Avec cette nouvelle fragrance masculine, Coach ne cherche pas à lisser les contours de l’homme moderne. Au contraire, Pure Platinum célèbre ses contrastes. Inspiré par l’architecture de Manhattan, par cette rencontre permanente entre le métal et le verre, le parfum traduit une masculinité affirmée et mouvante.

Ce « jus » s’ouvre comme une bouffée d’air au petit matin. La lavande y dialogue avec la mandarine et la pomme, fraîches et vibrantes, comme une avenue encore calme avant l’effervescence. Puis le cœur s’échauffe, plus charnel, porté par une absolue de rhum incandescente, relevée par la fleur d’oranger et un accord mousseux aux accents boisés. En fond, l’Ambrox, le labdanum et le cèdre cœur prolongent la sensation, laissant sur la peau un sillage intense et magnétique, à l’image de New York qui ne s’éteint jamais vraiment. Pour le parfumeur Tanguy Guesnet, Pure Platinum est avant tout une histoire de sensations, nourrie du romantisme et de l’énergie urbaine.

Pour incarner cette signature, Coach choisit Omar Apollo. Auteur-compositeur-interprète à l’identité singulière, le musicien devient le visage d’une campagne pensée comme un autoportrait. Filmée par Elaine Constantine et produite par l’agence Fred & Farid, la campagne s’ouvre sur une question simple, presque désarmante :

Qui suis-je ?

La réponse se dessine au fil d’un montage instinctif, porté par le titre « Talk », extrait de son album Ivory. On y suit Omar Apollo dans les rues de New York, entre moments de légèreté, d’introspection et d’élan créatif. Chaque scène dévoile une facette différente de l’homme Coach, libre de se définir selon ses propres règles.

Avec Pure Platinum, Coach enrichit sa ligne Coach For Men, une collection de fragrances qui raconte, parfum après parfum, les multiples chapitres d’une masculinité contemporaine. Des sillages vivifiants, boisés ou ambrés, tous reliés par un même fil conducteur : l’héritage new-yorkais et la liberté d’expression personnelle.

Coach Pure Platinum sera disponible dès le 2 mars 2026 en exclusivité chez Nocibé.

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Aux côtés des créatrices Allina Liu et Kim Shui, également finalistes, le designer a dévoilé une collection en trois pièces qui explore l’identité culturelle à travers un prisme contemporain. Le décor ? Un gala privé, calibré mais chaleureux, où la mode dialoguait avec le mythe.

La ligne primée se présente comme un manifeste en trois actes. Zhou y conçoit l’innovation non pas comme une rupture tapageuse, mais comme un état d’incubation – un moment suspendu où tradition et modernité cohabitent, se frôlent, puis fusionnent. Son point de départ : le mythe chinois de Pan Gu et l’image de l’œuf cosmique, matrice originelle d’où émergent le ciel et la terre. Chez Zhou, la coquille devient vêtement, protection, passage. Une armure douce. Une frontière poreuse entre héritage et futur.

Je suis profondément honoré d’avoir été sélectionné en tant que lauréat de la bourse CFDA | Genesis House AAPI Design + Innovation

a déclaré le créateur. Avant d’ajouter, dans une profession de foi qui résume son approche :

Je suis conforté dans ma conviction : l’innovation ne consiste pas à remplacer la tradition, mais à la faire évoluer vers l’avenir en utilisant le design pour imaginer de nouveaux futurs.

Derrière la poésie, un dispositif solide. Pendant cinq mois, les finalistes ont bénéficié d’un programme d’accompagnement mêlant mode, technologie et stratégie d’entreprise, ainsi qu’un financement initial de 40.000 dollars chacun offert par Genesis. Une immersion culturelle à Séoul, en Corée du Sud, est venue enrichir leur processus créatif – preuve que l’innovation, parfois, commence par un billet d’avion.

En décrochant la première place, Terrence Zhou s’est vu attribuer 60.000 dollars supplémentaires pour développer son entreprise, portant le montant total de sa bourse à 100.000 dollars. Une somme qui, à défaut de créer un monde, pourrait bien en façonner un nouveau vestiaire.

Les collections des trois finalistes resteront exposées au Genesis House jusqu’au 22 février prochain. L’occasion d’aller contempler, de près, comment un mythe millénaire peut encore faire éclore des silhouettes du futur.

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Avec 2.700 mètres carrés en ligne de mire, l’enseigne japonaise prouve que le minimalisme peut aussi voir grand. Et surtout qu’Uniqlo n’a pas le monopole de l’ambition nippone en Europe. Muji, chantre du “no brand” (Mujirushi Ryohin pour les puristes), a jeté son dévolu sur l’un des axes les plus fréquentés de la capitale. Résultat : un futur magasin parmi les plus vastes du continent, reléguant au rang de petit frère son déjà généreux format du Forum des Halles.

Un virage symbolique pour Muji, dont l’histoire parisienne a commencé en 1998 tout en discrétion, rue Saint-Sulpice, auprès d’une clientèle d’initiés rive gauche. En près de trente ans, la marque a essaimé dans le Marais, à Saint-Lazare, à Bastille… six adresses au total. Mais Rivoli change d’échelle : trois niveaux, un format XXL et une artère qui voit défiler près de 15 millions de visiteurs par an. Le “sans logo” sort de sa zone de confort.

Un Muji plus grand, plus riche, plus européen

La future boutique s’étendra sur 2.500 m² de surface de vente, répartis sur trois niveaux (-1, rez-de-chaussée et +1). Pour nous, c’est une véritable relance à Paris, puis à Londres, avant un déploiement plus large en Europe

explique à FashionNetwork.com Uriel Karsenti, directeur Europe de l’enseigne. Objectif affiché : aligner l’image de Muji en Europe avec son standard mondial.

Car aujourd’hui, les magasins européens n’exposent qu’environ la moitié de l’offre japonaise. À Rivoli, Muji pourra enfin lâcher les chevaux – ou plutôt les étagères : 85 % de l’offre nippone, incluant vêtements enfants, soins pour la peau, accessoires, maison, électronique… bref, tout l’art de vivre Muji sous un même toit.

Ce sera notre plus grand magasin en Europe, hors Finlande où nous avons un restaurant. Nous cherchons également un emplacement à Londres, idéalement autour d’Oxford Street, pour une ouverture majeure en 2027

précise le dirigeant.

Le flagship parisien fait donc figure de laboratoire stratégique, chargé de tester le potentiel d’expansion internationale du concept.

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Un bâtiment qui bat à nouveau la mesure

Le décor n’est pas anodin. Avant Muji, C&A y a habillé des générations entières jusqu’à sa fermeture en 2023. Depuis, le propriétaire Redevco a engagé une refonte complète de cet ensemble de 13.000 m², dans un projet bien plus ambitieux qu’un simple lifting de façade.

Baptisé BPM (Beats Per Minute), le chantier piloté par l’architecte Franklin Azzi mêle retail, hôtellerie et usages hybrides. Outre le flagship Muji, le bâtiment accueillera un hôtel Radisson Collection de 57 chambres, des bureaux premium (LVMH serait intéressé par une partie des surfaces) et même un pôle de logistique urbaine en sous-sol. Le tout sans oublier l’histoire : une crypte classée du XIIIe siècle sera conservée, tandis qu’un rooftop végétalisé, accessible au public, offrira une nouvelle vue sur les toits de Paris.

Un signal fort pour Muji… et pour Rivoli

Alors qu’une autre enseigne de mode doit encore être dévoilée, Muji arrive avec tout son concept hybride mode-maison sur un axe parisien en pleine mue. Sa maison-mère, Ryohin Keikaku, a clôturé l’exercice 2024-25 avec un chiffre d’affaires de 785 milliards de yens (environ 4,3 milliards d’euros) et 1.450 magasins dans le monde. Si l’Europe et l’Amérique du Nord ne représentent encore que 5 % de l’activité, la dynamique est bien là, avec des croissances à deux chiffres en Europe début 2025-26 et une présence dans neuf marchés.

L’offre sera d’ailleurs progressivement enrichie en ligne dès la saison prochaine. De quoi rebattre les cartes du parc français actuel – cinq magasins à Paris, un à Lyon – et ouvrir la voie à de nouveaux formats plus ambitieux.

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L’attitude singulière et l’assurance naturelle de Gracie Abrams incarnent parfaitement l’esprit de Coco Crush

indique la maison dans un communiqué.

Traduction libre : Chanel a trouvé en Gracie Abrams une élégance sans effort, loin du glamour tapageur, plus proche du bijou que l’on porte pour soi que de celui que l’on exhibe. Sa première campagne pour la maison parisienne sera dévoilée mardi 13 janvier 2026.

Inspirée du motif matelassé, signature de Chanel depuis 1955, la collection Coco Crush décline bagues, bracelets, colliers et boucles d’oreilles en or beige, jaune ou blanc, sertis ou non de diamants. Des lignes nettes, graphiques, presque sages – jusqu’à ce qu’on les regarde de plus près. Un peu comme la musique de Gracie Abrams.

Révélée à la fin des années 2010, l’auteure-compositrice-interprète s’est d’abord imposée avec des singles et EP sortis en 2019 et 2020, dont Minor (2020), suivi de This Is What It Feels Like (2021). Une pop dite “bedroom”, intime, mélancolique, où l’émotion prime sur l’esbroufe. En 2023, elle franchit un cap avec Good Riddance, son premier album studio, qui lui vaut une nomination très remarquée dans la catégorie Meilleure Nouvelle Artiste lors de la 66e cérémonie des Grammy Awards.

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L’année suivante, elle confirme avec The Secret of Us, un deuxième album dont l’édition Deluxe contient That’s So True, son titre le mieux classé à ce jour. Une trajectoire ascendante, sans virage brutal, qui semble avoir séduit Chanel autant que son esthétique personnelle : sobre, réfléchie, résolument contemporaine.

Née à Los Angeles, Gracie Abrams n’échappe pas à une certaine généalogie hollywoodienne. Elle est la fille de J.J. Abrams, réalisateur et producteur américain dont les films ont généré plus de 4 milliards de dollars au box-office mondial, ce qui le place parmi les cinéastes les plus rentables de tous les temps. Un héritage prestigieux, que la chanteuse a toujours contourné avec une discrétion presque stratégique.

En rejoignant Chanel, Gracie Abrams intègre un cercle sélectif d’icônes modernes, aux côtés de Lupita Nyong’o, Riley Keough, Margaret Qualley, Tilda Swinton, Penélope Cruz ou encore Lily-Rose Depp. Une galerie de visages forts, singuliers, parfois inattendue – exactement le genre de compagnie où la jeune artiste semble à sa place.

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Harrods a décidé d’embrasser le marché florissant de la seconde main en rejoignant le programme Rolex Certified Pre-Owned. Une sorte de label bio de l’horlogerie, mais version prestige : chaque montre est âgée d’au moins deux ans d’existence de fabrication, a été inspectée sous toutes les coutures (littéralement), polie, bichonnée, et ressort avec un sceau officiel ainsi qu’une garantie internationale de deux ans. Bref : l’occasion, oui, mais sous stéroïdes de luxe.

Dans le grand magasin Londonien, l’espace dédié trône désormais en plein cœur du département horloger, comme si le neuf devait faire un peu de place à ses aînées. On y trouve des classiques intemporels, certes, mais aussi des pièces tellement rares qu’on hésiterait presque à respirer trop près d’elles.

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Anti-faux et anti-stress

Le marché de la seconde main horlogère attire tellement d’acheteurs que les contrefaçons pullulent comme des champignons après la pluie. Une Rolex d’occasion à prix élevé ? Rien de plus tentant pour les faussaires.

D’où la stratégie imparable de la maison : contrôler elle-même la filière via des partenaires triés sur le volet, parmi lesquels le détaillant suisse Bucherer, pionnier du programme, et désormais Harrods. L’objectif ? Que chaque modèle certifié soit aussi rassurant qu’un coffre-fort, avec une authenticité garantie par la maison mère.

Le luxe fait peau neuve… avec du vieux

Lancé il y a trois ans, le programme Certified Pre-Owned ne cesse de s’étendre. Le message est clair : la seconde main n’est plus un marché parallèle, mais une nouvelle manière de consommer le luxe. Plus durable, plus transparente, mais toujours aussi désirable.

Harrods, en embarquant dans l’aventure, confirme que même les institutions les plus traditionnelles doivent suivre l’évolution des goûts du public — même si cela implique de donner une seconde vie à des objets dont la première a déjà été dorée.

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De New York à Tokyo en passant par Londres, l’actrice glisse, tourne et sourit sous l’œil complice de la photographe Carlijn Jacobs et de Jonas Lindstroem à la réalisation. Un fil blanc de satin s’enroule autour du fameux coffret bleu Tiffany, et soudain, l’amour — sous toutes ses formes — semble palpable. Passion, tendresse, amour de soi… tout est là, comme si on pouvait le toucher.

Les bijoux eux aussi racontent une histoire : HardWear, Lock, T, Knot… et bien sûr la collection Bird on a Rock. Chaque pièce brille avec une insolence délicate, et Anya, comme toujours, a ce petit quelque chose qui transforme le glamour en magie.

Et puis, il y a ce twist : tout se termine là où tout a commencé, sur les pavés enneigés de New York. Une boîte bleue dans les mains, un diamant à la lumière, et un sourire qui dit : « Oui, c’est ça, le cadeau ultime. »

Avec Love Is a Gift, Tiffany & Co. nous offre un cocktail parfait : cinéma, poésie, bijoux et un brin de fantaisie. Une campagne qui nous rappelle que l’amour, comme le style, n’a pas besoin d’être sérieux pour être éternel.

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On pourrait commencer cette histoire dans un atelier à Oaxaca, au milieu de la poussière de terre noire, là où des mains façonnent des vases qui semblent sortis d’un rêve. Mais non. Tout débute à Montréal, dans une chambre tapissée de livres et de posters d’art. Sylvain Marcoux a dix-huit ans et une conviction : la beauté est un besoin vital, pas un luxe. Alors, pendant que d’autres investissent l’argent de leur bac dans des voyages, lui achète son premier tableau. C’est un peu fou, un peu romantique. C’est aussi le début d’une addiction.

Très vite, il collectionne, rencontre, questionne. Les artistes deviennent ses maîtres et ses amis. Mais déjà, le jeune homme regarde ailleurs. L’ailleurs, justement : il a besoin de l’entendre, de le parler. En 1981, il part à Londres apprendre l’anglais chez des cousins. Il y découvre deux choses : l’autonomie et la photographie argentique. Les clichés noir et blanc de cette époque, pleins de brume et de solitude, annoncent déjà le ton de sa vie : un mélange de poésie et de précision.

Paris, la belle

Quatre ans plus tard, Paris. La révélation. Il tombe amoureux de la ville comme on tombe amoureux d’une personne : irrémédiablement. La Rive Gauche, les galeries, les cafés où l’on disserte sur Sartre et le sens de la beauté, tout le subjugue. Même lorsqu’il rentre au Québec, la ville-lumière ne le quitte pas. En 1989, il cède : “le prochain voyage sera sans retour”. Le ton est donné.

À Paris, Sylvain Marcoux devient un homme d’art dans le vrai sens du terme. Une rencontre change tout. Une historienne de l’art, commissaire indépendante, qui lui ouvre les portes des grandes expositions. Ensemble, ils signent deux projets phares : Chagall en Russie et Diego Rivera – Frida Kahlo, présentés à la Fondation Gianadda puis au Musée Maillol. Durant douze ans, Sylvain Marcoux apprend le métier sur le tas, du montage d’une toile de maître à la rédaction d’un catalogue, du plan de table à la recherche de financements. La rigueur suisse, la folie mexicaine et le charme parisien réunis en une seule personne.

Le design comme territoire

En 2001, nouveau virage. Sylvain Marcoux intègre Artcodif, la maison d’édition du Musée des Arts Décoratifs. Il y découvre le design, cet art de vivre qui dit le monde sans discours. Il y croise des noms devenus mythiques : Éric Jourdan, Jean-Baptiste Sibertin-Blanc, Marco Mencacci… Il comprend que les objets aussi ont une âme — surtout quand ils sont pensés avec respect.

Trois ans plus tard, il rejoint la SAFI, la société qui pilote Maison & Objet. Le salon du design devient son terrain de jeu. Sa première mission ? Concevoir une exposition sur les artistes décorateurs. Traduction : construire un pont entre les disciplines, encore. Et ce rôle, il le tiendra toute sa vie.

En 2008, il passe chez Camper. Une marque espagnole, un projet hybride, des designers invités à dessiner des chaussures. Le projet To&ether (l’un des premiers à croiser design et mode) lui permet d’orchestrer des collaborations signées Jaime Hayon, Jasper Morrison, Bernhard Willhelm. Il organise aussi l’ouverture de la boutique place de l’Opéra à Paris, conçue par Tokujin Yoshioka. Un moment de grâce : la poésie du Japon dans la pierre haussmannienne.

Puis vient Vitra. En 2011, Sylvain Marcoux devient le porte-voix français de l’éditeur suisse. Il approfondit sa connaissance des classiques, fréquente les plus grands noms du design contemporain, de Hella Jongerius à Barber & Osgerby. Son métier ? Traduire les idées en émotions, faire circuler la beauté. Bref, tisser des liens — encore et toujours.

Mexico, la révélation en technicolor

Mais la beauté, chez Sylvain Marcoux, n’a jamais été immobile. Et c’est au Mexique que son histoire bascule une seconde fois. Noël 2011, Puerto Escondido. La lumière, la chaleur, les rires, l’architecture moderniste qui s’érode au soleil. Puis Mexico, la capitale : un chaos ordonné, vibrant, coloré. Le coup de foudre est immédiat.

C’était comme Paris, mais avec le cœur en plus

confie-t-il.

Le pays, sa culture, son artisanat, tout le fascine.

Il comprend alors qu’il a trouvé un nouveau terrain de jeu : le dialogue entre le design européen et les savoir-faire mexicains.

C’est ainsi que naît Maison Marcoux Mexico, un projet à la fois puriste et visionnaire. L’idée ? Inviter des designers contemporains européens à collaborer avec des artisans mexicains sur des matériaux ancestraux — poterie, argent, tissage, obsidienne. Plus qu’un concept, une rencontre entre les mondes.

Je voulais créer des objets qui racontent une histoire à deux voix

résume-t-il.

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Vision y Tradición : la naissance d’un langage

En 2018, Mexico devient World Design Capital. L’occasion parfaite. Sylvain Marcoux est invité à présenter Maison Marcoux Mexico lors de la Mexico Design Week. Il réunit la Française Constance Guisset et le Mexicain Adán Carabes : duo improbable, alchimie parfaite. De cette collaboration naît la collection Mezcalienne, un hommage à la terre noire de Oaxaca.

Les pièces — table Sombrero, carafe Penacho, vases sculpturaux — reprennent les codes du rituel et du rêve. Constance Guisset parle d’“aventures mexicaines incroyables, choc des couleurs et des matières, entrecoupé de danse.”

Présentée au Museo Nacional de Antropología, puis à Paris, Londres et Milan, la collection devient culte. Le barro negro, cette argile noire polie jusqu’à la brillance, devient la signature de la maison. Les vases semblent respirer, les lignes vibrent. On y sent la main de l’artisan et la pensée du designer. De l’ombre à la lumière, en somme.

Héritage : la continuité du geste

La suite s’appelle Heritage. Un projet porté en 2022 par le designer mexicain Raúl de la Cerda, réalisé à San Bartolo Coyotepec par le maître Felipe Fabián Pedro. Des vases préhispaniques au parfum de modernité, des surfaces polies comme des miroirs d’obsidienne. Exposée à Paris, Milan, au Grand Palais Éphémère, la collection parle de mémoire et de transmission.

Et parce qu’il n’aime pas les cadres figés, Sylvain Marcoux pousse plus loin : installations scénographiques, dialogues entre collections, hommages à la fête des morts. En 2024, il conçoit “L’autel d’un collectionneur”, une installation poétique présentée chez Cosentino Paris City. Cette fois, il mêle ses deux univers — Paris et Mexico — dans une célébration du lien. On y trouve les pièces de Mezcalienne et Heritage, des bougies, des fleurs, des photos d’artisans. Un pont entre la vie et la création.

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Sylvain, le passeur élégant

Sylvain Marcoux, c’est un peu le personnage de film de Wong Kar-wai égaré dans le monde du design. Toujours impeccable, il parle avec douceur mais agit avec précision. Les mots “beauté”, “respect” et “équilibre” reviennent souvent dans sa bouche.

À l’heure où le design s’emballe pour les algorithmes et les tendances express, il choisit la lenteur du geste. “Le luxe, aujourd’hui, c’est le temps”, aime-t-il dire. Et ce temps, il le consacre à tisser, à relier, à faire dialoguer. Son métier, au fond, n’est ni curateur, ni communicant, ni directeur artistique : il est passeur.

Juan Coronel Rivera, petit-fils de Diego Rivera, l’a résumé mieux que quiconque :

Conocí la labor de Sylvain Marcoux en el campo de las artes hace veinte años. Cuando
colaboramos en la realización de una muestra sobre Diego Rivera. Entonces descubrí el gran
interés que tiene por la cultura mexicana.

(trad. : Je connais le travail de Sylvain Marcoux dans le domaine des arts. Il y a vingt ans, nous avons collaboré à la réalisation d’une exposition sur Diego Rivera. C’est alors que j’ai découvert le grand intérêt qu’il porte à la culture mexicaine.)

Beauté et fraternité

Aujourd’hui, Maison Marcoux Mexico est une philosophie. Refuser de choisir entre hier et demain, entre l’Europe et l’Amérique latine, entre artisanat et design. Ses collections s’exposent à Paris, Londres, Milan. Mais elles respirent toujours l’air chaud de Oaxaca.

Chaque pièce raconte la même histoire : celle d’une main qui façonne, d’un regard qui écoute, d’un monde qui se parle.

Et si la beauté sauvera le monde, comme le disait Dostoïevski, Sylvain Marcoux en est l’un des messagers les plus convaincus. Pas de slogans, pas de postures. Juste un homme qui sait que le beau, quand il est vrai, ne connaît pas de frontières.

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Quatre de ces fragrances dessinent déjà une carte intime de la capitale. Thé au Palais Royal (n°03) s’ouvre comme une parenthèse feutrée : un thé Oolong aux reflets boisés, éclairé par le jasmin et la graine d’ambrette, capturant la lumière qui se faufile entre les arcades et les colonnes noires et blanches de Buren. Plus haut, sur la butte, Folies à Montmartre (n°04) fait claquer un cuir noir chic et bohème, réchauffé de rose et d’encens, écho aux nuits d’artistes et à l’énergie libre du quartier.

L’escapade continue au pied de la Dame de Fer : Un Samedi à Paris (n°05) mêle le piquant du poivre et de la cardamome à la douceur de la vanille et de la fève tonka, comme un après-midi gourmand en terrasse avec vue sur la tour Eiffel. Enfin, place au romantisme sophistiqué d’Un Baiser Place Vendôme (n°08) : duo de santal et d’iris irisé, musqué et feutré, à l’image d’un rendez-vous galant scellé sous les arcades majestueuses.

À travers ces récits parfumés, Solférino Paris refuse les cases. Pas de genre, pas de cloisonnement. Chaque fragrance devient un fragment de ville à s’approprier, à réinterpréter. Même le design joue les clins d’œil : sceau vert anglais comme la porte de l’hôtel particulier, soleil rayonnant gravé en hommage à la Ville Lumière, damier graphique inspiré des sols parisiens.

En somme, Solférino Paris ne propose pas seulement des flacons, mais une manière de porter la capitale sur sa peau. Et au détour d’un sillage, de retrouver un Paris qu’on croyait connaître.

Informations pratiques : Eau de Parfum 70 ml – 2.4 fl. oz. : 160 €. Eau de Parfum 125 ml – 4.1 fl. oz. : 260 €. Pour plus de renseignements sur solferino-paris.com

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La maison australienne, déjà réputée pour transformer chaque gel douche en expérience quasi monacale, s’attaque à la galaxie. Littéralement. Avec l’aide du parfumeur Céline Barel, Aesop balance dans l’air un jus « incandescent comme une étoile filante » – et non, ce n’est pas une métaphore marketing, c’est la promesse officielle.

Au cœur de la constellation : l’ambre. Mais attention, pas la version boule à facettes des parfumeries de centre commercial. Ici, l’ambre flambe, piqué par une cardamome qui chauffe plus qu’un radiateur mal réglé. Ajoutez à cela de l’oliban, du labdanum et une vanille qui frôle la liqueur, et vous obtenez un parfum à la fois chaud et glacial, aussi contradictoire qu’un mojito bu en plein hiver.

Une histoire plus longue qu’un film d’auteur

Chez Aesop, un parfum ne se contente pas d’être une fragrance, c’est toujours un roman fleuve. Steorra, Above Us n’échappe pas à la règle : ouverture pétillante (bergamote, cardamome, élémi), cœur profond et mystique (cypriol, encens), finale suave (cannelle, vanille rhum). On croirait presque suivre une trilogie en trois actes.

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Steorra, qu’est-ce ?

Le nom, « étoiles » en vieil anglais, pose le décor. Quant à Above Us, c’est une piqûre de rappel : malgré Netflix, les néons et les deadlines, il reste toujours un ciel à regarder. Message : respirez, rêvez, sentez.

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Derrière cette audace, Sarah Burton, directrice artistique de la Maison, puise son inspiration dans les archives des années 1950. Ces robes de bal somptueuses, ciselées pour sublimer la silhouette féminine, deviennent un terrain de jeu : elles sont coupées, réinterprétées, presque déconstruites. “Trancher dans le passé pour mieux inventer le futur” pourrait être le mantra de cette saison. Et les Mocassins Tux en cuir effet miroir en sont la preuve tangible : un design net et réfléchi qui semble avoir été sculpté au laser, mariant rigueur et liberté.

Mais attention : il ne s’agit pas d’un simple exercice de style. Ces mocassins sont pensés pour la femme et l’homme modernes, ceux qui enchaînent les réunions, les cafés et les galeries d’art, tout en restant ancrés dans leur époque. Le cuir effet miroir capte la lumière à chaque pas, créant un subtil équilibre entre audace et élégance. Chaque mouvement devient une déclaration, chaque reflet un clin d’œil à l’histoire tout en affirmant son identité propre.

Les Mocassins Tux ne sont pas qu’une chaussure : ils sont manifeste. Ils disent que la féminité et la masculinité peuvent être libres, affirmées, précises, qu’elles peuvent célébrer le passé sans s’y enfermer et qu’elles peuvent jouer avec les codes sans jamais les oublier. Chez Givenchy, le soulier devient un instrument d’expression, un objet à la fois couture et art contemporain, capable de trancher avec le convenu pour révéler une nouvelle manière de marcher.

En somme, les Mocassins Tux en cuir effet miroir sont le mariage parfait entre élégance et humour. Et si vous pensiez que les mocassins ne pouvaient pas faire parler d’eux, Givenchy vient de prouver le contraire : avec cette création, même le plus classique des souliers peut devenir radicalement iconique. Alors, prêts à marcher dans le futur… avec style ?

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