Cette édition 2026 restera d’abord comme celle de Bad Bunny. Déjà grand favori avec Kendrick Lamar et Lady Gaga, l’artiste portoricain a marqué l’histoire en remportant le Grammy de l’album de l’année pour Debí Tirar Más Fotos. Une première pour un disque intégralement en espagnol, symbole fort dans une Amérique traversée par des tensions identitaires. Mais c’est surtout son discours qui a électrisé la salle. Refusant les remerciements convenus, Bad Bunny a pris position frontalement contre la politique migratoire américaine et l’ICE, rappelant que les artistes latinos ne sont ni invisibles ni interchangeables. Une prise de parole applaudie debout, qui a donné le ton d’une soirée résolument engagée.

Dans le même esprit, Olivia Dean a été sacrée meilleure nouvelle artiste. La chanteuse britannique, dont la carrière a explosé en 2025, a livré un discours intime et politique à la fois, évoquant son héritage familial et la force de l’immigration. Loin de la success story formatée, elle a rappelé que la pop peut encore être un espace de transmission et de mémoire. Une émotion brute, qui contrastait avec le vernis habituel des grandes cérémonies.

Côté palmarès, les Grammy Awards 2026 ont largement récompensé les figures déjà bien installées. Billie Eilish a remporté le prix de la meilleure chanson pour Wildflower, ballade délicate et mélancolique, et a profité de la scène pour dénoncer les violences policières et les politiques répressives. Kendrick Lamar, lui, a confirmé son statut de géant : avec ses nouveaux trophées, il devient le rappeur le plus récompensé de l’histoire des Grammy, un record qui dit beaucoup de son influence culturelle au-delà du hip-hop. Lady Gaga, fidèle à son goût du spectaculaire, est repartie avec plusieurs distinctions, notamment dans les catégories pop et dance, confirmant que son retour avec Mayhem n’avait rien d’un simple coup de nostalgie.

La Recording Academy avait pourtant promis du renouveau. Avec l’intégration de 3 800 nouveaux membres et la réintroduction du prix de la meilleure pochette d’album – disparu depuis les années 1970 – l’institution entendait refléter la diversité actuelle du paysage musical. Dans les faits, la soirée a navigué entre ouverture réelle et conservatisme assumé. Si des artistes comme Doechii, Turnstile, Tyler, The Creator ou The Cure ont trouvé leur place au palmarès, plusieurs absences ont fait grincer des dents. The Weeknd, Lorde, Gracie Abrams ou encore Ravyn Lenae ont été purement et simplement ignorés. Quant à Taylor Swift et Rosalía, elles devront attendre 2027 : leurs derniers albums sont arrivés trop tard pour être éligibles.

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Sur scène, le spectacle a tenu ses promesses. Sabrina Carpenter, Lady Gaga, Addison Rae, Olivia Dean, Rosé, Tyler, The Creator, Bruno Mars, Chappell Roan, Lauryn Hill ou encore Justin Bieber ont enchaîné les performances, dans un mélange assumé de générations et de styles. Mention spéciale à Addison Rae, dont la prestation a confirmé son virage réussi vers une pop plus affirmée, loin de son image initiale de star des réseaux sociaux.

La cérémonie a aussi été marquée par une domination nette des musiques urbaines et alternatives. Le rap, le R’n’B et l’électro ont occupé le devant de la scène, tandis que le rock, bien que toujours présent, s’est cantonné à des niches plus pointues. Turnstile, Deftones ou Linkin Park ont néanmoins rappelé que les guitares n’avaient pas dit leur dernier mot.

Au final, les Grammy Awards 2026 n’ont peut-être pas bouleversé l’ordre établi, mais ils ont confirmé une chose essentielle : la musique populaire n’est plus seulement un divertissement.

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Au début des années 1970, dans des lofts new-yorkais à moitié vides, Alan Vega se tient droit comme une menace. Martin Rev appuie sur des touches de synthétiseur bon marché. La boîte à rythmes cogne comme un cœur sous amphétamines. Le groupe s’appelle Suicide. Le public, lui, hésite entre la fuite et la bagarre.

Alan Vega vient des arts plastiques, et cela s’entend. Sa musique fonctionne par blocs, par surfaces, par lumière crue. Né à Brooklyn en 1938, élevé dans une famille juive ouvrière, il apprend d’abord à regarder avant de faire du bruit. À Columbia, il peint. À la Judson Gallery, il découvre les néons, le minimalisme, les formes industrielles. Il comprendra très tôt que le son peut être une matière aussi coupante que le verre.

Sur scène, il ne joue pas : il s’expose. Chaque concert est un test de résistance. Celle du public, la sienne. Les sets sont courts, violents, presque cliniques. À Glasgow, en 1978, quelqu’un lui jette une hache. Ce n’est pas un accident. C’est une critique d’art sauvage.

Suicide (1977) ressemble à un sabotage. Pas de groove confortable, pas de refrain accueillant. Une rythmique figée, une voix qui passe du murmure au hurlement, des silences qui font plus peur que le bruit. Frankie Teardrop n’est pas une chanson : c’est une descente guidée dans l’horreur domestique, dix minutes pour comprendre que la pop peut aussi être un traumatisme.

En solo, Vega va encore plus loin dans le dénuement. Alan Vega (1980), Collision Drive (1981) : des disques maigres, sexy et malades. Le rockabilly y est fantomatique, l’électronique réduite à l’essentiel. On y entend Elvis traverser une zone industrielle en feu. Vega chante l’amour comme on parle d’un danger imminent.

Il n’a jamais cherché à devenir un modèle, et pourtant tout le monde l’a copié. Joy Division, Soft Cell, Nick Cave, The Jesus and Mary Chain, Bruce Springsteen période Nebraska, Bashung, Radiohead : tous ont puisé dans ce cri primitif, cette idée que la musique pouvait être pauvre, frontale, et néanmoins infiniment expressive.

Alan Vega meurt en 2016, sans bruit, fidèle à sa logique. Mais ses disques, eux, refusent de se taire. En 2026, Sacred Bones réédite ses deux premiers albums solos, avec démos inédites, comme si l’on rouvrait un dossier jamais classé. Pas pour le nostalgique, mais pour le présent.

Redécouvrez Alan Vega et Collision Drive en Deluxe Remastered Edition, disponibles dès le 23 janvier 2026.

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Debbie Harry a fêté ses 80 ans, et visiblement la rockeuse n’a rien perdu de son flair. Dans une interview au Sunday Times, elle balance qu’un biopic et un documentaire sur sa vie sont dans les tuyaux. Et elle a déjà sa candidate idéale pour l’incarner :

Si c’était quelqu’un comme Florence Pugh, je serais au paradis.

Une phrase qui résume assez bien Debbie Harry : mi-déesse punk, mi-grande gueule céleste. Et franchement, Florence Pugh, la boule de feu capable de passer de Midsommar à Dune 2, a tout pour enfiler la mini-jupe vinyle et les boots du CBGB sans trembler.

Blondie, l’art de transformer la rage en pop

Avant de devenir l’icône que Warhol dessinait et que Madonna copiait (sans l’avouer), Debbie Harry était Angela Trimble, fille adoptive d’un couple du New Jersey qui rêvait de Marilyn Monroe. Elle chante du folk, rencontre Chris Stein, et hop : Blondie est né.

Résultat ? Des hits taillés pour les dancefloors et la postérité : Call Me, Heart of Glass, Atomic. Blondie devient l’un des rares groupes capables de plaire à la fois aux punks, aux poppeux et aux fétichistes de la laque.

Et comme le disait Iggy Pop (toujours lucide entre deux torses nus) :

Pouvez-vous me citer un seul groupe américain qui a influencé la scène pop comme Blondie ?

Quand Debbie croise Ted Bundy (vraiment)

Si le biopic ne contient pas cette scène, c’est qu’on nous aura menti : un soir, alors qu’elle tente de rentrer chez elle après le service, Debbie Harry monte dans la voiture d’un inconnu. Pas de poignées intérieures, vitres teintées, odeur suspecte… Elle s’échappe de justesse. Des années plus tard, elle reconnaît son conducteur à la télévision : Ted Bundy.

La morale ? Même les rock stars ont besoin de flair. Et d’un bon ange gardien.

New York, 1970 : sexe, sons et silences radio

Imaginez : Lower Manhattan, les néons du CBGB, les Ramones, Patti Smith qui tire sur sa clope en lançant à Debbie Harry qu’il n’y a “pas de place pour deux blondes sur scène”. Ambiance. Debbie s’en fout, elle continue, micro en main et sourire carnassier.

Blondie devient culte. Puis mondial. Puis éternel.

Et Madonna, quelque part dans le Midwest, note soigneusement la leçon : provocante, libre, blonde. La formule magique.

Charlotte Wells + Debbie Harry = un cocktail explosif

Charlotte Wells, 38 ans, celle qui nous a fait pleurer avec Aftersun, s’attaque donc à une femme qui a survécu à la drogue, aux médias, à l’ego des rockeurs.

On imagine déjà une caméra tremblante, un riff de guitare qui grésille et un travelling sur les rues crades de Manhattan. Et, au centre, Florence Pugh, blonde platine et insolente, en train de redéfinir la liberté à sa manière.

Pas encore de date, mais déjà une promesse

Le biopic n’a ni titre, ni bande-annonce, ni date. Mais il a un mythe, une réalisatrice en or et une actrice potentielle qui flambe. Et c’est déjà suffisant pour faire frémir la pop culture.

Alors en attendant, on se repasse Heart of Glass en boucle, on sort le gloss et la veste en cuir. Parce que Debbie Harry, c’est un rappel à l’ordre : la vraie rock star, c’est celle qui continue de faire du bruit, même quarante ans après le silence.

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Avant d’être un groupe, The Internet est une belle anomalie : un projet né sur Myspace (oui, ce truc d’avant TikTok) entre Syd tha Kyd, ingénieure du son de génie au sourire timide, et Matt Martians, producteur astral en quête de vibrations nouvelles.

Nous sommes à Los Angeles, 2011. Les deux geeks du son traînent leurs guêtres du côté d’Odd Future, ce collectif aussi incontrôlable qu’un chat sous caféine, mené par Tyler, The Creator et Frank Ocean. Très vite, ils décident de faire bande à part et de bricoler leur propre univers : des beats qui collent à la peau, des riffs de guitare sucrés, et des nappes de synthé à la Kool & The Gang sous acide.

Leur premier album, Purple Naked Ladies (2011), sent la chambre d’ado, les câbles emmêlés et les nuits sans sommeil. Deux ans plus tard, Feel Good affine la formule. Mais c’est Ego Death (2015) qui change la donne : nomination aux Grammy Awards, critiques dithyrambiques, et le monde découvre que la soul peut être à la fois vintage, queer, et totalement décomplexée.

Un collectif qui groove à cinq cerveaux

Sur scène, The Internet ressemble à une dream team échappée d’un film de Larry Clark version funk. Syd, l’androgyne au charisme tranquille, glisse sur les mélodies comme une panthère dans une ruelle.

À ses côtés, Steve Lacy, le kid prodige à la guitare toujours accordée sur le cool, enchaîne les riffs soyeux entre deux poses de mannequin désinvolte. Patrick Paige II, le bassiste philosophe, ancre tout ce petit monde dans un groove aussi rond qu’un galet poli par la mer. Matt Martians, le cerveau sonore, tisse des textures électroniques qu’on croirait empruntées à un rêve humide. Et derrière eux, Christopher Smith veille à la batterie, gardien discret du temple du tempo.

Leur alchimie ? Une sorte de bande de potes du futur, coincée entre 1976 et 2025, qui ferait du Marvin Gaye sur Ableton.

“Come Over”, “Roll (Burbank Funk)” et l’âge d’or du cool

Leur dernier album en date, Hive Mind (2018), reste une capsule de douceur spatiale. Un disque conçu comme une bulle d’amour collectif — un projet où chaque membre brille, sans jamais éclipser l’autre.

Sur Come Over, Syd fredonne une invitation à l’amour façon slow 2.0, tandis que Roll (Burbank Funk), co-produit avec Thundercat, Mac DeMarco et Kamasi Washington, fait danser les neurones autant que les hanches.

À cette époque, The Internet devient un label de cool à lui tout seul : un mélange de groove millimétré, de sensualité minimaliste et de second degré assumé. Ils jouent à la soul comme on joue au ping-pong, sans forcer, juste pour le plaisir du rebond parfait.

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Des carrières solo en orbite

Puis, chacun est parti butiner ailleurs. Syd sort Fin (2017), disque sensuel et introspectif, où la chanteuse s’émancipe des carcans du R&B traditionnel. Steve Lacy, lui, s’impose comme l’enfant terrible de la guitare funky : il co-produit DAMN. de Kendrick Lamar à 18 ans, avant de décrocher un Grammy Award pour Bad Habit (2022), hymne timide des amoureux à la traîne. Patrick Paige II livre Letters Of Irrelevance (2018), album de bassiste contemplatif et introspectif, taillé pour les insomnies mélancoliques.

Pendant ce temps, Matt Martians continue de faire flotter ses synthés dans les galaxies parallèles.

Le retour du groove collectif

Après une pause volontaire depuis 2022, Syd a récemment confirmé au micro de TMZ Hip Hop :

On bosse sur un nouveau projet. Ce sera du lourd.

Et le ton est donné : Steve Lacy chantera davantage, Syd reprendra les manettes, et l’ensemble promet une fusion plus mature, plus libre encore. Une sorte de Ego Death post-pandémique, nourri de toutes leurs aventures solo.

On murmure déjà que le groupe préparerait une tournée mondiale pour 2026. Rien d’officiel, mais dans le microcosme nu-soul, l’attente est palpable : les fans se remettent à dépoussiérer leurs vinyles, à ajuster leurs chemises en soie et à rêver d’un retour du groove en technicolor.

Ce qu’on veut : qu’ils soient encore “Internet”

Dans un monde saturé de playlists interchangeables et d’algorithmes qui vendent des émotions en lot de 12, The Internet fait figure d’ovni : un vrai groupe, avec de vraies guitares, et une alchimie humaine qu’aucune IA ne peut coder.

Leur retour est un rappel à la sensualité, à la sincérité et au plaisir pur du son bien senti.

Et si, finalement, le futur de la soul appartenait encore à ces cinq kids qui n’ont jamais vraiment grandi — juste appris à groover un peu mieux ?

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Changer d’avis est un sport national pour Lana Del Rey. Annoncé d’abord sous le titre Lasso, puis The Right Person Will Stay, l’album devait être une grande chevauchée americana. Ensuite, elle a juré que non, qu’en fait ce serait un disque gothique du Sud profond, ambiance manoir hanté et rocking chair qui grince. Et puis finalement, retour à la country. Bref, à ce stade, on s’attend presque à ce qu’elle annonce demain que Stove sera un double album de techno berlinoise.

Mais la diva a tranché : ce sera country, produit avec son complice Jack Antonoff à Nashville. Et plutôt copieux : 19 titres au menu, comme un buffet à volonté de ballades mélancoliques.

Henry, Blue Bird et un peu de drama

En attendant le festin, Lana Del Rey a déjà servi quelques amuse-bouches : Henry, Come On (avril 2025), guitare-voix épuré et larmes garanties ; blue Bird, dans lequel on entend guitare sèche + harmonica = tout droit sorti d’un saloon fantomatique ; un extrait posté en août où elle cite Ethel Cain, avec qui elle partage, disons… des histoires de garçons. Parce que Lana n’est jamais loin du soap opera.

Ajoutez à ça un featuring improbable avec Quavo (Tough, aka la rencontre country-rap la plus WTF de la décennie) et vous obtenez une bande-son où Johnny Cash croise Migos sur un porche en bois.

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2024 : Lana Del Rey sur tous les fronts

Avant de rallumer son Stove, Lana Del Rey a flambé sur scène. À Coachella, elle est arrivée à moto façon héroïne de clip. À Rock en Seine, elle a fait chavirer un public déjà acquis à sa cause. Au Met Gala, elle a rejoué le glamour old Hollywood, prouvant qu’elle reste la muse rétro la plus fascinante de la pop contemporaine.

Alors, country sincère ou pastiche mélancolique ? Peu importe : avec Lana Del Rey, on sait qu’on va pleurer dans notre verre de whisky (ou de Coca zéro) en janvier 2026. Et franchement, qui aurait cru qu’un simple Stove pouvait nous donner aussi chaud ?

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Née en Crète, repérée par un patron de label français, Louis Hazan, à l’aube des années 1960, Nana débarque à Paris dans la foulée d’un concours de chant et d’un succès en Grèce. Peu après, elle reçoit des félicitations inattendues de deux géants : Michel Legrand et Quincy Jones, rien que ça. Le premier l’attend à Paris, le second à New York. C’est ce dernier qui la propulse dans une parenthèse jazzy aussi brève qu’iconique : The Girl from Greece Sings, un album oublié à sa sortie, redécouvert et vénéré plus tard.

Arrivée à New York, Nana Mouskouri est accueillie comme une princesse par Quincy Jones lui-même. Dans sa chambre d’hôtel ? Un pick-up et une pile de vinyles : un crash course express sur la soul et le jazz made in Harlem. En studio, Quincy Jones teste sa voix sur des standards, dirige sans jouer, choisit les morceaux à l’instinct. Résultat ? Un disque à l’élégance feutrée, cousu main, que personne ou presque ne remarque à l’époque. Mais dans les clubs new-yorkais, elle écoute Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan, et comprend que le chant n’est pas affaire de performance, mais de sincérité. Quincy Jones lui dit : « Give me your heart. » Elle le fait. Et c’est bouleversant.

Nana Mouskouri, l’Américaine qui a dit non

Quincy Jones la voulait sur le sol américain pour de bon. Elle a refusé. Pas par caprice, mais parce que tout recommencer à zéro alors qu’on chante déjà avec Charles Aznavour ou Michel Legrand, c’est un luxe que Nana Mouskouri ne peut – ou ne veut – se permettre. Elle choisit l’Europe. Et c’est peut-être ce “non” qui fait d’elle une artiste à part, restée libre, insaisissable, hors des formats.

Dylan, Cohen et les nuits blanches

L’Amérique, elle y revient malgré tout. En 1978, à Los Angeles, elle retrouve deux admirateurs pas tout à fait anonymes : Leonard Cohen et Bob Dylan. Cohen, délicat et torturé, que Mouskouri chante déjà en français ; Dylan, silencieux et fuyant, qui finit par rester toute la soirée en coulisses alors qu’il prétend devoir partir. Trop timide pour la salle, trop curieux pour partir. Quand il finira par livrer son admiration dans Rolling Stone, le monde s’étonnera :

My favourite singers are Nana Mouskouri and Oum Kalsoum.

Rien que ça.

Avec Leonard Cohen et Bob Dylan, les conversations filent jusqu’à l’aube, autour de la musique, des femmes, de la mélancolie. Nana Mouskouri capte en eux la même quête qu’elle porte : celle d’une vérité intérieure que seule la musique sait dire sans mentir.

Judy Garland et Maria Callas en coulisses

Le jazz n’a jamais quitté Nana Mouskouri. Enfant, elle découvre Over the Rainbow au cinéma – son père est projectionniste. La voix de Judy Garland, puis celles de Billie Holiday et Ella Fitzgerald, l’ensorcellent. Elle les chante à sa manière, sans imitation, avec cet accent du cœur qu’on ne peut apprendre.

Dans une taverne grecque, elle croise Maria Callas. Les deux femmes discutent de jazz, de chant classique, de liberté. La Callas, bienveillante, lui glisse :

Ce qui compte, c’est comment et pourquoi tu chantes.

Le genre musical est secondaire. Seule l’âme compte. Nana en fait un mantra.

Un piano, et des copains en pyj’

Peu de gens savent qu’elle a coécrit – en pleine nuit et en pyjama – Les Enfants du Pirée, la chanson du film Jamais le dimanche, qui vaudra un Oscar à Manos Hadjidakis. Ce soir-là, alors que le compositeur s’arrachait les cheveux sur une mélodie inachevée, Nana Mouskouri est venue l’aider au piano. À l’aube, Melina Mercouri et Jules Dassin débarquaient chez lui. En pyjama. Grèce oblige.

Toujours debout, toujours en voix

Aujourd’hui, Nana Mouskouri a 90 ans. Elle chante encore. Vocalises au réveil, envie intacte. Elle dit :

Chanter est la seule chose que je sache faire.

En réalité, elle sait aussi écouter. Comprendre. Rendre hommage. Et dire sans bruit ce que d’autres hurlent sans fond.

Derrière ses lunettes, c’est une mémoire vivante de la musique du XXe siècle. Une voix qui, loin du vacarme, a traversé les décennies à l’écart des projecteurs clinquants. Une voix qu’on redécouvre comme on ressort un vinyle oublié. Avec émotion, respect. Et ce frisson qu’on croyait perdu.

Article inspiré d’une interview réalisée par Olivier Lalanne et parue dans Harper’s Bazaar (juin-juillet 2025)

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Annoncé à peine quatre jours avant sa parution, l’album a été introduit par une mise en scène singulière : une statue enfermée dans une boîte en verre, installée devant le Barclays Center à New York. À l’intérieur, le nouveau personnage de Tyler, surnommé “Big Poe”, affiche une allure rétro assumée : pantalons rouges façon LL Cool J, grills clinquants, baskets Run DMC, et posture caricaturale inspirée de Ludacris.

Le message est clair : Don’t Tap the Glass ne cherche pas à plaire ou à se justifier. Il impose un univers brut, direct, où l’artiste expose sa création tout en posant des limites. “Only speak in glory. Leave your baggage at home” : la phrase d’ouverture du disque donne le ton. Ce projet n’est ni un exutoire ni une introspection, mais un espace de puissance assumée.

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Retour aux fondamentaux du genre

En dix titres pour moins de 30 minutes, Don’t Tap the Glass condense les énergies de plusieurs décennies de hip-hop américain. L’album se veut dansant, accessible, mais reste d’une grande densité musicale. On y perçoit des références explicites au boom bap new-yorkais, au bounce de la Nouvelle-Orléans, au G-funk californien, et même aux influences électroniques de Detroit.

Dès le morceau Big Poe, qui sample Pass the Courvoisier Part II de Busta Rhymes, Tyler annonce la couleur : un hommage aux sons fondateurs, réinterprétés à travers une production contemporaine. Stop Playing With Me, l’un des titres phares, s’appuie sur une instrumentation minimaliste mais efficace. Le clip, réalisé par Tyler lui-même, fait intervenir Pusha T, Malice, LeBron James et Maverick Carter, dans un décor épuré, comme pour souligner que la mise en scène reste un art que le rappeur maîtrise à la perfection.

Une trajectoire artistique en constante mutation

Connu pour ses projets conceptuels (IGOR, Call Me If You Get Lost, Chromakopia), Tyler, The Creator change ici radicalement de stratégie. Aucun teasing complexe, aucun filtre narratif. Don’t Tap the Glass n’explique rien, il s’impose. Cette approche contraste avec Chromakopia, album introspectif et orchestral, salué pour sa richesse visuelle et sonore.

Ce retour aux sources musicales s’accompagne toutefois d’une nouvelle maturité artistique. À 34 ans, l’ancien leader d’Odd Future, autrefois critiqué pour ses provocations adolescentes et ses textes controversés, s’affirme aujourd’hui comme une figure incontournable de la scène rap internationale. Son influence dépasse la musique : réalisateur, styliste, directeur artistique, Tyler s’est construit une identité complète, entre underground et reconnaissance mainstream.

Un projet court, mais dense

Si Don’t Tap the Glass surprend par sa brièveté, il n’en reste pas moins un disque ambitieux dans sa forme. Loin de céder à la nostalgie facile, l’artiste y revisite les racines du genre tout en imposant sa vision. Chaque titre semble conçu pour le corps autant que pour l’oreille. Une injonction qui résume l’intention globale : faire vibrer, sans trop expliquer.

Tyler, The Creator – Don’t Tap the Glass. Album disponible depuis le 18 juillet 2025. 10 titres – 29 minutes. Label : Columbia Records. Plus de renseignements sur spotify.com

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Peu de disques résument aussi clairement les tensions, mutations et héritages de la jeunesse noire britannique que Black British Music, le nouvel album de Jim Legxacy, sorti il y a seulement quelques jours. Le titre, explicite, annonce la couleur : il s’agit d’une œuvre manifeste, un projet qui interroge à la fois l’histoire du rap au Royaume-Uni et l’identité de ceux qui l’ont façonnée.

À 25 ans, Jim Legxacy – de son vrai nom inconnu du grand public – s’impose comme une figure montante du paysage musical britannique. Originaire de Lewisham, quartier multiculturel du sud de Londres, il se distingue depuis ses débuts par une approche singulière : mêler les codes virils de la drill à une expression émotionnelle plus nuancée, parfois fragile, souvent poétique.

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Une musique du souvenir

Black British Music ne se contente pas de citer les grands noms du rap UK – J Hus, Skepta, Giggs, Dave – il les réinscrit dans une narration personnelle, intime, marquée par la marginalité, le chagrin et une lucidité désarmante. À travers des samples, des interpolations et des clins d’œil multiples, Jim Legxacy compose un véritable collage sonore, entre hommage générationnel et relecture critique.

Des titres comme “I Just Banged A Snus In Canada Water” ou “Stick” mettent en avant ce double mouvement : le souvenir d’une adolescence façonnée par les morceaux partagés via infrarouge sur les téléphones, les soirées à écouter Sneakbo ou Unknown T, et une tentative d’en tirer une forme nouvelle, hybride, où les émotions prennent le pas sur la posture.

De la drill à la folk, un spectre sonore élargi

Ce qui frappe à l’écoute, c’est l’ampleur du spectre musical mobilisé. Là où son premier album Citadel (2021) restait dans des formats plus traditionnels – des beats lo-fi, du grime pur – Legxacy élargit ici sa palette. On y croise des influences pop punk, indie folk, jersey club, voire afrobeat, comme sur le titre “Sun feat. Fimiguerrero”. Un parti pris audacieux qui ne sacrifie jamais la cohérence d’ensemble : c’est bien la voix de Jim, tantôt chantée, tantôt rappée, qui sert de fil conducteur.

Sur “3X feat. Dave”, le seul véritable couplet rap du disque, l’artiste londonien Dave rend hommage à l’histoire du genre tout en consolidant l’identité du projet. L’occasion aussi pour Legxacy de rappeler qu’il est à l’origine de la production de “Sprinter”, l’un des plus grands tubes UK rap de l’année 2023.

Une œuvre politique par sa seule existence

Sans slogan ni revendication directe, Black British Music est un projet profondément politique. Il vient rappeler que les musiques noires ne sont pas des sous-genres, mais les piliers de la culture populaire britannique contemporaine. Et que leur réappropriation par une nouvelle génération d’artistes, moins obsédée par la performance virile, plus encline à exprimer vulnérabilité et souffrance, est une mutation de fond.

Dans un contexte britannique où les politiques publiques tentent régulièrement de marginaliser certaines expressions musicales – la drill notamment, souvent associée à la violence –, Legxacy propose une autre lecture : celle d’une musique comme espace de mémoire, de soin et de narration personnelle.

Un disque témoin de son époque

En mêlant références historiques et récits intimes, en hybridant grime et folk, UK drill et indie rock, Jim Legxacy capture un moment précis de la jeunesse britannique. Une époque marquée par la précarité, la surconnectivité, mais aussi une formidable créativité.

Black British Music n’est pas un album facile. C’est un disque dense, à tiroirs, qui demande une écoute attentive pour en saisir toutes les strates. Mais c’est aussi une œuvre nécessaire, à la fois hommage et reconfiguration. Un rappel, surtout, de l’immense impact qu’a eu – et continue d’avoir – la musique noire dans la formation de l’identité britannique moderne.

Plus de renseignements sur jimlegxacy.com

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Née Hidaiyah Bey, l’artiste américaine est difficile à catégoriser. Depuis son premier album en 2016, cette native de New York – aujourd’hui installée à Washington – construit une œuvre singulière mêlant musique, poésie, arts visuels et engagement politique. Avec Do It Again, son sixième album studio sorti le 20 juin 2025, elle poursuit sa quête d’une expression libre, mêlant soul, R’n’B, jazz et hip-hop, en collaboration avec les groupes BADBADNOTGOOD et Butcher Brown.

Derrière ses sonorités chaleureuses et son groove caractéristique se cache un parcours marqué par la résilience. Fille du rappeur Grand Daddy I.U, membre du célèbre collectif Juice Crew, Yaya Bey n’a pourtant reçu aucun soutien dans sa vocation musicale.

Mon père me disait que je n’y arriverais jamais

confie-t-elle.

Une opposition qui forge sa détermination et l’oriente très tôt vers l’activisme et l’écriture.

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Militante pour les droits des femmes et de la communauté afro-américaine, elle manifeste régulièrement dans les rues de Washington. Ses textes, très personnels, évoquent autant les traumatismes de l’enfance que l’addiction à l’amour, les relations familiales ou la violence systémique. Une esthétique intime qu’on retrouve dans ses précédents projets salués par la critique, notamment Remember Your North Star (2022) et Exodus the North Star (2023).

Le deuil a marqué la création de son précédent album, Ten Fold (2024), conçu dans les mois suivant la mort de son père.

J’écrivais pour ne pas sombrer

explique-t-elle.

Do It Again, en revanche, se veut plus ouvert, tourné vers les autres. L’artiste y célèbre la capacité à « embrasser la vie telle qu’elle vient » et à « trouver la paix dans le pouvoir des relations humaines ».

Au-delà de la musique, Yaya Bey est aussi une artiste visuelle accomplie. Elle a exposé ses collages dans plusieurs galeries new-yorkaises et a été accueillie en résidence par le Museum of Contemporary African Diasporan Arts (MoCADA). Elle conçoit elle-même ses pochettes, ses vêtements de scène, ses clips. Une autonomie artistique revendiquée, à l’image de son parcours.

Figure montante d’une soul afro-féministe, Yaya Bey refuse les étiquettes. « Je veux que ma musique ressemble à ma vie : un mélange de colère et d’amour, de beauté et de chaos », résume-t-elle. Un équilibre fragile, mais d’une rare intensité.

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Vingt-huit ans après la sortie de Baduizm, album fondateur de la nu-soul, Erykah Badu s’apprête à revenir sur le devant de la scène. D’après les informations du magazine Billboard, la chanteuse prépare un nouvel opus en collaboration avec The Alchemist, figure majeure du hip-hop indépendant américain. Une annonce qui suscite un vif intérêt tant les univers des deux artistes, bien que très différents, partagent une même exigence artistique et une approche artisanale de la musique.

Depuis But You Caint Use My Phone en 2015, mixtape conceptuelle sur l’addiction au téléphone, Erykah Badu s’est faite discrète sur le plan discographique. Mais sa présence continue de marquer la culture contemporaine : apparitions scéniques, lives expérimentaux diffusés en ligne pendant la pandémie, collaborations inattendues… L’artiste texane, âgée de 54 ans, reste une figure centrale d’un courant musical qu’elle a contribué à faire émerger : la nu-soul, cette fusion de soul, jazz, hip-hop et spiritualité née dans les années 1990.

The Alchemist, architecte du hip-hop atmosphérique

Côté production, le choix de The Alchemist intrigue et séduit. Connu pour ses collaborations avec Mobb Deep, Freddie Gibbs ou Kendrick Lamar, le producteur californien développe depuis plusieurs années une esthétique minimaliste et introspective. Entre samples poussiéreux, textures granuleuses et ambiances lo-fi, son style tranche avec les codes du R’n’B contemporain. Sa rencontre avec Erykah Badu pourrait donner naissance à un projet singulier, entre groove mystique et beats brumeux.

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Héritage et avant-garde

Erykah Badu n’est pas seulement une chanteuse. Elle incarne une vision de la musique comme vecteur d’identité, d’émancipation et de mémoire. Influencée par Billie Holiday autant que par le hip-hop, elle a imposé une voix, un style, et une pensée. Derrière ses performances parfois déroutantes — comme lors de son passage au festival We Love Green en 2019 — se cache une volonté de réactiver les rituels, les récits afro-descendants et les dimensions spirituelles de la musique noire américaine.

Avec six albums à son actif et de nombreux alias — Fat Belly Bella, Sara Bellum ou encore Analogue Girl in a Digital World — Erykah Badu s’est construite un mythe personnel, entre poésie urbaine et ésotérisme assumé. Elle a également multiplié les engagements politiques, notamment à travers sa fondation B.L.I.N.D., ou dans ses prises de position contre les violences policières.

Une attente nourrie par la rareté

L’album à venir, dont ni la date de sortie ni le titre n’ont encore été révélés, s’annonce comme un retour majeur. La rareté des productions de Badu ne fait qu’accentuer l’intérêt du public et des critiques. À une époque où les sorties se multiplient à un rythme effréné, la chanteuse continue d’imposer son propre tempo. Et sa propre vision : celle d’une musique libre, incarnée, et résolument hors format.

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