison ». Et cela se ressent dans la circulation imaginée sur trois niveaux, où chaque pièce possède son propre caractère.

Au rez-de-chaussée, le Vestibule accueille le visiteur autour du Daily Battle, cabas emblématique de la maison. À l’entresol, la Salle des Archives fait dialoguer trois siècles d’histoire avec les créations contemporaines.

Puis viennent les salons en enfilade du premier étage. Le Salon de Diane est dédié aux collections féminines, tandis que le Salon des Quatre Saisons rassemble les lignes masculines, de voyage et d’affaires.

Et parce qu’un flagship parisien ne saurait être complet sans un espace où l’on peut discuter tranquillement loin de la foule, un salon VIP prend des airs de bibliothèque. On y trouve des ouvrages anciens témoignant de la présence de la maison dans la littérature, sous les plumes de Balzac, Dumas, Musset ou Chateaubriand. Rien que ça.

Quand le savoir-faire devient décor

La Maison Saint-Honoré ne se contente pas d’exposer des sacs. Elle entend aussi raconter comment ils sont faits. Au cœur de cette démonstration figure la Toile Écailles, signature de Fauré Le Page. Souple et résistante, elle est sérigraphiée artisanalement à Annecy selon une méthode traditionnelle d’impression au cadre à la lyonnaise, en quatre étapes.

Sous la direction artistique d’Augustin de Buffévent, l’adresse fait également la part belle à la création contemporaine. Céramiques animalières d’Agnès Soustiel, sculptures florales d’Henriette Jansen et œuvres d’Arnaud Calvé viennent ponctuer les espaces. Ici, l’art n’est donc pas vraiment accroché aux murs : il semble plutôt avoir été invité à emménager.

De l’arquebuse au sac à main

L’ouverture prend d’autant plus de relief qu’elle s’inscrit dans une histoire pour le moins singulière. Fondée au XVIIIe siècle comme arquebusier des souverains français, Fauré Le Page a longtemps évolué dans l’univers des armes et de l’artisanat d’exception avant de connaître une seconde vie dans la maroquinerie de luxe à partir de 2009.

Dix-sept ans plus tard, la maison transforme donc un hôtel particulier du XVIIIe siècle en manifeste de son présent. Une manière, en somme, de rappeler que chez Fauré Le Page, le temps ne passe pas vraiment : il change simplement de cuir, de toile et d’adresse.

Avec sa Maison Saint-Honoré, la griffe consolide ainsi son positionnement dans un luxe à la fois statutaire, patrimonial et narratif. Et prouve qu’à Paris, même lorsqu’on parle de sacs, il est encore possible de raconter une histoire qui commence trois siècles plus tôt.

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Et si, pour une fois, on pouvait boire son parfum ? Pas littéralement, heureusement. Mais presque. Le mercredi 9 septembre 2026, Chloé Parfums s’associe à Nocibé pour transformer, le temps d’une journée, La Patate Douce, dans le 3ᵉ arrondissement de Paris, en véritable terrain de jeu sensoriel.

De 10h à 17h, le coffee shop accueillera une expérience imaginée autour de l’univers délicat, lumineux et résolument féminin de Chloé. Ici, les accords gourmands croiseront les signatures olfactives de la Maison, dans un rendez-vous lifestyle où parfum et art de vivre se répondent joyeusement.

Du parfum… à siroter

Pour l’occasion, les 300 premiers visiteurs repartiront avec une attention plutôt séduisante : une boisson signature, à choisir parmi deux créations inédites inspirées des facettes olfactives de Chloé Eau de Parfum et de Chloé Le Nectar, la nouvelle interprétation de la franchise Signature.

Et parce qu’un parfum peut décidément avoir plusieurs vies, chaque bénéficiaire recevra également une miniature de 5 ml de Chloé Le Nectar. Tout au long de la journée, des échantillons de Chloé Le Nectar seront par ailleurs distribués aux visiteurs. De quoi découvrir progressivement cette nouvelle fragrance au sillage floral, généreux et addictif – sans avoir besoin de vider son flacon sur son poignet.

Chloé Le Nectar, le parfum qui prend son temps

Lancé dans la continuité des fragrances iconiques de la Maison, Chloé Le Nectar revendique une sensualité plus chaleureuse, tout en conservant cette liberté spontanée qui constitue l’ADN de Chloé.

La Maison, fondée en 1952 par Gaby Aghion, Parisienne d’origine égyptienne, avait dès ses débuts une ambition singulière : libérer les femmes des carcans de la mode formelle et leur permettre d’être elles-mêmes. Dans les années 1970, cet esprit de liberté devient l’une des signatures de Chloé. Aujourd’hui, sous la direction créative de Chemena Kamali, cette philosophie continue de s’exprimer avec une allure intuitive, naturelle et sans effort.

Avec Le Nectar, Chloé explore cette fois une féminité plus solaire et sensuelle, quelque part entre nostalgie seventies et modernité assumée.

Un gourmand néo-vintage, entre lumière et chaleur

Imaginé par le parfumeur Romain Almairac, Le Nectar joue sur un contraste : celui de la chaleur des parfums vintage confrontée à une féminité contemporaine, lumineuse et aérienne. La fragrance s’ouvre sur la fraîcheur pétillante de la bergamote, avant de dévoiler un cœur floral opulent où se mêlent huile essentielle de néroli, absolue de fleur d’oranger et absolue de rose. Le résultat se veut mielleux, lumineux et enveloppant.

En fond, l’absolue de tonka, l’accord ambré et l’essence de patchouli apportent profondeur et chaleur, tandis que l’ambroxan, le cashmeran et le bois de santal prolongent le sillage dans une douceur boisée. Un parfum construit sur les contrastes, donc : structuré mais libre, nostalgique mais contemporain, sensuel sans jamais perdre son côté aérien.

Et le flacon ? Toujours aussi Chloé

Impossible de parler de Chloé sans évoquer l’objet. Le Nectar reprend le célèbre flacon en verre plissé de la Maison, cette fois habillé d’une teinte ambrée chaleureuse et noué d’un ruban beige doré.

La fragrance est proposée en 30, 50 et 100 ml, dans des formats rechargeables. Une façon de faire durer le plaisir – et de revenir encore et encore à ce parfum qui entend accompagner les femmes à leur propre rythme.

Nocibé ajoute sa petite touche

Pour prolonger l’opération au-delà de cette journée parisienne, Nocibé réserve également une attention exclusive à ses clientes. Jusqu’à fin septembre, un porte-clés Chloé Parfums est offert dès 85 € d’achat de produits Chloé Parfums, dans les magasins participants ou sur le site de Nocibé.

Chloé Parfums x Nocibé – La Patate Douce
3 rue Borda, 75003 Paris
Mercredi 9 septembre 2026, de 10h à 17h
Événement ouvert au public – entrée libre

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Depuis le 29 août, Le Bon Marché Rive Gauche met le cap sur l’archipel nippon avec son exposition « Super Japon ». Mais inutile de chercher ici un cadre de carte postale, quelques cerisiers en fleurs et trois estampes pour faire joli. Le grand magasin préfère une autre porte d’entrée : celle du konbini, ces supérettes japonaises où l’on entre pour acheter une bouteille d’eau et dont on ressort, vingt minutes plus tard, avec des bonbons, des chaussettes, un magazine et un objet dont on ne comprend toujours pas très bien l’utilité.

C’est précisément cet esprit d’abondance, de curiosité et de détour que Le Bon Marché a décidé de transposer sur plusieurs étages.

Bienvenue au Japon, version panier de courses

Le principe est simple : plutôt que de raconter le Japon, « Super Japon » propose de le parcourir.

Ici, les frontières sont volontairement floues. La culture populaire côtoie le savoir-faire traditionnel, le design se retrouve à côté d’un objet domestique, un accessoire vintage répond à une gourmandise. Une boîte de biscuits peut donc très bien se retrouver à quelques mètres d’une pièce de mobilier, tandis qu’un objet pour enfant fait de l’œil à une création artisanale.

Le Japon apparaît ainsi moins comme une destination que comme une succession de découvertes.

Et c’est probablement là que réside le piège : on vient pour regarder, on commence à toucher, puis on compare les couleurs. Et soudain, on se retrouve avec un panier.

Du placard au konbini : l’épicerie comme terrain de jeu

Au rayon alimentation, Irasshai déploie une sélection de produits venus directement de l’archipel : condiments, bouillons, sauces, snacks et ingrédients japonais. De quoi transformer une cuisine parisienne en laboratoire d’improvisation culinaire.

La table n’est d’ailleurs pas oubliée. Kinto, Kigura et Kurabi apportent leur lot d’objets familiers de l’art de vivre japonais. Car au Japon, même l’objet le plus quotidien semble avoir droit à son petit moment de grâce.

Même philosophie du côté de la papeterie avec Loft, institution japonaise du genre, qui aligne stylos, carnets, masking tapes et accessoires de bureau. Des objets a priori parfaitement raisonnables, jusqu’au moment où l’on réalise qu’on possède déjà dix carnets et qu’on n’a toujours pas commencé le précédent.

Mais qu’importe : le Japon semble avoir une certaine tolérance pour les achats parfaitement inutiles mais délicieusement bien pensés.

Adieu, magnet de Tokyo

Le souvenir de voyage prend lui aussi quelques libertés avec les classiques.

Ici, les sumos miniatures de Ceramic Japan côtoient les maquettes Tamiya, les furoshiki de Kamawanu, les koinobori de Madame Mo et les créations de Paiheme. De son côté, Koji propose une sélection de vêtements et accessoires vintage chinés au Japon.

Autrement dit, si vous cherchiez un souvenir qui tienne sur une étagère sans afficher en lettres lumineuses « I Japan », vous êtes plutôt bien tombé.

Kawaii : danger pour le portefeuille adulte

Puis vient le rayon où toute tentative de rester raisonnable risque de s’effondrer : le kawaii kids.

Monchhichi, Tamagotchi, Hello Kitty et les personnages de Sanrio s’y retrouvent dans une joyeuse concentration de culture populaire japonaise. Une culture qui, depuis longtemps, n’a plus besoin de visa pour franchir les frontières.

Le Bon Marché ajoute même une exclusivité particulièrement régressive : une collection Hello Kitty & Friends x Les Bisounours, imaginée avec le grand magasin.

Chocolats, puzzles, chaussettes, casquettes, mugs et sacs composent une sélection qui s’adresse officiellement aux enfants. Officieusement, les adultes sont priés de ne pas trop s’éloigner.

Le vestiaire japonais, sans mode d’emploi

Côté mode, pas question de proposer une silhouette japonaise prête à porter comme un uniforme.

Le parcours fonctionne plutôt par touches. Tembea apporte ses sacs en toile, Edwin son denim, Taion ses doudounes ultralégères, Kamakura Shirts ses chemises et Blockhead Motors une autre dose de culture japonaise. Aux pieds, Tabi, Flower Mountain et Asics complètent le tableau.

Le résultat ressemble davantage à une garde-robe constituée au fil d’une promenade qu’à une démonstration de style savamment orchestrée.

Un tote bag par-ci. Une chemise par-là. Une casquette. Une paire de chaussettes.

Bref, exactement comme lorsqu’on était censé acheter uniquement du lait.

Mochi, matcha et melon pan : le Japon se déguste

Parce qu’un voyage au Japon sans manger quelque chose serait tout de même assez suspect, « Super Japon » fait aussi passer la gastronomie du côté de l’expérience.

Des ateliers autour du mochi et du matcha sont proposés, tandis que Bijo transpose les codes du drugstore japonais dans l’univers de la beauté avec soins, lotions, masques et autres essentiels de la J-Beauty.

Le week-end, l’expérience devient même franchement immersive : diagnostics de peau, massages du cuir chevelu, soins du visage et manucures sont proposés au comptoir.

Et pour celles et ceux qui préfèrent commencer par quelque chose de beaucoup plus gourmand, direction le rez-de-chaussée avec Aki Boulangerie. Melon pan, pâtisseries au matcha et douceurs aux haricots rouges assurent la rencontre entre savoir-faire français et envies japonaises.

Même la maison se met à parler japonais

Le Japon de « Super Japon » ne se limite toutefois pas aux marques venues de l’archipel.

Dans l’univers maison, Nordic Knots, Frama, Køge Design, Jars, Le Jacquard Français, Debeaulieu, Maison Pechavy, Caravane et Tréca prolongent cette inspiration à travers les matières, les lignes et les savoir-faire.

Le rapprochement n’est pas forcément littéral. Il tient davantage à une certaine conception de l’objet : une forme sobre, une matière agréable, un détail bien pensé, quelque chose qui accompagne le quotidien sans forcément chercher à lui voler la vedette.

Une philosophie finalement assez japonaise : faire beaucoup avec peu, et rendre le peu suffisamment séduisant pour qu’on ait envie de le regarder encore.

Le Japon passe aussi par les collaborations

« Super Japon » entend également jouer la carte de l’événement.

Du 13 au 18 octobre, Penelope’s Auction organisera une vente consacrée à la mode japonaise, avec des pièces rares et des créateurs recherchés. Une plongée dans la seconde main et la circularité, histoire de rappeler qu’une pièce qui a déjà vécu peut parfois raconter davantage d’histoires qu’une pièce sortie de boutique hier matin.

Sœur s’associe pour sa part à Shopu autour d’une sélection d’objets japonais mêlant artisanat, design et art de vivre. La Coque Française, elle, signe des modèles imaginés spécialement pour l’exposition.

Et puis il y a Sacai.

Sacai TO GO : quand la mode passe à table

Fondée à Tokyo en 1999 par Chitose Abe, la maison Sacai est devenue experte dans l’art de faire cohabiter ce qui, normalement, ne devrait pas l’être.

Tailoring et sportswear. Maille et vêtement technique. Références militaires et silhouettes plus classiques. Chez Sacai, les vêtements semblent avoir été démontés, mélangés puis remontés selon une logique que seule leur créatrice connaît parfaitement.

Autant dire que la maison était difficile à éviter dans une exposition consacrée au Japon de l’hybridation.

Pour « Sacai TO GO », imaginé par Sarah Andelman, cofondatrice et ancienne directrice artistique de Colette, Sacai délaisse provisoirement le vestiaire pour investir la table et tout ce qui gravite autour.

Toraya et Rocky’s Matcha seront présents pendant toute la durée de la manifestation. Les week-ends, plusieurs adresses parisiennes proches de l’écosystème de Sacai prendront à leur tour possession de l’espace : F.O.L.D.E.R.O.L, Iné, Benchy, NIWA et Dreamin’ Man.

La programmation évoluera au fil des semaines. De quoi transformer le lieu en rendez-vous vivant plutôt qu’en simple comptoir où l’on passe prendre quelque chose.

Des archives Sacai à emporter dans sa poche

La collaboration pousse même le principe du détournement jusque dans les objets.

Quelques pièces exclusives seront proposées : T-shirts, références Sacai x Carhartt WIP, tote bags Zantan fabriqués à partir de tissus d’archives réemployés et porte-clés en peluche réalisés avec Peloqoon.

Avec Ryvdoll, les archives de Sacai prennent même une forme miniature. Certaines silhouettes deviennent des poupées de papier magnétiques que l’on peut déplacer, mélanger et recomposer.

Une sorte de Sacai en kit.

Et finalement, l’objet résume assez bien l’esprit de l’exposition. Prendre des éléments existants, les sortir de leur contexte, les mélanger et voir ce qu’ils deviennent ensemble.

Un Japon à parcourir plutôt qu’à expliquer

Avec « Super Japon », Le Bon Marché ne cherche donc pas nécessairement à donner une leçon sur le Japon. Il préfère provoquer une forme de curiosité en cascade.

On passe de l’épicerie à la papeterie, du kawaii au denim, du matcha à la beauté, du design à la mode, de l’artisanat aux objets que l’on aurait pu trouver dans une supérette de Tokyo.

Le tout sans itinéraire obligatoire.

C’est peut-être ce qui rend l’expérience la plus fidèle à son inspiration : on ne sait jamais vraiment ce que l’on vient chercher, mais on trouve toujours quelque chose.

Et si, en sortant du Bon Marché, vous réalisez que vous avez acheté des chaussettes, du matcha, un carnet, un porte-clés et un objet dont vous ignoriez l’existence deux heures plus tôt, inutile de paniquer.

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Dior troque les temples japonais contre les pubs irlandais – ou presque. Pour son prochain grand voyage hivernal, la maison de l’avenue Montaigne met le cap sur Dublin. Le vendredi 4 décembre, la capitale irlandaise accueillera pour la première fois de son histoire un défilé Dior, à l’occasion de la présentation de la collection Automne – Hiver 2027.

Et pas question de faire les choses à moitié. La maison a choisi le chic Trinity College, plus ancienne université d’Irlande, et plus précisément son mythique Old Library. Avec ses boiseries, ses rayonnages monumentaux et son atmosphère de bibliothèque gothique pour sorciers distingués, l’édifice du XVIIIe siècle devrait offrir un décor à la hauteur des ambitions de la maison. Autrement dit, Jonathan Anderson a réservé l’Histoire.

Jonathan Anderson revient là où tout a commencé

Pour le directeur artistique de Dior, le choix de Dublin est loin d’être un simple coup de cœur architectural. La ville possède une résonance personnelle. C’est ici que Jonathan Anderson a commencé sa carrière dans la mode.

Défiler au Trinity College Dublin est un rêve devenu réalité

explique-t-il.

J’ai commencé ma carrière dans la mode à Dublin, donc y revenir revêt une signification très personnelle.

Le créateur, désormais aux commandes de Dior, aura donc l’occasion de revenir sur les lieux de ses débuts avec, au passage, une collection Automne – Hiver 2027 et probablement quelques milliers de regards rivés sur lui. Une manière particulièrement élégante de boucler la boucle : commencer à Dublin, puis y revenir à la tête de l’une des maisons les plus prestigieuses de la planète.

Dior, ou l’art de transformer un défilé en voyage

Depuis plusieurs années, les collections Fall de Dior ne se contentent plus de défiler entre quatre murs parisiens. La maison aime voyager, et surtout faire de ses destinations des personnages à part entière du spectacle.

En 2025, Dior avait ainsi investi le temple To-ji de Kyoto, au Japon. En 2024, direction New York et le Brooklyn Museum. En 2023, la maison avait posé ses silhouettes devant la Porte de l’Inde, à Mumbai. Un an plus tôt, c’était l’université pour femmes EWHA de Séoul qui servait d’ambiance.

Quand Dublin inventait déjà Dior avant Dior

Mais derrière le choix esthétique se cache un clin d’œil historique particulièrement savoureux.

Dublin est la ville natale de Carmel Snow, figure légendaire de la presse de mode et directrice de l’édition américaine de Harper’s Bazaar. C’est elle qui, en février 1947, aurait lancé l’expression « New Look » après avoir assisté au tout premier défilé de Christian Dior.

La scène est devenue mythique. Christian Dior vient de présenter sa première collection à Paris et Carmel Snow, frappée par la révolution esthétique proposée par le jeune couturier, baptise ce nouveau langage vestimentaire d’un nom appelé à entrer dans l’histoire. Près de huit décennies plus tard, Dior revient donc à Dublin.

Avec Jonathan Anderson aux commandes, cette escale irlandaise prend évidemment une dimension supplémentaire. Le créateur britannique, dont le parcours est intimement lié à l’Irlande, s’apprête à écrire un nouveau chapitre de l’histoire de Dior dans une ville qui en a déjà écrit un avant même que la maison n’existe sous sa forme actuelle. Pour la maison française, le prochain « New Look » aura un très léger accent irlandais.

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La maison de la rue Cambon aurait signé un premier semestre en fanfare, avec une progression de ses ventes à périmètre comparable d’environ 16 %, soit bien au-delà du rythme affiché par plusieurs de ses prestigieux concurrents. Comme quoi, même lorsque la conjoncture fait grise mine, un sac à main bien coupé et une veste en tweed peuvent encore provoquer quelques emballements.

Le principal artisan de cette embellie porte un nom : Matthieu Blazy. Arrivé aux commandes du prêt-à-porter, de Couture et des accessoires, le créateur a vu ses premières collections, commercialisées en mars dernier, séduire une clientèle fortunée manifestement peu sensible aux turbulences géopolitiques ou aux discours sur le ralentissement de la consommation. Chez Chanel, les bonnes nouvelles semblent désormais se porter en total look.

La locomotive reste naturellement la division mode, qui représente près de 60 % du chiffre d’affaires du groupe et qui aurait progressé au même rythme que l’ensemble des ventes. Mais le reste de la maison n’est pas resté dans les coulisses. Les montres et la haute joaillerie auraient bondi d’environ 35 %, propulsées par le succès de la collection Coco Crush, tandis que les parfums et les produits de beauté auraient enregistré une hausse proche de 8 %.

Autre surprise, la croissance ne s’est pas limitée à quelques marchés privilégiés. Toutes les régions auraient contribué à la performance, y compris la Chine et le Moyen-Orient. Les États-Unis, eux, auraient joué les premiers de la classe avec une envolée des ventes dépassant 25 %. Même juillet aurait prolongé cette dynamique, même si le rythme devrait logiquement ralentir au fil de l’année, les comparaisons devenant plus exigeantes.

Ce tableau contraste avec celui d’une industrie du luxe davantage habituée ces derniers mois aux demi-teintes. Richemont a certes impressionné grâce aux bijoux Cartier, mais chez LVMH, la division mode et maroquinerie s’est contentée d’une progression organique de 1 %. Quant à Dior, désormais emmené par Jonathan Anderson, les débuts sont encourageants sans toutefois atteindre le niveau de l’effet Blazy.

Fidèle à sa discrétion légendaire, Chanel n’a pas souhaité commenter ces chiffres. La maison privée ne publie ses résultats qu’une fois par an et avait annoncé en mai un chiffre d’affaires annuel de 19,3 milliards de dollars pour 2025, en hausse de 1,8 %.

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Près de 1.700 exposants répondront présents, répartis dans sept univers immersifs allant de la décoration à la beauté, en passant par les métiers d’art, les cadeaux, les accessoires ou encore l’art de partager un repas. Au milieu de cette joyeuse effervescence, 167 marques de mode et d’accessoires viendront rappeler qu’un intérieur soigné mérite aussi un propriétaire bien habillé.

Le Hall 7 prendra ainsi des airs de show permanent. Les visiteurs retrouveront Ilyoucha, fidèle au rendez-vous avec ses vestes kimonos, manteaux, robes et chemisiers inspirés des savoir-faire artisanaux africains, confectionnés au sein de petites structures locales. Direction ensuite la Grèce avec Sorbet Island, dont les bracelets, pochettes et maillots de bain en taille unique comptent bien faire voyager les visiteurs avant même les vacances.

Le Danemark, le Népal et l’Inde se donneront également rendez-vous grâce à Care By Me, qui mêle design nordique, coton indien et artisanat népalais. Non loin de là, Atelier St Eustache rappellera que même les pieds ont droit à leur moment de gloire avec ses surprenants « bijoux de pied ».

Les amateurs de silhouettes décontractées feront un détour par Pan Producto et ses créations féminines fabriquées au Portugal, tandis que Kiplay Vintage défendra son savoir-faire normand autour du workwear. Les passionnés de chaussettes techniques, eux, pourront compter sur Klue, dont la production est assurée à Istanbul. Comme quoi, même un accessoire que l’on cache la moitié du temps peut devenir une véritable star.

Les accessoires resteront d’ailleurs les grands vedettes du segment mode. Foulards en soie signés Maison Fanli, créations de My Bob, collections de Bazar Atelier Sablon ou encore une belle sélection de joailliers internationaux, d’Iskin Sisters à Trovelore, en passant par Joidart Jewelry, Nebo V Kvitah et Tronc & Co, composeront un véritable tour du monde sans quitter le Hall 7.

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Ici, les pieds ne sont plus de simples extrémités oubliées au bout des jambes. Ils deviennent les véritables VIP de la boutique. Au programme, un espace de co-création où les clients peuvent faire bichonner leurs Birkenstock grâce aux produits d’entretien de la marque, mais aussi personnaliser leurs chaussures avec un service de gravure. Parce qu’après tout, pourquoi une sandale n’aurait-elle pas droit à son monogramme ?

Et si cela ne suffit pas à convaincre les adeptes du confort ultime, Birkenstock pousse le concept encore plus loin avec un véritable espace de soins des pieds. Sur rendez-vous, les visiteurs peuvent profiter de soins utilisant la gamme Care Essentials de la marque. Une pédicure avant d’enfiler une paire de Boston ? Voilà une montée en gamme que peu de fabricants de chaussures avaient osé imaginer.

Le cadre, lui aussi, joue la carte de l’immersion. Les codes du bien-être oriental rencontrent l’univers de la santé du pied. Dès l’entrée, une monumentale installation reproduisant la célèbre semelle anatomique accueille les visiteurs comme une œuvre d’art contemporain dédiée au liège et au latex. Plus loin, un mur d’archives raconte plus de 250 ans d’histoire de la maison allemande, preuve que la sandale ergonomique possède désormais son propre patrimoine culturel.

Le clou du spectacle reste sans doute l’espace d’essayage des semelles anatomiques. Inspiré des meubles d’apothicaires de la médecine traditionnelle chinoise, il invite les clients à tester différentes pointures de semelles avant de choisir leur chaussure. Une expérience qui ressemble davantage à une consultation de médecine douce qu’à une séance de shopping.

Les collections ? Birkenstock ne fait pas les choses à moitié. Les incontournables Arizona, Boston et Madrid côtoient les collections saisonnières, les chaussures fermées ainsi que les modèles professionnels et pour enfants. De quoi chausser toute la famille, du bébé jusqu’au médecin de garde.

Cette ouverture confirme surtout les ambitions de Birkenstock en Chine. Après une boutique éphémère lancée l’an dernier à Shanghai, puis transformée en concept store permanent à Zhangyuan, la marque accélère son implantation sur l’un des marchés les plus stratégiques du luxe et du lifestyle.

Pendant ce temps, l’expansion continue aussi en Europe, où Birkenstock a récemment inauguré son trentième magasin exploité en propre à prix plein.

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Dans l’industrie automobile, les matériaux les plus nobles sont souvent synonymes d’exigence… et de pertes. Maserati a choisi d’écrire une autre histoire. Grâce au programme SUSTAINera de Stellantis, les cuirs sélectionnés pour habiller les habitacles des modèles de la marque sont récupérés puis revalorisés par les artisans de Poltrona Frau In Motion. Une seconde vie qui a tout d’une promotion : de siège automobile à accessoire de collection.

Le résultat s’appelle sobrement Maserati Weekend Bag, mais le contenu dépasse largement le simple sac de voyage. Entièrement fabriqué à la main en Italie, il revendique tout ce qui fait le prestige du Made in Italy : un cuir Cuoio soigneusement travaillé, des finitions métalliques brunies, un Trident embossé avec discrétion et une silhouette élégante qui semble aussi à l’aise dans le coffre d’une GranTurismo que dans le salon d’un palace.

Le luxe n’a jamais aimé le gaspillage… enfin presque

Longtemps, le mot « économie circulaire » a davantage évoqué une réunion d’experts qu’un objet capable de faire rêver. Maserati tente aujourd’hui de réconcilier les deux mondes.

Le cuir utilisé provient de tanneries certifiées Gold par le Leather Working Group, tandis que chaque pièce bénéficie du savoir-faire artisanal de Poltrona Frau In Motion. L’ensemble est numéroté, limité à cent exemplaires et ponctué de détails qui feront le bonheur des amateurs : plaque métallique gravée, doublure exclusive aux motifs Trident, marquage spécial Centenaire et finitions réalisées à la main.

La démarche permet surtout de démontrer qu’un matériau d’exception peut conserver toute sa noblesse sans forcément connaître une seule existence.

Le Grand Tourisme version bagage cabine

Cette collaboration raconte finalement davantage qu’une simple histoire de maroquinerie. Elle prolonge la philosophie du Grand Tourisme chère à Maserati : voyager avec style, confort et élégance, que l’on soit derrière un volant ou dans un hall d’aéroport.

Et si les nouvelles Grecale, GranTurismo ou GranCabrio incarnent cette vision sur la route, ce sac ambitionne de la prolonger une fois le moteur coupé.

Une façon élégante de rappeler qu’un voyage commence souvent avant le premier kilomètre.

Plus exclusif qu’une série spéciale

La collection sera commercialisée à partir d’octobre 2026, exclusivement via l’application Maserati Tridente et uniquement sur certains marchés.

Cent sacs, pas un de plus. À ce niveau-là, on ne parle plus vraiment de bagagerie. On parle d’un objet de collection qui risque de passer plus de temps photographié que posé sur le tapis roulant des bagages.

Après tout, quand un morceau d’habitacle Maserati décide de partir en week-end, il n’était pas question qu’il voyage en classe économique.

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