Inspirée par la beauté sauvage du littoral méditerranéen, cette nouvelle création olfactive débarque comme une vague de fraîcheur sur les peaux échauffées par l’été. Fidèle à l’ADN de la collection Eros, elle conjugue puissance, séduction et énergie solaire dans un sillage aussi affirmé qu’inoubliable.

Dès les premières notes, le parfum donne le ton. Les agrumes italiens et la bergamote éclate avec une intensité presque addictive. Une ouverture pétillante, lumineuse et vivifiante qui évoque les vergers baignés de soleil et les embruns marins.

Mais derrière cette fraîcheur se cache un tempérament bien plus sensuel. En cœur, le poivre rose et le cassis viennent électriser la composition, tandis que l’ambre blanc déploie sa chaleur enveloppante. Une alliance subtile qui joue avec les contrastes et fait monter la température de quelques degrés.

Le voyage se poursuit enfin sur des notes boisées et musquées. Le patchouli et la mousse de chêne apportent profondeur, caractère et élégance à ce parfum taillé pour laisser une empreinte durable. Le genre de sillage qui attire les regards autant qu’il marque les mémoires.

Versace capture l’esprit d’un été sans limites. Vibrant, audacieux et foncièrement séduisant. Une fragrance pensée pour celles et ceux qui veulent porter l’énergie du soleil bien après le coucher du jour.

Disponible dès à présent en parfumeries. Eau de parfum 50ml : 95€. Eau de parfum 100ml : 120 €. Plus de renseignements sur sephora.fr

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La prestigieuse maison britannique, propriété d’Hermès depuis 1976, a annoncé qu’elle quitterait son atelier historique de Northampton pour s’installer dans une nouvelle manufacture située en centre-ville. Un projet d’envergure dont la livraison est prévue à l’horizon 2029.

Pour les amateurs de souliers d’exception, pas de panique. John Lobb ne quitte ni sa ville ni son ADN. L’entreprise reste solidement ancrée dans le Northamptonshire, berceau historique de la chaussure anglaise. Une région où l’on parle encore de montage Goodyear avec autant de passion que de football.

Une nouvelle adresse pour un vieux savoir-faire

Selon la maison, ce transfert vise avant tout à sécuriser son avenir au sein d’un territoire reconnu pour son patrimoine cordonnier, ses artisans hautement qualifiés et son excellence manufacturière. Une manière élégante de dire que l’on peut moderniser les murs sans toucher à l’âme.

Le futur site entend également répondre aux ambitions environnementales du groupe Hermès. Le projet promet une approche mêlant sobriété énergétique, performances industrielles et amélioration des conditions de travail. Le tout dans un écrin architectural inspiré des manufactures les plus récentes du géant français du luxe.

Dans la communication officielle, les mots-clés ne manquent pas : innovation, transmission, excellence opérationnelle et savoir-faire. Un vocabulaire qui pourrait sembler convenu ailleurs, mais qui prend une résonance particulière lorsqu’il s’agit d’une maison dont chaque paire de chaussures nécessite plusieurs centaines d’opérations manuelles.

Northampton, survivante du grand exode industriel

L’annonce intervient dans un contexte où la plupart des marques britanniques ont depuis longtemps délocalisé leur production. Si les chaussures vendues sous pavillon britannique sont souvent fabriquées à des milliers de kilomètres des îles britanniques, Northampton fait figure d’irréductible village gaulois de la chaussure haut de gamme.

La ville a certes perdu son statut de capitale industrielle mondiale du soulier, mais elle continue d’abriter plusieurs manufactures réputées. La production locale reste un argument de poids pour des maisons dont l’identité repose précisément sur la qualité artisanale et l’origine de fabrication. Parmi elles figure notamment Church’s, autre nom emblématique du soulier britannique, propriété du groupe Prada, qui continue lui aussi à produire dans la région.

Un héritage de 150 ans qui refuse de prendre la poussière

Pour Hermès, cette nouvelle manufacture représente davantage qu’un simple changement d’adresse. Le groupe y voit l’expression de l’ambition de John Lobb de faire vivre un héritage exceptionnel dans le monde contemporain, sans renoncer aux exigences qui ont façonné sa réputation depuis plus d’un siècle et demi.

Fondée en 1866, la maison continue de fabriquer l’essentiel de ses chaussures au Royaume-Uni tout en maintenant son activité de grande mesure dans son atelier parisien. Aujourd’hui, la marque dispose de 18 boutiques à travers le monde et demeure l’une des références absolues du soulier masculin de luxe.

Plus de renseignements sur johnlobb.com

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Cette semaine, la ville des Alpes-Maritimes accueille le Simppar, le Salon international des matières premières pour la parfumerie. Un événement autrefois exclusivement parisien, qui alterne désormais entre la capitale et Grasse. Un symbole fort. Le centre de gravité du parfum n’est plus seulement dans les bureaux feutrés des grands groupes, mais aussi au milieu des champs de roses chauffés par le soleil du midi.

Car il fut un temps où l’histoire sentait moins bon. Entre la flambée des prix du foncier sur la Côte d’Azur, l’invasion des molécules synthétiques et la concurrence étrangère, la filière grassoise a traversé un sérieux passage à vide. Dans les années 1980 et 1990, beaucoup voyaient déjà les fleurs locales finir au musée avec les vieux alambics.

La rose Centifolia, emblème local surnommée “rose de mai”, en est l’exemple parfait. Produite à plus de 3.000 tonnes par an au début du XXe siècle, elle a chuté jusqu’à 59 tonnes en 2011. Pendant ce temps, sa cousine la rose Damascena, cultivée massivement en Turquie, Bulgarie ou au Maroc, envahissait le marché mondial à coups de pétales bien moins coûteux.

Mais dans la parfumerie de luxe, certaines histoires d’amour résistent aux tableurs Excel. Dior ou Chanel ont refusé d’abandonner la Centifolia, indispensable à certains de leurs parfums mythiques. Et Grasse a gardé son savoir-faire vivant, au point d’obtenir en 2018 une inscription au patrimoine culturel immatériel de l’Unesco.

Depuis, les géants du secteur reviennent comme des abeilles sur un champ de tubéreuses.

Le suisse dsm-firmenich, l’américain IFF, le suisse Givaudan ou encore l’allemand Symrise multiplient les investissements. Nouveaux centres d’innovation, laboratoires à ciel ouvert, villas botaniques ultra-design… Bref, Grasse s’est transformée en campus mondial du parfum chic et chlorophyllé.

Le paysage local change aussi de visage. Ici, les anciennes bastides deviennent des laboratoires créatifs où les “nez” du monde entier viennent chercher l’inspiration entre deux rangées de jasmin. Là, des domaines entiers servent de vitrines luxuriantes pour séduire clients et créateurs en quête d’authenticité.

Le plus ironique dans cette renaissance ? Grasse ne produit toujours qu’une quantité modeste de fleurs à parfum. Mais dans le luxe, le volume compte parfois moins que l’histoire racontée autour du flacon. Et aujourd’hui, ce récit sent furieusement bon le retour triomphal.

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C’est précisément ce que réussit Café COURT, qui rouvre ses portes comme un contre-pied élégant à tout ce cirque mondain. Ici, personne ne cherche à “faire événement”. Et c’est probablement pour ça que le lieu devrait devenir l’un des rendez-vous les plus désirables de la saison.

Avec Café COURT, la famille Dumant remet en jeu un lieu emblématique en l’ancrant dans un Paris plus détendu, plus solaire et civilisé. Une anomalie locale.

Dès l’arrivée, quelque chose surprend : l’espace. À Paris, on avait fini par croire qu’une terrasse consistait forcément à dîner coincé entre un scooter thermique et un couple en rupture silencieuse. Ici, non. La terrasse respire. Du bois, du vert, des parasols, de la lumière, de vraies tables, et non loin de là les terrains de tennis. Jeu, set et spritz.

Très vite, le mécanisme se met en place. On vient pour un café. Puis un verre. Puis quelqu’un commande une assiette à partager. Puis une autre. Puis le soleil descend lentement et personne ne semble avoir envie de partir. Entre 17h et 20h, le lieu devient une sorte de club-house parisien sans membres insupportables ni bracelets VIP. Ça rit, ça circule, ça s’installe longtemps. Les inconnus se parlent. Les téléphones restent silencieux.

Mais Café COURT ne repose pas uniquement sur cette terrasse qui donne envie d’annuler tous ses rendez-vous du lendemain. La vraie surprise, c’est que la cuisine suit. Et même très sérieusement. La maison redonne ses lettres de noblesse à cette idée devenue presque rare : la trattoria de quartier qui nourrit réellement les gens. Pas de micro-portions décorées comme des installations contemporaines. Pas de serveur qui prononce “burrata” avec l’accent de Milan après un week-end à Courchevel. Ici, la cuisine italienne assume sa générosité et son plaisir.

Les légumes viennent de maraîchers sélectionnés directement, les viandes d’éleveurs choisis avec exigence, et la milanaise déjà signature arrive préparée à partir d’une côte de veau française qui rappelle soudain que le bonheur tient parfois dans une chapelure joliment maîtrisée. Les pâtes sont généreuses, les pizzas précises, les cuissons impeccables. Des assiettes franches, pensées pour donner envie de revenir souvent, ce qui devient presque subversif dans une époque où certains restaurants semblent surtout conçus pour être photographiés avant d’être oubliés.

Même logique du côté des vins. La cave ne cherche pas à impressionner les gens qui utilisent le mot “minéralité” avec gravité. Elle accompagne les longues tablées, les déjeuners qui débordent, les soirées qui s’étirent sans prévenir. Des bouteilles vivantes, accessibles, faites pour circuler. Comme le reste.

À l’intérieur, l’esprit reste intact. Matières chaleureuses, lignes sobres, élégance discrète. Un club-house revisité version parisienne, chic sans arrogance, vivant sans hystérie. Le genre d’endroit où l’on peut autant croiser un avocat fatigué de ses déjeuners d’affaires qu’une bande d’amis venus refaire le monde autour d’une deuxième bouteille “juste pour finir”.

Au fond, c’est peut-être ça la réussite de Café COURT. Le lieu ne cherche jamais à en faire trop. Il comprend quelque chose que beaucoup d’adresses parisiennes ont oublié depuis longtemps. Le vrai luxe aujourd’hui, ce n’est pas de montrer qu’on est là. C’est d’avoir envie d’y rester.

Café COURT – 85 Bd Flandrin 75116 Paris. t/ 01 80 50 02 50. Restaurant ouvert au déjeuner et au dîner. Cuisine italienne : pizzas, pâtes, viandes. Afterwork à partir de 17h. Plus de renseignements sur cafcourt-dauphine.fr

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L’affaire pourrait ressembler à un mauvais scénario de série Netflix sur les dérives du consumérisme moderne. Pourtant, tout est bien réel : une montre en plastique coloré, une file d’attente interminable, 400 euros en liquide, une cave de kebab et, au bout du compte, la prison.

Une montre devenue objet de culte

Depuis plusieurs semaines, la “Royal Pop”, fruit d’une collaboration entre Swatch et Audemars Piguet, provoque des scènes de frénésie rarement observées pour une montre accessible au grand public. Entre collectionneurs compulsifs, revendeurs opportunistes et amateurs de hype horlogère, les boutiques ont vu se former des files d’attente dès l’aube dans plusieurs grandes villes européennes.

À Strasbourg, le 16 mai dernier, un jeune homme d’une vingtaine d’années avait été mandaté par le prévenu pour aller faire la queue à sa place devant une boutique de la marque. Mission simple sur le papier : acheter la fameuse Royal Pop avec les 400 euros confiés par son commanditaire.

Sauf qu’entre théorie et réalité, il y avait plusieurs centaines de passionnés armés de cafés, de chaises pliantes et d’une patience à toute épreuve. Face à l’ampleur de la foule, l’émissaire abandonne finalement la mission. Il rentre bredouille et restitue l’intégralité de l’argent.

Fin de l’histoire ? Pas exactement.

“J’avais un doute”

Convaincu d’avoir été dupé, le collectionneur imagine alors un scénario parallèle. Selon lui, le jeune homme aurait bien acheté la montre avant de la revendre discrètement au marché noir, où certains modèles s’échangent déjà à des prix délirants.

Pris d’un mélange de paranoïa horlogère et de colère mal digérée, le trentenaire décide de régler l’affaire lui-même. Selon les éléments rapportés à l’audience, il aurait retenu la victime pendant une vingtaine de minutes dans la cave de son restaurant de kebab à Sainte-Marie-aux-Mines, afin de lui soutirer des aveux – ou éventuellement la montre.

Lors de son procès en comparution immédiate à Colmar, le prévenu a tenté de justifier son geste avec une sincérité désarmante :

J’avais un doute, je pensais qu’il avait utilisé mes sous pour acheter la montre et la revendre.

Une phrase qui résume peut-être mieux que n’importe quelle étude sociologique l’état actuel de certaines passions consuméristes.

De la MoonSwatch à la “Royal Pop”, la folie continue

Depuis les collaborations spectaculaires de Swatch avec des marques de luxe, les lancements de montres sont devenus de véritables événements sociaux. Files de plusieurs heures, altercations, spéculation en ligne et reventes immédiates font désormais partie du décor.

Mais cette fois, la passion a clairement dépassé le cadre du collectionnisme. Le tribunal correctionnel de Colmar a condamné l’homme à deux ans de prison ferme. À l’issue de l’audience, il a été immédiatement incarcéré.

Une conclusion brutale pour une affaire qui rappelle qu’entre l’amour des belles montres et la prise d’otage improvisée, il existe encore, heureusement, quelques nuances juridiques.

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Le 11 mai dernier, dans le quartier de Tiergarten à Berlin, la maison historique de Cologne a réuni sept finalistes venus des meilleures écoles de design allemandes autour d’un mot-clé devenu incontournable : la mobilité. Mais ici, pas question de parler uniquement de bagages cabine ou de vélos électriques premium. La mobilité version Rimowa se veut sociale et émotionnelle.

Animée par la journaliste Valerie Präkelt, la cérémonie réunissait un jury où se croisaient le regard technologique de Stefan Daniel de Leica Camera AG, la sensibilité design de Farah Ebrahimi pour e15 et l’œil acéré du designer Konstantin Grcic. À leurs côtés : Beatrice Monguidi, PDG de Rimowa, et Alexandre Arnault, incarnation du luxe nouvelle génération.

Et le grand gagnant ressemble moins à un objet de design qu’à un épisode de Black Mirror optimiste.

Baptisé “Nura”, le projet de Samuel Nagel et Paul Feiler, étudiants de l’École supérieure de design de Schwäbisch Gmünd, prend la forme d’un bracelet intelligent capable de traduire la langue des signes en parole. Grâce à des capteurs EMG analysant les mouvements musculaires de l’avant-bras et à une caméra interprétant les expressions faciales, le dispositif convertit les gestes en langage oral – pendant qu’un écran retranscrit simultanément les réponses vocales. En résumé, un traducteur universel portable, pensé pour fluidifier les échanges entre personnes sourdes et entendantes. Une innovation aussi élégante qu’utile, qui leur a valu le premier prix et une dotation de 20 000 euros.

Mais le reste du palmarès prouve que les jeunes designers allemands ont définitivement quitté le terrain du simple “bel objet”.

Mention spéciale à “Paludi Harvester”, imaginé par Niklas Henning de l’Université de Magdebourg-Stendal. Derrière ce nom digne d’un vaisseau spatial se cache une machine agricole conçue pour remettre les marais en eau tout en permettant leur exploitation durable. Un projet où l’écologie rencontre l’ingénierie lourde – et où le roseau devient presque un matériau d’avenir.

Autre proposition remarquée : “Compassion Aid”, développé par Tim Kipper et John Roller. Leur dispositif de communication destiné aux secours d’urgence améliore les interactions avec les patients grâce à un système lumineux réagissant aux commandes vocales et aux signaux visuels. Parce qu’en situation de crise, la clarté d’un message peut parfois compter autant qu’un défibrillateur.

Dans un registre plus humanitaire, Tobias Kremer et Yannick Stilgenbauer ont présenté “A.R.C.”, une solution de refroidissement autonome pensée pour les régions chaudes dépourvues d’infrastructures. Le projet permet de conserver médicaments et denrées alimentaires sans dépendre d’un réseau électrique classique. Une glacière low-tech, en quelque sorte – mais avec une ambition géopolitique.

Le vivant était lui aussi au centre des préoccupations. Avec “HYVE”, Nicolas Nielsen réinvente l’apiculture itinérante sous forme d’habitat mobile pour abeilles. L’idée ? Reconnecter des espaces verts fragmentés dans les zones urbaines et agricoles afin de renforcer la biodiversité. Oui, même les abeilles ont désormais droit à leur coworking mobile.

Et parce que le design contemporain adore brouiller les frontières entre poésie et technologie, Jakob Schlenker a imaginé “PIP”, un petit compagnon électronique en forme d’oiseau destiné aux personnes âgées. Entre gazouillis rassurants, aide à la prise de rendez-vous et station d’accueil en forme de nid, le projet évoque une rencontre improbable entre Tamagotchi, assistant vocal et thérapie douce contre la solitude.

Enfin, dans la catégorie “le mobilier qui veut prendre son envol”, Valerio Sampognaro a dévoilé “Aerodomestics”, une collection de meubles inspirés du fonctionnement des cerfs-volants. Fabriquées à partir de toile de voile et de tubes d’aluminium, ces structures ultralégères interrogent notre rapport à l’habitat dans une époque où tout devient mobile – y compris le salon.

Au-delà des prix, Rimowa poursuit surtout une stratégie claire : se positionner comme acteur culturel du design contemporain, bien au-delà de ses célèbres valises rainurées. Une manière aussi de séduire une nouvelle génération de créateurs sensibles aux enjeux climatiques, sociaux et technologiques.

L’an dernier déjà, le premier prix avait récompensé “Hottie”, un dispositif portable de soulagement des douleurs menstruelles combinant thermothérapie et stimulation nerveuse. Cette année, la tendance se confirme. Le design ne cherche plus seulement à embellir le quotidien. Il veut désormais le réparer.

Plus de renseignements sur rimowadesignprize.com

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Pendant que les tendances font des allers-retours frénétiques entre sneakers hybrides, sandales techniques et souliers à semelles de tracteur, lui reste là. Imperturbable. Bride au vent. Semelle bien ancrée. Une forme de résistance élégante.

Car le Mocassin 180 n’est pas seulement une chaussure. C’est un survivant raffiné. Un monument discret du vestiaire français. Une icône qui traverse les décennies avec cette assurance propre aux objets qui n’ont jamais eu besoin de crier pour être désirés.

Né en 1946 dans la manufacture J.M. Weston de Limoges, le modèle apparaît dans une France qui découvre à peine l’après-guerre. Eugène Blanchard, fils du fondateur, revient alors des États-Unis avec une idée en tête : importer le cousu Goodyear et donner au mocassin américain une sophistication française. Résultat ? Une silhouette aussi simple qu’inimitable.

Le reste appartient à l’histoire… et à plusieurs générations de pieds.

Car le 180 est un paradoxe admirable. Un soulier bourgeois devenu culte chez les étudiants, les artistes, les dandys, les banquiers, les femmes pressées, les hommes élégants et tous ceux qui savent qu’un vrai luxe ne se remarque pas immédiatement.

Son secret tient autant dans sa ligne que dans sa fabrication. Plus de 180 prises en main. Plus de 150 artisans. Une confection inchangée depuis sa création. Et, surtout, cette obsession du détail qui relève presque de la haute couture podologique : sept largeurs disponibles par demi-pointure. Oui, sept. Le pied aussi mérite son sur-mesure.

À Limoges, le temps ne s’accélère pas. Il se travaille. Le cuir y est découpé, monté, piqué, cousu, poli avec une précision qui confine à la liturgie artisanale. Même les semelles suivent un parcours à contre-courant de l’époque, issues de la tannerie Bastin & Fils à Saint-Léonard-de-Noblat, où les peaux prennent le temps de devenir durables.

Et durable, le 180 l’est au sens littéral. Grâce au cousu Goodyear, chaque paire peut être ressemelée, réparée, restaurée. Là où d’autres chaussures finissent dans un placard ou une benne après deux saisons, le Mocassin 180 se transmet. Il vieillit même avec panache. Sa patine raconte davantage qu’une usure : une biographie.

Pour célébrer cet anniversaire, J.M. Weston déroule en 2026 une année pensée comme un récit à chapitres. Héritage, transmission, savoir-faire, engagement responsable, collaborations contemporaines… La maison entend rappeler qu’un classique n’est jamais figé. Il évolue sans se trahir.

Et c’est peut-être là le plus grand exploit du 180.

Depuis huit décennies, il échappe à la mode tout en restant profondément dans l’air du temps. Il a vu passer le Newlook, Mai 68, les années Palace, le minimalisme des années 1990, le streetwear triomphant et le retour du quiet luxury sans jamais perdre son aplomb.

D’autres chaussures suivent les tendances. Le 180, lui, suit son propre chemin. Sans lacets. Sans détour. Et sans doute pour longtemps encore.

Plus de renseignements sur jmweston.com

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Il existe deux catégories de parfums d’été. Ceux qui sentent la crème solaire renversée sur un transat brûlant. Et puis ceux qui tentent quelque chose de plus ambitieux : recréer un souvenir impossible. Avec Un Jardin sous la Mer, Hermès vient clairement jouer dans la deuxième catégorie.

Cette fois, la maison artisanale ne vend pas seulement une fragrance. Elle vend une humidité. Une lumière. Un décalage horaire émotionnel.

Tout commence à Tahaa, en Polynésie française, là où Christine Nagel – nez maison et exploratrice officielle des sensations intraduisibles – raconte avoir été frappée par “les bleus”. Ceux du ciel, du lagon, de l’horizon qui finit par tout mélanger dans une sorte de bug chromatique géant. Même les oiseaux deviennent bleus, dit-elle. À ce stade, soit on écrit un parfum, soit on change définitivement de vie pour vendre des colliers de coquillages pieds nus. Hermès a choisi la première option.

Et contre toute attente, Un Jardin sous la Mer évite soigneusement le piège du parfum carte postale. Pas de noix de coco façon yaourt glacé. Pas de monoï criard qui hurle “soirée mousse à Ibiza 2009”. Ici, la coco est verte, presque brute, comme ouverte à la machette sur un ponton en bois humide.

Le tiaré apporte une douceur solaire, mais jamais trop sage. Puis arrive le tamanu – huile sacrée polynésienne devenue ici “colonne vertébrale” du parfum. Traduction : cette note mystérieuse qui fait que vous allez passer trois jours à sentir votre poignet dans le métro sans comprendre exactement ce qui vous obsède.

Et puis il y a la vanille de Tahiti. Dense. Sensuelle. Loin de cette vanille pâtissière qui transforme certains parfums en rayon dessert de station-service. Celle-ci est plus trouble. Plus peau chaude après le soleil que cupcake industriel.

Le plus étonnant reste peut-être la manière dont Hermès réussit à rendre ce parfum presque silencieux. Un Jardin sous la Mer ne cherche jamais à remplir la pièce. Il flotte. Il apparaît puis disparaît. Comme quelqu’un qui aurait passé quinze jours sur une île privée et refuserait désormais de parler trop fort.

Visuellement, le flacon reste fidèle à l’élégance clinique des Jardins Hermès. Mais à l’intérieur, c’est le chaos tropical maîtrisé : du sel, du soleil, des fleurs blanches, du bois humide, des souvenirs flous et probablement un coucher de soleil qui coûte trop cher.

Le vrai tour de force de Christine Nagel est là : avoir créé un parfum qui ne sent pas “les vacances”, mais ce moment précis où l’on regarde l’heure en réalisant que personne ne sait où l’on est. Et franchement, ça devient rare.

Plus de renseignements sur hermes.com

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Pour sa collection PS 2026, le géant suédois fouille donc dans ses archives comme un groupe de rock qui ressortirait ses vieux albums cultes. Pas pour faire du vintage propre et nostalgique. Non : pour réactiver les accidents industriels les plus attachants de son histoire.

Et cette fois, IKEA assume totalement le chaos.

Le fauteuil gonflable : ou l’art de transformer un bug en pièce design

Dans les années 1990, IKEA avait lancé un fauteuil gonflable. Sur le papier : le futur. Dans les salons : une catastrophe thermodynamique.

Le mode d’emploi demandait de gonfler le siège avec un sèche-cheveux. Des milliers de personnes ont évidemment utilisé l’air chaud. Résultat : les fauteuils fondaient doucement dans les appartements comme des sculptures contemporaines involontaires.

Et quand ils ne fondaient pas, ils expulsaient leurs utilisateurs à l’autre bout du salon avec l’élasticité agressive d’un château gonflable sous cocaïne. Normalement, une marque enterre ce genre d’idée pour toujours. IKEA, non.

Trente ans plus tard, les designers ont repris ce vieux désastre et l’ont traité comme un trésor patrimonial. Après des mois de tests, de crevaisons et probablement plusieurs humiliations collectives en réunion, le fauteuil gonflable revient enfin sous une forme maîtrisée.

Enfin… “maîtrisée” façon IKEA PS : toujours un peu absurde, toujours un peu futuriste, toujours à deux doigts de ressembler à un objet acheté dans une rave scandinave en 1997. Et c’est précisément pour ça qu’on l’adore.

Une étagère culte, mais en mode moine zen

Certaines pièces IKEA ont connu un destin inattendu : elles sont devenues des objets de spéculation. Des gens se battent aujourd’hui sur internet pour acheter d’anciennes étagères IKEA comme d’autres collectionnent des Rolex vintage ou des vinyles rares. Évidemment, la marque a trouvé ça fascinant.

Le designer Friso Wiersma s’est donc attaqué à une étagère mythique des années 80 imaginée par Niels Gammelgaard. Sauf qu’au lieu de refaire exactement le même meuble pour surfer sur la nostalgie, il l’a transformé en manifeste néo-artisanal.

Le métal industriel disparaît. Le bois massif arrive. Le meuble semble désormais avoir été fabriqué par un ébéniste ultra zen vivant dans une forêt nordique avec un abonnement à Kinfolk. C’est un peu comme si IKEA avait décidé de faire du mobilier méditatif. Le résultat est minimaliste, beau, légèrement prétentieux – donc parfaitement contemporain.

L’horloge rouge sous surveillance

Puis il y a cette chose. Officiellement, c’est une horloge. Officieusement, on dirait un personnage secondaire d’un cartoon soviétique perdu, revenu hanter une étagère de salon.

Imaginée par Marta Krupińska, la pièce réinterprète une célèbre horloge IKEA PS des années 90. Mais au lieu d’en faire une simple réédition nostalgique, la designer a créé une espèce de petit totem rouge tubulaire avec une présence franchement dérangeante.

L’objet semble regarder la pièce. En permanence. Et plus on le fixe, plus il ressemble à une créature qui pourrait cligner des yeux dès qu’on quitte le salon. Le plus fascinant, c’est qu’IKEA ne cherche même plus à rendre tout cela rationnel. La marque parle désormais d’objets-compagnons, de présence émotionnelle, de pièces qui vivent avec nous.

Nous sommes officiellement entrés dans l’ère du meuble avec personnalité. Et honnêtement ? Ça fait du bien.

IKEA PS 2026 : enfin des objets qui refusent d’être “discrets”

Depuis quelques années, le design intérieur ressemble parfois à une vaste conspiration beige. Tout est courbé, crème, silencieux, organique, parfaitement instagrammable.

IKEA PS arrive donc comme un enfant turbulent dans un showroom minimaliste. Des objets gonflables. Des horloges mutantes. Des meubles qui racontent des histoires bizarres. Des pièces qui prennent de la place visuellement et mentalement. Bref : du design qui accepte enfin d’être un peu ridicule, un peu ambitieux, un peu vivant.

Et dans le paysage ultra-lisse du mobilier contemporain, c’est presque devenu radical. Des réponses plus intelligentes, le chargement de fichiers et d’images, et bien plus encore.

Plus de renseignements sur ikea.com

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Impossible d’y échapper. Depuis plusieurs jours, TikTok, Instagram et les forums horlogers tournent en boucle autour d’un seul sujet. Après la MoonSwatch qui avait déclenché des files d’attente interminables, Swatch remet le couvert avec un nouveau coup marketing XXL – cette fois aux côtés d’Audemars Piguet. Et le résultat est aussi inattendu que spectaculaire.

Tout est parti de quelques teasers joliment distillés par Swatch. Un cordon en cuir. Le mot “Clake”. Puis “Royal” et “Pop” affichés sur des fonds ultra colorés. Enfin, un mécanisme aperçu quelques secondes. Suffisant pour mettre la planète watch en ébullition.

Les spéculations sont alors devenues incontrôlables. Montre squelette ? Tourbillon ? réédition néo-pop de la Royal Oak ? Les internautes ont imaginé tout, et parfois n’importe quoi.

Verdict ? La collection s’appelle bien Royal Pop. Et elle pousse encore plus loin la formule qui avait transformé la MoonSwatch en phénomène culturel. Ici, pas de simple hommage. Les deux manufactures réinventent carrément le port de la montre.

La collection comprend huit modèles en biocéramique Swiss Made inspirés de la mythique Royal Oak de 1972. Mais surprise, certaines pièces peuvent se porter au poignet, autour du cou, accrochées à un sac ou glissées dans une poche grâce à une lanière amovible. Une montre hybride, mi-accessoire de mode, mi-objet collector.

Et ce n’est pas tout. Un support permet même de transformer ces créations en montre de bureau. Oui, Audemars Piguet vient officiellement de faire entrer la Royal Oak dans l’ère du lifestyle nomade. L’univers visuel de la collection puise directement dans le Pop Art, avec des teintes saturées et des références assumées aux œuvres de Roy Lichtenstein. Swatch réactive aussi l’esprit irrévérencieux des fameuses Swatch POP des années 1980.

Au programme : lunettes octogonales à huit vis ; motif “Petite Tapisserie” revisité ; verre saphir antireflet ; Super-LumiNova® ; double logo AP x Swatch ; innovations brevetées.

Les modèles se divisent en deux familles : six versions Lépine avec couronne à 12 heures ; deux modèles Savonnette avec couronne à 3 heures et petite seconde.

Le vrai choc ? C’est le mouvement. Sous ses airs pop et ludiques, la Royal Pop cache une avancée technique inattendue : une nouvelle version manuelle du mouvement SISTEM51.

Visible grâce à un fond transparent, ce mécanisme entièrement automatisé promet plus de 90 heures de réserve de marche. Une prouesse industrielle qui risque d’alimenter encore davantage la hype autour de cette sortie.

Depuis l’annonce, les réseaux sociaux s’affolent. Certains parlent déjà d’une “MoonSwatch 2.0”, d’autres d’un futur casse-tête pour les revendeurs tant la demande s’annonce énorme. Une chose est sûre : Swatch maîtrise toujours aussi bien l’art du chaos horloger organisé.

La collection Royal Pop sera disponible dès le 16 mai prochain dans une sélection de boutiques Swatch.

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