Avec And Other Paintings, l’artiste poursuit un travail où matière, mémoire et histoire sociale se croisent constamment. Connu pour ses projets mêlant patrimoine afro-américain, architecture et traditions artisanales, Gates fait ici du matériau lui-même un langage. Trois éléments récurrents dans sa pratique – le goudron, l’image d’archive et la céramique – permettent d’entrer dans cet univers où l’art se construit à partir de fragments du réel.

À première vue, certaines surfaces sombres et profondes rappellent l’abstraction moderniste et les champs chromatiques d’artistes comme Mark Rothko. Mais chez Theaster Gates, la peinture n’est jamais purement visuelle : elle est d’abord un processus matériel.

Les œuvres sont réalisées à partir de membranes de toiture récupérées, imprégnées d’émail à l’huile, collées puis fusionnées à la flamme. Le goudron devient alors une matière picturale à part entière. Les surfaces se construisent par accumulation, brûlure, collage, comme si la peinture se fabriquait directement sur un chantier.

Ce choix n’est pas seulement esthétique. L’artiste rappelle souvent que sa première expérience du goudron remonte à l’adolescence, lorsqu’il aidait son père – couvreur – à réparer des toits.

C’était ma première pratique artistique

aime-t-il raconter.

Dans ses œuvres actuelles, ce souvenir devient un vocabulaire formel. Le geste du couvreur – étaler, chauffer, coller – se transforme en composition abstraite. L’industrie rencontre la peinture.

Pourtant, l’artiste insiste sur une évolution récente :

Pour la première fois, il ne s’agit pas vraiment du matériau… il s’agit de peintures.

Autrement dit, le goudron ne sert plus seulement à évoquer un contexte social ou biographique. Il devient un moyen de repenser ce que peut être la peinture aujourd’hui.

Les archives comme images vivantes

Au cœur de certaines œuvres apparaissent aussi des photographies issues de la presse afro-américaine, notamment des magazines comme Ebony ou Jet.

Fondés à Chicago au milieu du XXᵉ siècle, ces titres ont joué un rôle essentiel dans la représentation visuelle de la vie afro-américaine. Theaster Gates a d’ailleurs contribué à préserver une grande partie de ces archives, qu’il considère comme un réservoir d’images encore actives.

Dans les Tar Paintings, ces photographies sont transférées sur la surface puis partiellement recouvertes. Les visages et silhouettes restent visibles mais fragmentés, parfois tronqués par les nappes sombres de goudron.

L’artiste parle de ces images comme de formes en attente :

Ces photographies attendent leur prochaine vie.

Intégrées à la peinture, elles quittent leur statut documentaire pour devenir des présences instables, flottant entre abstraction et mémoire. Les surfaces goudronnées fonctionnent alors comme des strates archéologiques : elles cachent l’histoire tout en la laissant affleurer.

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Des vases embaumés

Avant même les peintures au goudron, la céramique constituait l’un des premiers terrains d’expérimentation de l’artiste. En 2004, Theaster Gates séjourne à Tokoname, l’un des grands centres historiques de la poterie japonaise, où il approfondit sa formation auprès d’artisans locaux.

Cette expérience marque durablement son travail.

Dans la série Protected Vessel (2025), présentée dans l’exposition, l’artiste revisite la forme du vase. Des volumes moulés en plâtre sont ensuite enveloppés dans des membranes de toiture. Les objets semblent littéralement protégés par cette peau industrielle.

Le geste d’enveloppement possède quelque chose de rituel, presque funéraire – comme un embaumement. La matière protège, mais elle dissimule aussi.

L’argile apparaît alors moins comme un simple médium que comme une manière de penser le geste : attention aux techniques artisanales, transmission des savoir-faire, dialogue entre traditions et modernité.

Une peinture entre chantier et mémoire

Dans And Other Paintings, Theaster Gates continue ainsi de déplacer les frontières entre disciplines. Le chantier devient atelier, l’archive devient matière picturale, le vase devient relique.

Chez lui, le goudron n’est pas seulement une surface noire. C’est une matière chargée de travail, d’histoire et de gestes hérités.

Une peinture qui ne cherche pas à être pure – mais à être habitée.

« And Other Paintings », de Theaster Gates. Jusqu’au 4 avril 2026. À la galerie White Cube (Paris VIIIᵉ)

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L’exposition n’a rien d’un simple inventaire archéologique. Elle ressemble plutôt à un rêve éveillé où le temps s’effrite. Sous la lumière douce des salles tokyoïtes, les œuvres évoquent un AlUla suspendu entre préhistoire et science-fiction : roches noires, traces d’érosion, fragments de sel, projections lumineuses, murmures d’un passé qui n’a peut-être jamais existé.

Les commissaires Arnaud Morand et Ali AlGhazzawi parlent de “palimpseste”, de “temps sédimentaire”, de “polyphonie du souvenir”. Mais en vérité, c’est plus simple : ici, la nostalgie n’est pas un retour en arrière, c’est une façon d’habiter le présent en le fissurant doucement. Une nostalgie en mouvement, radioactive et fertile.

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AlUla, oasis ou laboratoire ?

Depuis 2021, le programme de résidence AlUla invite les artistes à s’enfouir dans cette oasis mythique d’Arabie saoudite. Un lieu où les falaises volcaniques jouxtent des ruines nabatéennes et où le futur culturel du pays s’écrit à coups de pinceaux, de drones et de matériaux improbables.

Les artistes y creusent la mémoire comme d’autres cherchent de l’eau : à tâtons, avec soif, et une étrange lucidité.

Parmi la constellation d’artistes internationaux, deux figures françaises s’imposent sans peine. Théo Mercier, le metteur en scène devenu sculpteur de mythologies, fabrique ses propres ruines contemporaines. Des assemblages d’objets trouvés, de matériaux hybrides, des “formes en transit” comme il les appelle. Chez lui, l’ironie et le mystique cohabitent. C’est de l’archéologie du futur, version théâtre post-apocalyptique.

Bianca Bondi, finaliste du Prix Marcel Duchamp 2025, joue à la chimiste du sensible. Ses œuvres se cristallisent, s’oxydent, respirent. Du sel, des mousses, des objets endormis — tout se transforme lentement, comme si la nature reprenait la main sur le musée. Elle nous rappelle que le vivant n’oublie jamais rien, il se métamorphose simplement.

Svetlana Boym, la philosophe fantôme

L’exposition tire son nom de Svetlana Boym, la penseuse russo-américaine qui, dès 2002, affirmait que la nostalgie pouvait être révolutionnaire. Une idée qui résonne ici : dans un monde obsédé par le futur et l’innovation, Future of Nostalgia préfère le détour, la lenteur, le doute. C’est un antidote à l’amnésie programmée, un espace où les ruines deviennent des moteurs d’imagination.

Le public ressort de l’exposition avec du sable dans les poches et des pixels dans la tête. Tout se mélange : la mémoire, les mirages, le futur qui clignote. C’est peut-être ça, finalement, la nostalgie d’aujourd’hui — non pas la tristesse du passé, mais la promesse du recommencement.

Future of Nostalgia – Présentée dans le cadre de l’Art Week Tokyo 2025, organisée par Arts AlUla et l’Agence Française pour le Développement d’AlUla (AFALULA), jusqu’au 16 novembre 2025. Plus de renseignements sur afalula.com

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L’automne 2025 s’annonce comme une véritable tournée des curiosités artistiques. Des bougies qui parlent, des corps qui se transforment en objets, des fils de cuivre qui envahissent l’espace… Et oui, il y en aura pour tous les goûts, même pour les amateurs d’art qui pensaient juste visiter un musée en pantoufles. Voici le guide des expositions à ne surtout pas manquer.

Lygia Pape : tisser l’espace à la Bourse de commerce

Jusqu’au 26 janvier 2026 • Bourse de commerce, Paris 1er. Plus de renseignements sur pinaultcollection.com

À voir : gravures, films, installation monumentale en fils de cuivre, performance historique dans les rues de Paris

Avant sa grande exposition sur l’art minimal, la Bourse de commerce rend hommage à Lygia Pape (1927-2004), figure emblématique du néo-concrétisme brésilien. Ses œuvres, à la fois géométriques et poétiques, font vibrer l’espace et interrogent notre perception. Les visiteurs pourront admirer ses gravures et films, s’émerveiller devant une installation imposante faite de fils de cuivre et, cerise sur le gâteau, assister à la réactivation d’une performance historique dans les rues de Paris. Une plongée dans l’art comme expérience sensorielle.

Georges de la Tour : entre ombre et lumière au musée Jacquemart-André

Jusqu’au 25 janvier 2026 • Musée Jacquemart-André, Paris 8e. Plus de renseignements sur musee-jacquemart-andre.com

À voir : une trentaine de toiles, scènes d’intérieur et de genre, portraits de marginaux et de saints, jeux de lumière à la bougie

Si la bougie avait des superpouvoirs, ce serait Georges de la Tour qui les aurait capturés. Peintre du XVIIe siècle (1593-1652), redécouvert seulement au XXe siècle, il maîtrise comme personne la lumière artificielle et les atmosphères intimes. L’exposition permet de parcourir l’ensemble de son univers : portraits mystérieux, scènes de genre intimistes et visions spirituelles baignées d’une douce lueur. Une leçon de clair-obscur qui fait voyager dans le temps.

Alina Szapocznikow : le corps objet à Grenoble

Du 20 septembre 2025 au 4 janvier 2026 • Musée de Grenoble. Plus de renseignements sur museedegrenoble.fr

À voir : sculptures post-surréalistes, lampes-bouches, ventres coussins, seins dans des assiettes

Préparez-vous à être surpris… et un peu troublés. Alina Szapocznikow (1926-1973) n’a jamais cessé de transformer son corps en matériau artistique. Ses sculptures, à la fois drôles et dérangeantes, fragmentent et hybrident les formes humaines avec des objets du quotidien. Lampes-bouches, ventres-coussins ou assiettes ornées de seins… Chaque pièce raconte l’histoire d’un corps et de ses fragilités, tout en flirtant avec l’humour noir. Une expérience sensorielle et intellectuelle à ne pas manquer.

June Crespo : ROSE TRRACTION au Crédac

Du 21 septembre au 14 décembre 2025 • Crédac, Ivry-sur-Seine. Plus de renseignements sur credac.fr

À voir : sculptures hybrides en matériaux industriels, organes fictifs, traces d’usure et lignes de tension

Dans un style totalement différent, June Crespo joue avec l’incomplétude et la matière brute. Ses sculptures hybrides, entre organes imaginaires et rebuts industriels, occupent l’espace comme des présences étrangement vivantes. Cette première exposition institutionnelle en France révèle l’attention de l’artiste aux lignes de force et aux tensions, mais aussi son goût pour l’imperfection assumée. Une esthétique qui mêle poésie et étrangeté.

Gothiques au Louvre-Lens : le gothique traverse les siècles

Du 24 septembre 2025 au 26 janvier 2026 • Louvre-Lens, Lens. Plus de renseignements sur louvrelens.fr

À voir : architecture gothique, mode contemporaine, art, littérature, musique, cinéma

Que relient Iris van Herpen, Wim Delvoye et la jeune peintre Alison Flora ? Une fascination pour le gothique. Le Louvre-Lens explore ce mouvement artistique et architectural, de sa naissance au XIIe siècle jusqu’à ses résonances contemporaines. L’exposition montre comment les formes gothiques ont nourri la littérature, la musique, le cinéma et la mode, donnant naissance à une véritable contre-culture artistique. Un voyage fascinant dans le temps et l’imaginaire.

Prix Marcel-Duchamp : les finalistes au musée d’Art moderne de Paris

Du 26 septembre 2025 au 22 février 2026 • Musée d’Art moderne de Paris, Paris 16e. Plus de renseignements sur mam.paris.fr

À voir : œuvres inédites de Xie Lei, Bianca Bondi, Eva Nielsen et Lionel Sabatté

Le prix Marcel-Duchamp, vitrine incontournable de l’art contemporain en France, fête sa 25e édition. Cette année, l’exposition des finalistes quitte temporairement le Centre Pompidou pour s’installer au musée d’Art moderne de Paris. Les quatre artistes nommés proposent des œuvres inédites, reflet de la création contemporaine la plus inventive et audacieuse du moment.

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Il connaît par cœur les couloirs du Palais Galliera, musée de la Mode de Paris. Mais à l’automne, Hugo Lucchino va troquer les galeries haussmanniennes pour une villa moderniste accrochée aux collines varoises : il devient le nouveau directeur général de la villa Noailles, temple de l’art contemporain et maison-mère du très médiatique Festival de Hyères.

Cette nomination, validée par la ministre de la Culture Rachida Dati, tombe à point nommé pour l’institution. Ces derniers mois, la villa avait été secouée par un rapport sévère du ministère et par le retrait de son fondateur emblématique, Jean-Pierre Blanc, en arrêt maladie. Résultat : un grand casting pour trouver un nouveau pilote. Et le jury a tranché à l’unanimité.

Portrait d’un discret stratège

Ne vous fiez pas à son profil sage : Hugo Lucchino connaît les arcanes des institutions culturelles. Diplômé de la Sorbonne, de l’École du Louvre et de Sciences Po Paris, il a déjà lancé un centre national du graphisme à Chaumont avant de reprendre en main le Palais Galliera. Là-bas, il a mené de front la fin d’un chantier de rénovation et un gros lifting organisationnel. Pas glamour, mais indispensable.

Une villa, un festival, un défi

À Hyères, le défi sera double : réinstaller la villa Noailles dans un climat de confiance et assurer la continuité du festival qui, malgré les secousses, soufflera ses 40 bougies du 16 au 18 octobre 2025. Trois jours au lieu de quatre, mais toujours la même ambition : révéler les jeunes créateurs qui feront la mode de demain.

Il arrive avec une vraie sensibilité artistique et une solide expérience de gestion

a salué Pascale Mussard, présidente de la villa.

Une façon élégante de dire qu’il va devoir manier à la fois le crayon et la calculette.

Hyères attend désormais de voir si ce discret stratège parviendra à transformer l’essai : donner un nouveau souffle à une villa mythique, sans dénaturer l’esprit avant-gardiste qui fait sa réputation depuis près d’un siècle.

Plus de renseignements sur villanoailles.com

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En 2024, la marque Études Studio lançait une collection inspirée des vestiaires d’artistes, citant Basquiat, Warhol et autres icônes visuelles de la scène contemporaine. De son côté, Balenciaga proposait une ligne évoquant directement le monde de l’atelier : hoodies élimés, taches simulées, Crocs fonctionnelles – une sorte d’uniforme du “créateur au travail”. Derrière ces clichés stylisés, une vérité : l’image de l’artiste commence bien avant l’accrochage d’une œuvre.

Pour Camille Henrot, artiste reconnue sur la scène internationale, c’est surtout hors du studio que le vêtement devient crucial.

L’apparence est un outil social, un langage silencieux

confie-t-elle.

Collaborant avec une styliste pour construire des tenues comme “bouclier” contre l’anxiété sociale, elle assume que l’image de l’artiste est indissociable de la lecture de son œuvre. Une image se duplique, se partage, se fige. Mieux vaut, donc, en avoir la maîtrise.

Mondanités, petits rituels et grandes stratégies

Le monde de l’art contemporain raffole des événements : vernissages, foires, dîners privés. Un terrain miné pour certains artistes, contraints de performer un rôle social qui dépasse leur pratique artistique.

Certains fuient ces situations, d’autres les apprennent par cœur

observe la commissaire d’exposition Martha Kirszenbaum.

Il y a ceux qui arrivent en retard, ceux qui se cachent au fond d’une cour pour fumer, ceux qui débarquent entourés de leur cercle artistique – à chacun sa méthode pour habiter la lumière sans s’y brûler. Ce “jeu de l’extimité”, mélange d’intime mis en scène et de distance calculée, participe d’un storytelling personnel. Un rôle à jouer, parfois épuisant, souvent décisif.

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Identité : entre mythe romantique et branding personnel

Pour Neïl Beloufa, l’artiste contemporain n’est plus seulement un créateur. Il devient aussi le “CEO de sa propre identité”. À ses débuts, il cultivait une allure négligée, presque cliché du “génie sale”. Aujourd’hui, il observe une pression croissante pour gérer son image comme une marque :

Avec le Covid, on est passé à la vitesse supérieure. Être artiste, c’est aussi être influenceur, stratège, ambassadeur de soi-même.

Une tendance accentuée par la logique économique du milieu. Derrière l’image romantique de l’artiste en marge du marché se cache un système ultra-centralisé, fondé sur la valeur ajoutée personnelle.

C’est aristocratique : rares sont les milieux où l’on vous juge autant sur votre image, tout en prétendant que seule l’œuvre compte.

La mode : outil, masque, ou piège ?

Francesco Vezzoli, artiste familier des passerelles entre art et haute couture, a appris à transformer cette tension en force conceptuelle. Moqué à ses débuts pour son goût trop affirmé pour la mode, il l’a intégré à sa pratique. En travaillant avec Prada ou Valentino, il détourne les codes du glamour pour en révéler les contradictions.

Mais gare aux faux pas. Un look trop sophistiqué peut déstabiliser. Une dissonance trop forte entre l’apparence et le discours peut créer un malaise. Comme le raconte Martha Kirszenbaum, un artiste ultra-politique s’étant “surlooké” pour un vernissage a vu son message brouillé par une mise en scène trop appuyée.

Alors, la mode : atout stratégique ou contrainte insidieuse ? Peut-être ni l’un ni l’autre. Dans un monde où tout devient signe, y compris les baskets usées ou la broche en strass, le vêtement agit comme un filtre. Parfois libérateur, parfois écrasant. Mais toujours regardé.

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Originaires du monde académique — ils se rencontrent sur les bancs de Virginia Tech —, les deux complices n’ont jamais cessé de « geeker » sur les Eames ou Tibor Kalman, à coup de pizzas et de bières, même lorsqu’ils vivaient à New York, partageant leurs nuits entre jobs alimentaires et sessions créatives effervescentes. Ce mélange d’enthousiasme juvénile et de rigueur architecturale est devenu leur signature.

Dans un monde du design souvent dominé par le cynisme ou la surenchère conceptuelle, PlayLab joue la carte de l’honnêteté émotionnelle. Oui, ils portent des casquettes à slogans ironiques faits maison. Oui, ils n’hésitent pas à arborer fièrement leurs propres t-shirts. Et non, ce n’est pas du second degré. « I love this company », peut-on lire sur la casquette d’Archie. Pas pour faire rire, mais parce que c’est vrai.

De Clog à Louis Vuitton : la touche Virgil Abloh

La rencontre décisive avec le regretté Virgil Abloh a marqué un tournant pour le studio. Le fondateur d’Off-White et directeur artistique de Louis Vuitton Homme a offert à PlayLab l’occasion de transposer leur univers dans des sphères plus larges : défilés monumentaux, collaborations artistiques, et surtout, une nouvelle manière de penser l’espace comme expérience totale.

Des châteaux gonflables géants Place Dauphine à Paris aux objets démesurés évoquant Claes Oldenburg, leurs créations pour Louis Vuitton mélangent enfance, subversion, et références architecturales sérieuses, comme les intérieurs sévères inspirés de Mies van der Rohe. Un équilibre permanent entre fantaisie et rigueur.

L’interdisciplinarité comme moteur

Plus récemment, PlayLab a conçu un skate-park orange vif pour OTW by Vans, en collaboration avec l’artiste Sterling Ruby, présenté à Frieze L.A. Le résultat ? Une rampe centrale aux airs de sculpture de James Turrell, dans un lieu aussi fun que métaphysique.

Ils ont aussi matérialisé l’EQT Track pour Adidas, une piste de course posée sur une mesa au Nouveau-Mexique, entre hommage au Land Art de Michael Heizer et spirale dorée à la Hannsjörg Voth. Rien n’est gratuit : chaque projet est un tissage dense d’influences digérées, assumées, et magnifiées.

Entre transparence et mystère

Mais derrière cette candeur se cache une forme de discrétion. Peut-être liée aux nombreux accords de confidentialité avec des clients tels que Drake ou Post Malone, ou simplement au refus de tout dévoiler de leur processus. Le mystère fait partie du jeu — et renforce l’aura de magie qui entoure leurs créations.

Leur site web minimaliste frôle le normcore, tandis que leur présence sur les réseaux sociaux reste stratégiquement choisie. C’est là que s’exprime l’aspect le plus sensoriel de leur travail, comme la couverture de l’album F-1 Trillion de Post Malone, photographiée par Gonzalo Lebrija, et qui leur a valu une nomination aux Grammy Awards 2024 pour le Meilleur Packaging.

L’architecture comme divertissement

Leur langage esthétique, fait de formes massives, de couleurs saturées et d’inspirations visibles, pourrait évoquer un postmodernisme revisité. Mais pas celui, cérébral et critique, de Venturi : ici, pas de contradiction, mais plutôt un amour du collage, de la citation jubilatoire, sans complexe.

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C’est une première mondiale qui promet de marquer les esprits. Le 10 juillet 2025, Jordan Roth, figure singulière de la scène artistique et culturelle new-yorkaise, présentera « Radical Acts of Unrelenting Beauty » au Musée du Louvre, dans le cadre de La Nuit de la Mode, événement organisé en clôture de la Semaine de la Haute Couture à Paris.

La performance aura lieu dans la Cour Marly, l’un des espaces les plus emblématiques du musée, habituellement occupé par les sculptures monumentales de l’époque classique. Roth y proposera, à trois reprises au cours de la soirée, une œuvre conçue comme un triptyque en mouvement, mêlant art vivant, création vestimentaire et mise en scène immersive.

Une performance pensée pour le Louvre

Intitulée Radical Acts of Unrelenting Beauty, la création se déploiera en trois tableaux — Red, Wings et Pyramid — chacun mettant en jeu une réflexion sur la beauté, le corps et leur rapport à l’espace muséal. Inspirée notamment par l’exposition Louvre Couture et les collections permanentes, l’œuvre interroge la capacité de la beauté à devenir un acte de transformation, voire de résistance.

Jordan Roth, connu pour ses prises de position artistiques audacieuses et ses apparitions stylisées sur les tapis rouges, signe ici une œuvre personnelle et ambitieuse, portée par une bande-son originale du compositeur Thomas Roussel. La performance s’annonce à la croisée du manifeste esthétique et du geste politique, explorant la mode comme un langage à part entière.

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Un événement ouvert au public

La représentation, gratuite sur inscription, s’inscrit dans un programme plus large célébrant les liens entre mode, patrimoine et création contemporaine. À travers cette invitation au Louvre, Jordan Roth rejoint une liste restreinte d’artistes ayant investi le musée en dehors des expositions traditionnelles.

Pour le musée, cet événement participe d’une stratégie d’ouverture vers des formes artistiques hybrides, en dialogue avec les grands enjeux culturels de notre époque. Pour Jordan Roth, il s’agit d’un moment clé : « Ce n’est pas une performance sur la beauté, c’est un acte de beauté. Un geste nécessaire », a-t-il déclaré dans un communiqué.

Radical Acts of Unrelenting Beauty, par Jordan Roth. Cour Marly, Musée du Louvre. Le 10 juillet 2025 – trois représentations dans la soirée. Entrée gratuite sur inscription auprès du musée. Plus de renseignements sur louvre.fr

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Depuis près de deux décennies, India Mahdavi impose un style reconnaissable entre mille : formes arrondies, couleurs franches, élégance ludique. Mais derrière les pièces iconiques et les intérieurs photogéniques, que reste-t-il du chemin parcouru ? C’est à cette question que tente de répondre « Archives Sensibles ».

Dans la Tiny Room, lieu d’exposition à échelle réduite, India Mahdavi présente un ensemble de maquettes, prototypes et objets de travail. Souvent gardés à l’abri des regards, ces fragments racontent l’envers du processus de création. À mi-chemin entre outils techniques et supports d’imagination, ils composent un théâtre de la forme, où chaque pièce miniature devient témoin d’un moment d’expérimentation. Certains évoquent des meubles aujourd’hui produits, d’autres demeurent des fantômes de projets abandonnés – tous contribuent à dessiner un vocabulaire à la fois intuitif et maîtrisé.

En parallèle, l’exposition accompagne la sortie du premier volume de « Project Room », une publication dirigée par le Studio Achermann, qui retrace les expositions temporaires organisées par India Mahdavi dans ce même lieu entre 2020 et 2023. Pensée comme un carnet de bord éditorial, cette édition revient sur quatre années de programmation, faites d’installations, d’essais visuels et d’expériences collaboratives. Loin de l’image figée de la monographie, le livre se veut vivant, évolutif – à l’image de l’atelier qu’il documente.

Enfin, pour cette Project Room #19, India Mahdavi passe la main à PIN–UP HOME, qui présente « Afterglow », une collection de chandeliers en résine du designer néerlandais Vincent de Rijk. Ces sculptures translucides, qui semblent fondre ou rayonner, viennent prolonger le propos de l’exposition : la mémoire comme lumière persistante, entre forme et disparition.

Tiny Room & Showroom – 3, rue Las Cases, Paris (VIIe). Du 25 juin au 30 août 2025. Ouvert du lundi au vendredi, 10h–19h. Le samedi, 11h–19h.

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Né à Kanagawa, au Japon, où il vit et travaille encore aujourd’hui, Yu Nishimura construit depuis plusieurs années une œuvre délicate et silencieuse. Ses peintures, à l’huile, dévoilent des scènes du quotidien : rues calmes, personnages absorbés dans leurs tâches, intérieurs vides où flotte une présence. Ce qui frappe, c’est l’atmosphère suspendue de ces tableaux, rendue par de fines couches transparentes qui donnent l’impression que les sujets vont disparaître à tout moment, ou viennent à peine d’apparaître.

Quand on regarde une de ses œuvres, on sent qu’on est au Japon

explique Nicolas Trembley.

Pas seulement à cause des sujets, mais par la manière dont il les traite : sans perspective, avec cette frontalité et cette fragilité caractéristiques d’une tradition picturale japonaise.

Une tradition que Nishimura ne copie pas mais réinterprète, en se rapprochant notamment de l’esprit du nihonga, courant né à Kyoto à la fin du XIXe siècle, où les artistes tentaient de préserver l’esthétique japonaise face à l’influence occidentale.

Chez Nishimura, cette filiation se ressent autant dans la composition que dans le rythme contemplatif des œuvres. Rien ne presse, rien ne crie. À l’opposé des grandes narrations ou des effets spectaculaires, ses tableaux captent l’instant et cultivent le doute : s’agit-il d’un souvenir, d’un rêve ou d’une simple scène de rue ? Cette ambiguïté, ce flottement, fait partie intégrante de son langage.

Son travail, d’abord remarqué dans les galeries japonaises, s’est exporté avec une force tranquille. À Paris, la galerie Crèvecœur lui a consacré deux expositions personnelles en 2020 et 2022. Il a ensuite été invité par Sadie Coles HQ à Londres en 2024, et prépare une nouvelle exposition chez David Zwirner à New York cette année 2025. On a également pu le voir à Paris Internationale l’an dernier, ainsi qu’à Art Basel Hong Kong au printemps.

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Yu Nishimura, désormais représenté par plusieurs galeries, s’impose discrètement mais fermement sur la scène internationale. Son travail, prisé par les grandes foires d’art contemporain, séduit par sa retenue. Loin des effets tapageurs, sa peinture invite à une contemplation plus silencieuse, plus profonde.

Alors que les allées d’Art Basel s’apprêtent à accueillir critiques, collectionneurs et curieux, Yu Nishimura s’annonce comme l’un des noms à retenir de cette saison. Une peinture discrète mais essentielle, à l’image d’un monde intérieur qui refuse de s’éteindre.

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Présentée jusqu’au 14 septembre 2025, cette exposition bénéficie du soutien de FENDI, partenaire officiel du projet. La maison italienne poursuit ainsi son engagement en faveur de la création contemporaine, en accompagnant une artiste dont la pratique artistique est à la fois audacieuse, politique et profondément ancrée dans les imaginaires africains.

Dans les salons dorés et marbrés de cette ancienne demeure du cardinal Scipione Borghese, berceau du classicisme italien, surgissent des formes hybrides, suspendues, fragmentées. Sculptures en bronze, vidéos, installations végétales… L’artiste kényano-américaine impose un nouveau vocabulaire plastique, à la fois ancré dans les traditions africaines et résolument tourné vers l’avenir.

Je ne viens pas pour remplacer les chefs-d’œuvre, mais pour leur parler autrement

explique Wangechi Mutu lors du vernissage, devant un public partagé entre fascination et stupeur.

Le titre Black Soil Poems — « poèmes de terre noire » — évoque une matière fertile, malléable, presque sacrée. Une terre qui renaît, transforme, transmet. Partout dans le musée, les œuvres semblent émerger du sol ou flotter dans l’air, telles des mémoires oubliées revenues hanter le présent. Dans une salle, deux têtes de bronze pleurent en silence. Dans une autre, des formes légères planent entre les toiles de Raphaël et de Titien.

Mais cette suspension n’est pas qu’esthétique. Elle remet en question la gravité du récit occidental, son autorité figée. À la Galleria Borghese, Mutu ne juxtapose pas : elle interroge. Que voit-on ? Et surtout : que ne voit-on pas ? Qui manque à l’image ?

Une réécriture des mythes

À l’extérieur, les Jardins Secrets se peuplent de figures mystérieuses. The Seated I, Water Woman, Nyoka… Mi-déesses, mi-statues, elles gardent les lieux comme des vestales postcoloniales. Dans un coin, une vidéo animée (The End of Eating Everything) projette sur écran le cauchemar d’une créature tentaculaire avalant le monde — une allégorie aussi grotesque que politique.

Mutu n’en est pas à son coup d’essai. Révélée dans les années 2000, elle a exposé au MoMA, à la Biennale de Venise, et au Metropolitan Museum de New York. Ses œuvres, profondément féministes, écologiques et décoloniales, renversent les stéréotypes sur le corps noir, la femme, et l’héritage africain.

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L’art comme mémoire et révolte

L’exposition culmine à l’American Academy in Rome, où une sculpture intitulée Shavasana I repose, immobile, sous un tapis de paille. Inspirée par un fait divers tragique, elle évoque le yoga, la mort, la dignité des invisibles. Un écho silencieux aux violences policières et aux oubliés de l’histoire mondiale.

Le tout est porté par une bande-son discrète mais puissante : des chants, des bribes de poèmes, un extrait du discours d’Haïlé Sélassié à l’ONU en 1963. Le tout glisse dans l’oreille comme un fil de mémoire.

Un musée en mutation

Avec Black Soil Poems, la Galleria Borghese poursuit sa mue. Après Penone et Louise Bourgeois, le musée affirme son ambition d’ouvrir les fenêtres du passé à l’air du présent. Un pari osé, parfois contesté, mais salutaire. Car ici, pour une fois, ce ne sont pas les chefs-d’œuvre qui brillent, mais ce qu’ils ont toujours tu.

Black Soil Poems, Wangechi Mutu – Galleria Borghese, jusqu’au 14 septembre 2025. Plus de renseignements sur galleriaborghese.beniculturali.it

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